LAND ART

[papo1]

Roberto Smithson
Ningún estudio del land art estaría completo sin incluir la contribución fundamental de Robert Smithson. Después de una temprana carrera como pintor en la que fue influenciado por los pintores expresionistas de la escena del centro de la ciudad de Nueva York, Smithson modificó su práctica en 1964, cuando su trabajo se vio influenciado y alineado con los de los minimalistas. Su nuevo trabajo de esta época comenzó a usar combinaciones de materiales para formar composiciones escultóricas tridimensionales, lo que resultó en una serie de obras 'no-sitios' en las que la tierra y las rocas recolectadas de caminatas a un área específica se instalaron en la galería como esculturas, a menudo incorporando mapas, papeleras, espejos, vidrio y neón. Smithson se hizo más conocido por los movimientos de tierra  Spiral Jetty  (1970),  Broken Circle / Spiral Hill  (1971) y  Amarillo Ramp . (1973). Con estas construcciones monumentales, cambió para siempre las nociones recibidas de forma escultórica en el arte contemporáneo al sacar el arte del contexto de la galería por completo, llevándolo al paisaje baldío y parte de él. Provocador por naturaleza, Smithson estaba fascinado por los conceptos de dualidad y entropía. Spiral Jetty  es una escultura de movimiento de tierras construida en abril de 1970 y fue construido en la costa noreste del Gran Lago Salado cerca de Rozel Point en Utah completamente de barro, cristales de sal y rocas de basalto. El trabajo forma una bobina en sentido contrario a las agujas del reloj de 1500 pies de largo (460 m) que sobresale de la orilla del lago. Se necesitaron seis días para construir y varias piezas de maquinaria de construcción pesada para transportar 6.650 toneladas de roca y tierra al lago. La obra en realidad se construyó dos veces; después de contemplar el resultado durante dos días, Smithson llamó a la tripulación y modificó la forma a su configuración actual, un esfuerzo que requirió mover 7,000 toneladas de roca basáltica durante tres días adicionales de construcción. En el momento de su donación a la Fundación Dia Art en 1999, Spiral Jetty había pasado la mayor parte de su existencia sumergido bajo las aguas del lago y apenas visible salvo desde el aire. Sin embargo, a principios de la década de 2000, Spiral Jetty  se hizo visible por primera vez en su historia.

[papo1]

Nancy Holt
Nancy Holt fue una artista estadounidense más conocida por su escultura pública, arte de instalación y arte terrestre. A lo largo de su carrera, Holt también produjo obras en otros medios, como cine y fotografía, y escribió libros y artículos sobre arte. En 2017, se fundó la Fundación Holt/Smithson para continuar con el espíritu creativo e investigador de las obras de ella y su esposo Robert Smithson, quienes, a lo largo de sus carreras, desarrollaron métodos innovadores para explorar nuestra relación con el planeta, en gran parte mediante la expansión de los límites del monumental movimiento de tierras. y práctica escultórica. Comenzó su carrera artística como fotógrafa y videoartista, y es desde esta perspectiva que abordó sus posteriores movimientos de tierra, que fueron concebidos como dispositivos para rastrear las posiciones del sol, la tierra y las estrellas, y para relacionar estos elementos celestes con un punto fijo en la tierra. Hoy, Holt es más conocida por sus trabajos ambientales a gran escala,Túneles del Sol y Parque de la Estrella Oscura . Túneles del solconsta de cuatro túneles de hormigón macizo (18 pies de largo y nueve pies de diámetro), que están dispuestos en una configuración cruzada para formar una longitud total de 86 pies (26 m) a lo largo de cada eje. Cada túnel reacciona al sol de manera diferente, alineado con el amanecer, el atardecer, el solsticio de verano o invierno. Los visitantes que se acercan al sitio pueden ver los túneles desde una distancia de hasta dos kilómetros, ya que las formas masivas de hormigón se diferencian fuertemente del plano estéril en el que están situados. Los túneles no solo brindan un refugio esencial contra el sol abrasador del desierto, sino que una vez dentro, se pueden ver los deslumbrantes efectos de luz dentro de los túneles. La parte superior de cada túnel tiene pequeñas perforaciones, formando de forma diversa en cada uno de ellos las constelaciones de Draco, Perseo, Columba y Capricornio, respectivamente. Los diámetros de los agujeros difieren en relación con la magnitud de las estrellas representadas. Estos agujeros arrojan manchas de luz diurna en los oscuros interiores de los túneles, que parecen casi las mismas constelaciones de estrellas, proyectadas contra la superficie interior.

[papo1]

Walter de María
Explorando la relación entre lo relativo y lo absoluto, Walter de Maria utilizó formas geométricas para crear una serie de repeticiones en sus esculturas, instalaciones y trabajos en tierra. Inicialmente formado como pintor, cambió rápidamente su arte hacia la escultura con una práctica en la intersección de Minimal Art, Conceptual Art y Land Art. Influenciado por sus compañeros como Donald Judd y por el dadaísmo, el suprematismo y el constructivismo, desarrolló su interés por las esculturas serializadas, numeradas e interactivas con el espectador. Utilizando componentes geométricos básicos y siguiendo secuencias matemáticas, dispuso formas para crear una serie de repeticiones. Sus obras de arte en acero fundido y pulido, están enmarcadas en estructuras poligonales que transmiten al espectador una sensación de absoluto. Su trabajo de la tierra más conocido,Lighting Field (1977), es una cuadrícula de una milla por un kilómetro instalada en un área remota del desierto de Nuevo México. La rejilla consta de cuatrocientos postes de acero inoxidable pulido, que miden más de veinte pies de alto y con una punta puntiaguda que define un plano horizontal, el punto de atracción de los rayos. El visitante puede caminar dentro de la cuadrícula o mirar desde lejos y se somete a una experiencia física y psíquica. Arte, paisaje y naturaleza se encuentran en una serie de intensos efectos ópticos, que cambian según el tiempo y el espacio.

[papo1]

Michael Heizer
Conocido por su capacidad para construir obras a gran escala y explorar la relación entre el espacio positivo y el negativo, Michael Heizer ha sido una figura destacada del movimiento del land art desde que tenía veinte años, a finales de la década de 1960. A través de sus excavaciones y construcciones monumentales, Heizer analiza la escala y las formas para construir obras que evocan miedo y asombro al mismo tiempo que son capaces de sobrevivir a la humanidad. Comenzó su carrera con lo que él llamó “pintura en negativo”, una serie de lienzos con formas, y realizó su primer trabajo en negativo sobre la tierra , Norte, Este, Sur, Oeste, a fines de la década de 1960. Esta obra consistió en una serie de huecos de formas geométricas excavados en el desierto de Sierra Nevada y supuso su primera incursión en los monumentales movimientos de tierra.

Desde entonces, Heizer ha realizado varios proyectos a gran escala, incluidos Nine Nevada Depressions (1968), Primitive Dye Paintings (1969) y Double Negative (1969). En 1972, Heizer comenzó a trabajar en su monumento más ambicioso, una obra magna llamada Ciudad . Situada en el desierto de Nevada, esta obra de tierra/escultura/monumento a la civilización está inspirada en las tradiciones de los nativos americanos y en las antiguas ciudades rituales precolombinas como Teotihuacan. El proyecto tiene una milla y media de largo y está construido con rocas, arena y concreto extraído principalmente de la tierra circundante y mezclado en el sitio. Construido a lo largo de más de cuatro décadas, City  está a punto de completarse y se abrirá al público en 2020.

[papo1]

Ana Mendieta
Esta artista feminista cubana es conocida como una de las pioneras del Land Art, especialmente por la forma en que el cuerpo humano se relaciona y regresa a la naturaleza. Con una producción de más de 200 obras, Mendieta utilizó su cuerpo y la tierra como medio para crear polémicas esculturas. Sus obras son de múltiples capas y altamente filosóficas, y se relacionan con múltiples movimientos artísticos como el performance y el arte corporal, el conceptualismo y el land art. El legado del artista cuenta una historia de igualdad humana, de secuencias cíclicas entre la vida y la muerte y de la fuerza omnipresencia de la madre naturaleza.

A través de su serie de fotos y videos Silueta (1973-1980), Mendieta se convirtió en una de las pioneras del arte en tierra. En este proyecto, la artista modeló su cuerpo en diferentes paisajes para mostrar la conexión indisoluble entre la tierra y la naturaleza humana. Viajando durante varios años a través de Iowa y México, Mendieta usó materiales naturales para unir su cuerpo con los cuatro elementos para esculpirse con y en la madre naturaleza. Este diálogo en capas entre el paisaje y la carne se convirtió en la forma del artista de remodelar las identidades fragmentadas de la artista oprimida, las políticas de identidad de los refugiados y las cuestiones de la ecología y el cuerpo.

[papo1]

Agnes Denes
Agnes Denes es una artista conceptual estadounidense nacida en Hungría que vive en Nueva York. Es conocida por trabajar en una amplia gama de medios, desde poesía y escritos filosóficos hasta diagramas complejos representados tanto a mano como por computadora (lo que ella denomina Filosofía visual), escultura e instalaciones ambientales internacionales, como Wheatfield—A Confrontation ( 1982), un campo de trigo de dos acres en el centro de Manhattan. Nacida en Budapest, Hungría en 1931, su familia sobrevivió a la ocupación nazi y se mudó a Suecia a mediados de la década de 1940. Cuando ella era una adolescente, se mudaron nuevamente a los Estados Unidos. Ella ha dicho que comenzó a enfocarse en las artes visuales porque los repetidos cambios en el lenguaje que se vio obligada a enfrentar en sus años de formación comprometieron sus habilidades verbales.

Una figura principal entre los artistas basados ​​en conceptos que surgieron en las décadas de 1960 y 1970, Denes fue un pionero de varios movimientos artísticos, a menudo investigando simultáneamente la ciencia, la ecología, la filosofía, la lingüística, la psicología, la poesía, la historia y la música. Como una de las primeras practicantes del arte ambiental, creó Rice/Tree/Burial en 1968 en el condado de Sullivan, Nueva York, que, según el renombrado historiador de arte y curador Peter Selz, fue "probablemente la primera pieza específica de sitio a gran escala en cualquier lugar".

Su trabajo seminal se considera Wheatfield – A Confrontation, que catapultó la conciencia de su práctica a la prominencia internacional. Fue creado durante un período de cuatro meses en la primavera y el verano de 1982 cuando Denes, con el apoyo del Public Art Fund, plantó un campo de trigo dorado en dos acres de vertedero cubierto de escombros cerca de Wall Street en el bajo Manhattan (ahora el sitio de Battery Park City y el World Financial Center). En mayo de 1982, después de meses de preparativos, se plantó el campo de trigo a dos cuadras de Wall Street y el World Trade Center y frente a la Estatua de la Libertad. Se trajeron 200 camiones de tierra y se limpiaron 285 surcos de piedras y basura y se cavaron a mano. Las semillas sembradas a mano y los surcos tapados con tierra. El campo se mantuvo durante cuatro meses, se deshierbó, se fertilizó, se roció y se instaló un sistema de riego.

[papo1]

Milton Becerra
Milton Becerra es un artista terrestre venezolano que fue pionero en esta forma de arte en América Latina en la década de 1970. De 1973 a 1980 fue ayudante en los talleres de los reconocidos maestros Carlos Cruz-Diez y Jesús Soto. Participó en su primera exposición colectiva cuando aún era estudiante, mientras estudiaba tendencias como Concrete, Neo, Kinetic, Generative y Op-art. En 1973 inauguró su primera exposición individual basada en la disposición de diferentes módulos hexagonales en el espacio a partir de la teoría del Cubo Blanco de Kasimir Malevich, y también del concepto Tractatus logico-philosophicus de Ludwig Wittgenstein; investigando los colores, su comportamiento en el espacio y la división de formas a través de gamas cromáticas. Sumamente apegado a la cultura venezolana y a la ecología amazónica, Becerra aplicó su práctica artística a una agenda específicamente política, relacionados con las preocupaciones ambientales particulares de la región. Durante la década de 1970 Becerra creóUna Manta para el Prado en el residencial caraqueño Lomas de Prados del Este; y Análisis de un proceso en el tiempo , donde denuncia los efectos de la contaminación y su deterioro del paisaje. Hacia la década de 1980, Becerra se mudó a París y desarrolló una nueva perspectiva basada en gran medida en su investigación y percepción de las costumbres de la tribu amazónica Yanomami. Fue entonces cuando sus trabajos característicos con hilos, telas y luz se entrelazaron con otros elementos orgánicos como las rocas, y lo llevaron a desarrollar series como Chin-cho-rro (1995), Gotas (Gotas 1990) y Nidos (Nidos 1995).

[papo1]

Christo y Jeanne-Claude
La práctica del envoltorio transformador es la firma de esta pareja de land art. A través de una impresionante escala y exhibiciones monumentales de telas y plásticos, han creado numerosas obras al aire libre a gran escala visualmente impresionantes y, a menudo, controvertidas. Con el objetivo de transformar completamente el paisaje en un entorno y una forma escultórica completamente nuevos, y de provocar un impacto estético inmediato y poderoso en el visitante que consista tanto en lo sublime como en la alegría de la belleza, las esculturas temporales al aire libre han obligado a reconsiderar el potencial del land art. e impacto.

Anteriormente atribuidos solo a Christo, los proyectos de arte al aire libre fueron acreditados retroactivamente tanto a Christo como a su esposa Jeanne-Claude en 1994.  Sus proyectos monumentales más conocidos incluyen la envoltura de un millón de pies cuadrados de costa cerca de Sydney, Wrapped Cost (1968- 69);  Valley Curtain (1970-72), la tela de 400 metros de largo que se extiende sobre Rifle Gap; el Running Fence de 5,5 metros de altura y 39,4 kilómetros de largo (1972-76), las islas rodeadas (1980-83). En este trabajo, 603,870 metros cuadrados de tejido flotante de propileno rosa flotaron en el agua para rodear once islas en Biscayne Bay, Miami. Proyectos recientes incluyen  The Gates , (2005) en Central Park, NY.

Después de la muerte de Jeanne-Claude en 2009, Christo continuó con los proyectos de la pareja, incluidos Big Air Package (2013), The Floating Piers (2016) y The London Mastaba (2018).

[papo1]

Ricardo Largo
Este escultor británico entró en el panteón del land art al hacer del paisaje el campo principal de su obra. A fines de la década de 1960, impulsado por el deseo de usar el paisaje de nuevas maneras, el artista comenzó su compromiso directo con la naturaleza utilizando su caminata como medio. En una serie de movimientos repetitivos o largas caminatas solitarias, Long pretendía romper el lenguaje y la ambición del arte y llevarlo a un nivel más primitivo, personal y elemental. Su objetivo era representar personalmente el potencial de un diálogo puro entre el ser humano y la naturaleza.

Los temas de este radical proyecto de land art conceptual son el tiempo, el espacio y la distancia, extendidos a una gran escala. A partir de 1969, Long comenzó a explorar su práctica de caminar en regiones salvajes de todo el mundo, incluido un proyecto en los Alpes. En la década de 1980, mientras realizaba sus grandes proyectos de escultura terrestre, Long comenzó a utilizar materiales naturales en ambientes interiores. Produjo esculturas con materiales orgánicos o pinturas en barro con sus huellas de manos aplicadas a la pared. Siguiendo la noción del arte como un objeto temporal, trabaja con pizarra, madera flotante o piedras, a menudo en su entorno original. Estas obras de arte de círculos y líneas son efímeras y están hechas para ser recuperadas por la naturaleza. Los únicos registros de los proyectos son las fotografías, mapas y trabajos de texto en los que Long recoge nombres de lugares, registros de materiales y medidas de tiempo y distancias.

Su primera obra de land art, A Line Made by Walking (1967), representa el comienzo del uso de Long de la caminata como medio. Esta línea recta en un campo de hierba es una escultura creada a partir del movimiento constante y repetitivo del artista, donde el elemento compositivo consiste únicamente en hierba rota yuxtapuesta con las áreas no afectadas a ambos lados de la franja transitada.

[papo1]

Andy Goldsworthy
Trabajando en y con la naturaleza, Andy Goldsworthy es un destacado escultor y fotógrafo de land art. Se enfoca en crear proyectos que realcen la belleza de la naturaleza, el efecto del tiempo y la relación entre el ser humano y la tierra. Siguiendo el concepto de que los humanos son una parte implacable de la naturaleza, Goldsworthy utiliza la tierra como coautora de su práctica estética minimalista.

Su trabajo se puede dividir en proyectos permanentes y temporales. Estos últimos están hechos de materiales orgánicos y efímeros y, siguiendo el ciclo de vida, están destinados a desaparecer. A través de ramas, hojas, rocas y hielo, crea varios patrones repetitivos como espirales, círculos o líneas serpenteantes. Lo efímero que está en el centro de estos proyectos es un reflejo de un mundo natural en constante cambio y una ecología frágil. La única documentación que se conserva son las fotografías en color realizadas por el artista.
Sus instalaciones específicas de sitio permanentes más recientes difieren en escala, tensión y duración, pero siempre representan una investigación fundamental del paisaje circundante y la belleza de sus materiales inherentes.

En los últimos años, Goldsworthy ha comenzado a explorar la práctica de las artes escénicas, concebidas por él como actos personales, a menudo en lugares públicos.