OJO ES UN CLON DE ZONA
CATEGORÍA GENERAL ZONASATELITE => FOTOS-VÍDEOS => Mensaje iniciado por: papo1 en 12 de Marzo de 2023, 08:23:38 08:23
-
Naomi Parker Fraley, la mujer que se esconde detrás del icono feminista "we can do it!"
(https://phantom-marca.unidadeditorial.es/0e6133169d94cad74d25864ee7227f7c/resize/828/f/webp/assets/multimedia/imagenes/2023/03/08/16782831192993.jpg)
La imagen original carecía del matiz feminista y estaba destinada a elevar la moral de las mujeres que habían ocupado los trabajos de los hombres durante la Segunda Guerra Mundial.
la imagen ilustra como ninguna otra las reivindicaciones de igualdad y de empoderamiento femenino y se reproduce centenares de miles de veces cada 8 de marzo en las manifestaciones que reivindican la igualdad de derechos: una mujer de ojos azules, mirada firme y cabello recogido con un pañuelo rojo a lunares blancos que se arremanga su camisa azul y nos muestra sus músculos en tensión. Sobre el fondo amarillo destaca la silueta femenina y una proclama sencilla y directa, "We can do it!", nosotras podemos hacerlo.
El cartel hace referencia a atributos históricamente asociados a la masculinidad, el trabajo en la industria pesada y la fuerza física y desde hace décadas ha sido adoptado por los movimientos feministas de todo el mundo porque refleja una idea muy cara, las mujeres pueden realizar cualquier actividad igual o mejor que los hombres. Pero cuando nació, en 1942, el póster no fue ideado como un símbolo feminista ni fue visto como tal hasta cuatro décadas después.
Es más, la icónica imagen tuvo también una modelo de carne y hueso: Naomi Parker Fraley. Esta mujer cuya foto inspiró el anuncio, murió el 20 de enero de 2019 en Washington a los 96 años. Curiosamente, ni el autor del cartel conocía a la persona que había lo inspirado ni la modelo supo que era su imagen la que había servido de patrón hasta bien entrado el siglo XXI
PROPAGANDA PATRIÓTICA
Este célebre cartel de propaganda bélica fue obra de J. Howard Miller y su protagonista es un icono del patriotismo, “Rosie, the riveter”, la remachadora, una de las patriotas americanas que se hizo cargo de los trabajos en la industria y en todo tipo de espacios que los hombres habían abandonado para acudir al frente durante la II Guerra Mundial.
En 1942, Miller realizó el cartel para Westinghouse Electric como una imagen inspiradora para levantar la moral de las trabajadoras de la compañía. Eran miles las mujeres que entonces trabajaban en la industria pesada norteamericana permitiendo que el país siguiera funcionando cuando casi todos los varones estaban combatiendo en Europa durante la II Guerra Mundial. Estas mujeres eran conocidas como Rosies, por Rosie the Rivetier, un símbolo nacido de una canción que explicaba como ella estaba trabajando para su país, mientras su novio luchaba en el frente contra los nazis.
Pero no solo trabajaban en la industria civil, también fabricaban el armamento que usaban sus hijos y maridos al otro lado del Atlántico. Este era el caso de Naomi Parker, que trabajaba en la base aeronaval de Alameda, en California.
Procedente de una familia trabajadora, Naomi vivía en Alameda cuando Japón atacó Pearl Harbor en 1941 en el marco de la Segunda Guerra Mundial. Este ataque supuso la entrada definitiva de Estados Unidos en la guerra tras varios meses de conjeturas. Una gran cantidad de hombres partieron hacia el frente, y en consecuencia muchas mujeres se incorporaron al mercado laboral para suplir la falta de mano de obra.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/06/bald_43653c17_5854174_230306120518_800x623.jpg)
Dos mujeres trabajan en un bombardero de la Douglas Aircraft Company durante la Segunda Guerra Mundial. Fuente de inspiración de la figura de Rosie the Rivetier.
FEMINISTAS AL RESCATE
Así, Naomi Parker, junto con su hermana y miles de mujeres, se convirtieron en la nueva fuerza económica pujante de los Estados Unidos y el cartel de J. Howard Miller en un símbolo de ello. Sin ella saberlo, Miller se inspiró en una foto de Parker trabajando en la zona donde se reparaban y remachaban las piezas de los aviones. El cartel del "We can do it" estaba destinado a elevar a ser usado para la Westinghouse Electric y no tenía ninguna connotación feminista.
Nadie se fijó en la icónica imagen tras finalizar la II Guerra Mundial y no fue hasta 40 años después cuando los movimientos feministas la rescataron para su causa. A partir de la década de 1980, la “Rosie, the riveter” del cartel fue rescatada, su imagen difundida a nivel mundial y comenzó la búsqueda de la persona que habría inspirado el personaje. Entonces apareció la fotografía de Parker y durante muchos años, se atribuyó a otras mujeres el papel de musa para el cartel del famoso “We can do it!”.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/06/naomi_49f8e2f7_230306121119_800x1052.jpg)
Naomi Parker fotografiada trabajando en la base aeronaval de La Alameda, la imagen que dio origen al cartel del "We can do it!".
Durante décadas fue erróneamente atribuida a Geraldine Hoff Doyle, una trabajadora metalúrgica de Michigan. Sin embargo hace pocos años una investigación demostró que la imagen del inspirador pasquín, usado todavía hoy para muchas de las reinvindicaciones feministas actuales, había sido la de Naomi Parker Fraley.
HISTORIA OCULTA DEL FEMINISMO
En 2009, cuando Naomi Parker entró en una exposición el Parque Histórico Nacional Rosie the Riveter / World War II Home Front, en Richmond, California, y vio que la chica de la fotografía que se relacionaba con el cartel era ella misma y no Gerlaldine Hoff.
A partir de la década de 1980, la “Rosie, the riveter” del cartel fue rescatada y comenzó la búsqueda de la persona que habría inspirado el personaje.
A partir de entonces quiso reclamar su identidad, pero nadie le hizo mucho caso hasta que en 2015, James J. Kimble, profesor de comunicación en la Universidad de Seton Hall, que desde hacía años cuestionaba la atribución de la fotografía a Hoff Doyle descubrió en un periódico de 1942 la imagen, cuyo pie de foto decía: "La guapa Naomi Parker parece que se va a pillar la nariz con el torno de torreta que está operando".
LA REIVINDICACIÓN DE LAS ROSIES
La fotografía se había publicado en el Pittsburgh Press, donde vivía Miller, en la época en que trabajaba en el cartel. Pero la imagen nunca se encontró en la colección del artista, así que Kimble señaló que el vínculo con Fraley no era del todo seguro. Aún así, desde entonces, Naomy Fraley es señalada como la verdadera Rosie the Riveter del "We can do it!".
Naomi, Geraldine y muchas mujeres han reivindicado su papel de “Rosies” tras el fin de la II Guerra Mundial, incluso se ha creado una asociación al respecto. la imagen, reinterpretada y redistribuida millones de veces, forma parte de la historia del feminismo contemporáneo y ha sido usada por las luchadoras de todas partes del mundo, añadiendo matices, culturales, religiosos o políticos muy diversos a la Rosie blanca y norteamericana original.
-
La religión que nació de una visita al dentista
Curiosidades de la historia
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/06/13-l-ron-hubbard-los-angeles-daily-news_7628e28d_230306181714_1280x1008.jpg)
13 L Ron Hubbard (Los Angeles Daily News)
Los Angeles Daily News
10 de marzo de 2023 · 16:34
En 1938 Lafayette Ron Hubbard, un escritor de novelas de ciencia ficción, se sometió a una extracción dental en la que fue anestesiado con una mezcla de óxido nitroso y oxígeno. Por desgracia, el dentista se equivocó con la concentración de óxido nitroso y le suministró una dosis demasiado potente que le provocó una experiencia cercana a la muerte.
Descubre los episodios más apasionantes del pasado narrados por los mejores autores.
Cuando se recuperó, Hubbard dijo haber sentido “un gran mensaje que debía transmitir” a los demás, se sentó delante de su máquina de escribir y tecleó incansablemente durante casi una semana entera. El resultado fue Excalibur, un manuscrito en el que describía las ideas fundacionales de lo que años más tarde se convertiría en la Cienciología, un corpus de creencias que mezclaban religión y supuestas dosis de terapia basadas en el estudio de traumas acontecidos en vidas pasadas.
Hubbard creía que tenía un método para curar todos los trastornos de conducta, desde la depresión y la esquizofrenia hasta comportamientos psicopáticos; y presentó sus “investigaciones” a varias asociaciones psiquiátricas, pero todas lo rechazaron. Finalmente su editor aceptó publicar en 1950 su libro Dianética, que aunque fue tildado de fraude por los profesionales y la prensa, obtuvo un notable éxito comercial y le llevó a transformar sus ideas en una religión, que denominó Cienciología.
-
los byakkotai, la historia del suicidio de veinte samuráis adolescentes
Tras de la caída del shogunato en 1867, las fuerzas aún leales al shogun Tokugawa Yoshinobu se enzarzaron en una guerra contra el nuevo Gobierno imperial, pero sufrieron una derrota decisiva. Finalmente, en el curso del ataque al castillo de Aizu, un grupo de jóvenes samuráis integrados en una unidad llamada Byakkotai cometió seppuku (suicidio ritual) al creer erróneamente que habían perdido la batalla.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/03/santuario-de-los-guerreros-byakkotai-en-la-colina-de-limori-en-la-prefectura-de-fukushima_60bc3590_230303081159_1280x856.jpg)
Santuario de los guerreros Byakkotai en la colina de Limori, en la prefectura de Fukushima.
japón es uno de los lugares del mundo que, sin duda, ofrece un mayor atractivo turístico para el visitante, y no solo por sus tradiciones, su arquitectura, tanto antigua como moderna, sus innumerables y singulares tribus urbanas, a cual más sorprendente, o su incomparable gastronomía. Japón contiene asimismo innumerables rincones envueltos en el misterio, que atren poderosamente la atracción del visitante deseoso de emociones.
Descubre los episodios más apasionantes del pasado narrados por los mejores autores con la revista Historia National Geographic, por solo 5€/mes + Regalo.Descubrir más
Uno de estos lugares misteriosos se encuentra en la prefectura de Fukushima, concretamente en la colina Limori, donde se alza una columna romana traída de Pompeya y que fue un regalo del dictador italiano Benito Mussolini al Imperio del Sol Naciente en 1928. Este curioso monumento se erigió, así, para rendir homenaje a un grupo de samuráis adolescentes que se quitaron la vida precisamente en aquel lugar en el siglo XIX. Los conocidos como Byakkotai.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/03/columna-procedenrte-de-pompeya-regalada-por-benito-mussolini-al-imperio-japones_26c38a2c_230303082059_800x600.jpg)
Columna procedente de Pompeya, que fue regalada por Benito Mussolini al Imperio japonés en 1928.
FIDELIDAD AL SHOGUNATO
La historia tiene su origen en la conocida como guerra Boshin, un conflicto que dividió al país durante los años 1868 y 1869, y que enfrentó a los partidarios del shogunato de Tokagawa y a quienes querían devolver el poder político al emperador, reducido a un mero comparsa. En el año 1867, Tokugawa Yoshinobu se convirtió en el decimoquinto y último shōgun, y para sofocar los continuos levantamientos de los daimyō (señores feudales) contra su poder, Yoshinobu acabó contratando los servicios de militares franceses, aunque lo que consiguió fue el efecto contrario: ponerlos en pie de guerra con la ayuda de Gran Bretaña.
La guerra Boshin fue un enfrentamiento entre los partidarios del shogunato de Tokagawa y los que querían devolver el poder político al emperador.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/03/monumento-en-memoria-de-los-byakkotai-en-su-santuario-de-limoriyama-en-la-prefectura-de-fukushima_9ecf66b9_230303082720_800x602.jpg)
Monumento en memoria de los Byakkotai en su santuario de Limoriyama, en la prefectura japonesa de Fukushima.
Así, bajo el lema Sonnō jō ("Reverenciar al Emperador, expulsar a los bárbaros"), los daimyōs de Satsuma, Chōshu y Tosa lideraron una revuelta que terminaría con el derrocamiento de Tokugawa Yoshinobu, el cual se vio obligado entonces a devolver al emperador todo su poder, aunque algunos de sus irreductible seguidores huyeron y crearon la efímera República de Ezo (nombre en japonés de la norteña isla de Hokkaido, donde tuvieron su centro de poder), presidida por el almirante Enomoto Takeaki.
SEGUIR LUCHANDO
En este contexto bélico, entre los meses de octubre y noviembre de 1868 tuvo lugar la batalla de Aizu entre los seguidores del vencido Tokuwaga y el bando imperial. Dicho enfrentamiento se produjo en el castillo de Wakamatsu, también conocido como castillo de Aizu, donde se refugiaron aproximadamente unos 2.000 hombres que juraron lealtad al samurái y noveno daimyō de Aizu, Matsudaira Katamori.
De hecho, Katamori había tratado de congraciarse con el emperador tras haber apoyado en enero de ese mismo año al ejército del shogun derrotado en la batalla de Toba-Fushimi. Pero los miembros del nuevo Gobierno imperial rehusaron escucharlo. En realidad, el Gobierno estaba formado principalmente por miembros de los clanes Chōshū y Satsuma, que desconfiaban totalmente de las intenciones de Katamori y además eran sus acérrimos enemigos.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/03/imagen-de-matsudaira-katamori-tomada-en-el-ano-1863_e7c33b2e_230303082212_800x1248.jpg)
Imagen de Matsudaira Katamori tomada en el año 1863.
Finalmente, Katamori no vio otra solución que seguir luchando junto al Ōtsuetsu Reppan Dōmei, una alianza formada por los dominios de Mutsu, Dewa y Echigo, que llevaron a cabo un rápido proceso de modernización de sus ejércitos. Fue entonces, cuando una multitud de voluntarios del han (dominio) de Katamori se presentaron en su castillo para cumplir con el obligado compromiso de fidelidad al señor de Aizu.
UN FINAL HONORABLE
Los voluntarios fueron divididos en cuatro unidades, bautizada cada una de ellas con el nombre de un dios protector, y por edades: Genbutai (Unidad de la Tortuga Negra), estaba compuesta por aquellos que tenían más de 50 años; Seiryūtai (Unidad del Dragón Azul), por hombres de entre 36 y 49 años; Suzakutai (Unidad del Gorrión Rojo), por jóvenes de entre 18 y 35, y finalmente estaba Byakkotai (Unidad del Tigre Blanco), en cuyas filas militaban los más jóvenes, adolescentes de entre 16 y 17 años. Asimismo, cada una de estas unidades se subdividía siguiendo un criterio de clase, de mayor a menor rango.
Los voluntarios fueron divididos en cuatro unidades bautizadas cada uno de ellas con el nombre de un dios protector.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/03/imagen-del-castillo-de-wakamatsu-en-aizu-en-la-que-puede-comprobarse-los-desperfectos-sufridos-durante-la-batalla_b35462b2_230303082343_800x577.jpg)
Imagen del Castillo de Wakamatsu, en Aizu, en la que pueden comprobarse los desperfectos sufridos durante la batalla.
Los Byakko Taishi (samuráis que componen una unidad) se comprometieron con su daimyō, Matsudaira Katamori, a defender el castillo de Azu. Veinte de estos Byakkotai se dirigieron a la colina de Limori, separados de su unidad. Para su horror, desde allí, equivocadamente creyeron que el castillo estaba envuelto en llamas (cuando en realidad era un pequeño incendio sin importancia) y pensando que no habían sido capaces de cumplir con la palabra dada a su daimyō decidieron cometer seppuku (suicidio ritual). Tras el terrible ritual, los cuerpos sin vida de diecinueve de los jóvenes samurái fueron encontrados por una mujer llamada Hatsu, la cual intentó salvar la vida del único superviviente, un joven de catorce años, Iinuma Sadakichi.
Como escarmiento y aviso contra posibles revueltas, los cadáveres de los jóvenes permanecieron sin recibir sepultura durante un tiempo, e incluso fueron profanados por los soldados imperiales. Finalmente, las autoridades autorizaron su entierro, aunque sin lápidas identificativas. En cuanto al castillo de Aizu, escenario del enfrentamiento, fue derruido en 1874, y su señor, Matsudaura Katamori, se retiró a un santuario sintoísta, donde murió en 1893.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/03/imagen-de-sadakachi-iinuma-tomada-durante-su-vejez_a0251fc2_230303082436_800x1064.jpg)
Imagen de Iinuma Sadakichi tomada durante su vejez.
Por su parte, y a pesar de la deshonra que representaba para él ser el único superviviente, Iinuma Sadakichi pudo finalmente rehacer su vida e ingresó en el ejército, al igual que otros compañeros. Iinuma alcanzó el rango de capitán, y cuando se retiró trabajó en el servicio de correos hasta su muerte en el año 1931. Por expreso deseo del propio Iinuma, su cuerpo fue incinerado y sus cenizas esparcidas en la colina Limori. Un modo tardío de reunirse definitivamente con sus viejos compañeros samuráis.
-
UNA HISTORIA INCREÍBLE
El robo del cerebro de einstein
Tras la muerte de Albert Einstein el 18 de abril de 1955 y de su incineración, su cerebro, cortado en láminas y conservado por el patólogo Thomas Harvey, empezó un rocambolesco periplo de 52 años que terminaría en 2013.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/02/albert-einstein-head_beca3a5f_550x733.jpg)
"Cuando escuché por primera vez la historia del cerebro de Albert Einstein pensé que era una leyenda urbana, pues era demasiado rara para ser cierta", recuerda en una conversación con la BBC el escritor norteamericano Michael Paternini, autor de Paseando con Mr. Albert: un viaje a través de EE. UU. con el cerebro de Einstein. Pero en este caso la realidad superaba a la ficción.
UN "ACTO" PARA LA CIENCIA
Cuando en la madrugada del 18 de abril de 1955 fallecía Albert Einstein, el creador de la teoría de la relatividad, debido a un aneurisma aórtico, Thomas Harvey, el patólogo de guardia encargado de realizar la autopsia al cadáver del científico, también pasaría a la historia. Pero no por realizar el examen forense, sino nada más y nada menos que por convertirse en el ladrón del cerebro más privilegiado de la historia, un hecho que a día de hoy sigue estando envuelto en una gran controversia.
En menos de un día, el cadáver de Einstein fue incinerado en una ceremonia privada a la que asistieron sus familiares y amigos más allegados. Las cenizas del científico fueron arrojadas en las aguas del río Delaware, cumpliendo su expreso deseo: "Quiero que me incineren para que la gente no vaya a adorar mis huesos".
Thomas Harvey, el patólogo de guardia que realizó la autopsia al científico, pasó a la historia por ser el ladrón del cerebro más privilegiado de la historia.
Pero lo que no sabían los familiares y amigos de Einstein es que no todo el cuerpo del científico había sido incinerado. Thomas Harvey alegaría que la extracción del cerebro del genio no había sido un "robo", sino un acto "en nombre de la ciencia", ya que serviría para poder estudiar uno de los cerebros más singulares y extraordinarios de la historia de la humanidad.
A menudo, los hospitales se quedan con algunos órganos que consideran de interés para realizar un estudio patológico, pero cuando empezó a rumorearse que el cerebro de Einstein había sido extraído furtivamente y que Harvey no tenía el consentimiento de la familia para hacerlo, el médico se las ingenió para convencer al hijo mayor de Einstein, Hans Albert, para que le dejara conservar el cerebro de su padre, y se comprometió a utilizarlo sólo para fines científicos.
Considerado uno de los científicos más importantes de la historia, Albert Einstein, aquí retratado en 1920, pidió ser incinerado tras su muerte para que "nadie fuese a adorar su huesos".
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/02/considerado-uno-de-los-cientificos-mas-importantes-de-la-historia-albert-einstein-aqui-retratado-en-1920-pidio-ser-incinerado-tras-su-muerte-para-que-nadie-fuese-a-adorar-su-huesos_279f0310_800x1155.jpg)
¿LOCO O BROMISTA?
A pesar de ello, cuando el Hospital de Princeton se enteró de que el patólogo se había quedado con un órgano humano de forma irregular, lo despidió en el acto, pero Harvey, que había sido contratado por la Universidad de Pennsylvania, se llevó consigo el cerebro y lo diseccionó en 240 trozos que conservó en celoidina, una forma dura y elástica de celulosa. Posteriormente creó doce juegos de 200 diapositivas que contenían muestras del tejido cerebral del genio y se las envió a algunos investigadores. Luego dividió las piezas en dos recipientes con alcohol y se las llevó a su casa para esconderlas en el sótano.
Cuando el Hospital de Princeton se enteró de que el patólogo se había quedado con un órgano humano de forma irregular, lo despidió en el acto pero Harvey se llevó consigo el cerebro de Einstein.
Harvey contactó con varios neurólogos de todo el país ofreciéndoles examinar el cerebro de Einstein, pero increíblemente nadie aceptó. La mayoría pensó que Harvey era un lunático o que les estaba gastando una broma pesada. A partir de aquel momento, la vida de Harvey tocó fondo. Su mujer lo acusó de obsesionarse con el cerebro y acabó por abandonarlo dejándolo solo y en la ruina más absoluta.
Finalmente, hubo algunos neurólogos que aceptaron estudiar las muestras, pero su conclusión fue que el cerebro que Harvey les había mandado no era muy distinto de un cerebro normal, ya que el peso del mismo, 1.230 gramos, era incluso inferior al del rango normal para un hombre de la edad de Einstein.
EL RENACER DE UNA HISTORIA
A partir de entonces, Harvey comenzó un increíble viaje a través del país transportando pequeñas muestras del cerebro de Einstein en el maletero de su coche. Como ha contado en más de una entrevista, el ejército estadounidense se puso en contacto con él para hacerse con el cerebro porque al gobierno le preocupaba que la codiciada pieza terminara en manos de los soviéticos, aunque Harvey desoyó la oferta.
En aquella época, el mundo entero estaba pendiente del final de la guerra de Vietnam y del escándalo Watergate, y acabó olvidándose por completo del cerebro perdido de Albert Einstein. No fue hasta 1978 cuando el periodista Steven Levy, del New Jersey Monthly, logró que Harvey le concediese una entrevista. Por entonces Harvey trabajaba como supervisor médico en un laboratorio de pruebas biológicas, y cuando le preguntó si aún tenía el cerebro de Einstein contestó afirmativamente. Contó que lo tenía guardado en su casa, en una caja de sidra que escondía debajo de un enfriador de cerveza.
Diseccionado en 240 trozos conservados en celoidina, una parte del cerebro de Einstein se exhibe en el Mutter Museum of The College of Physicians, en Philadelphia.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/02/cerebro-einstein_4f644fb7_800x533.jpg)
La entrevista que Steven Levy le hizo a Harvey se publicó bajo el sugerente título "Yo encontré el cerebro de Einstein", y su repercusión fue tal que fue leída por algunos prestigiosos científicos de la Universidad de Berkeley, entre ellos la neuróloga Marian Diamond. La doctora Diamond se puso en contacto con Harvey para pedirle un fragmento de aquel cerebro que tan celosamente guardaba. Diamond analizó la muestra y en 1985 publicó un estudio en el que sostenía que el cerebro de Einstein tenía más células gliales (cuya función principal es dar soporte a las neuronas) por neurona que una persona normal.
El ejército de Estados Unidos se puso en contacto con Harvey para quedarse con el cerebro porque el gobierno temía que la codiciada pieza terminara en manos soviéticas.
Tras publicarse la historia de Harvey en la revista Science, empezaron a llegarle solicitudes por parte de muchos investigadores para que les enviara pequeñas muestras del cerebro de Einstein (muestras que Harvey cortaba con un cuchillo de cocina que sólo usaba para ese fin). Después, el patólogo enviaba las muestras por correo postal en un frasco de una marca de mayonesa que ingería de manera compulsiva. Años después, la cadena BBC emitió un documental sobre la vida del ya octogenario Harvey, donde se le veía deambulando por el sótano de su casa con un frasco de mayonesa en la mano y cortando una pieza del cerebro de Einstein en una tabla de quesos con su cuchillo de cocina "especial".
LAS CONCLUSIONES DEL ESTUDIO DEL CEREBRO DE EINSTEIN
Thomas Harvey murió el 5 de abril de 2007 a los 94 años de edad después de que, junto a un grupo de colaboradores, publicara un primer estudio en el que se afirmaba que el cerebro del científico tenía una proporción anormal de dos tipos de células, neuronas y células gliales. A ese estudio le siguieron otros cinco que hacían hincapié en las diferencias en las células individuales y en estructuras particulares del cerebro.
Finalmente, los fragmentos que Thomas Harvey aún conservaba del cerebro de Einstein fueron a parar a sus herederos, que tres años después los donaron al Museo Nacional de Salud y Medicina del Ejército de Estados Unidos. Entre aquel material se encontraban 14 nuevas fotografías tomadas desde distintos ángulos, que hasta aquel momento no habían sido publicadas.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/02/einstein-barco_5fa9a1f2_800x1075.jpg)
Tras la muerte de Thomas Harvey, un estudio reveló que el cerebro tenía unas conexiones nerviosas especialmente buenas. Esto facilitaba la transmisión de información de un hemisferio cerebral al otro, lo que implica, entre muchas otras cosas, los procesos cognitivos.
Los últimos trozos que Thomas Harvey aconservaba del cerebro de Einstein fueron a parar a sus herederos, que tres años después los donaron al Museo Nacional de Salud y Medicina del Ejército de Estados Unidos.
Pero ¿qué hace tan especial al cerebro de Einstein? En el año 2013, un estudio neurológico del órgano pareció encontrar el secreto. Unas conexiones nerviosas inusualmente buenas. Básicamente se trataba del núcleo central de las conexiones que enlaza un hemisferio cerebral con el otro. Este enlace nervioso transmite la información necesaria para la coordinación motora, pero también está involucrado en los procesos cognitivos. Así pues, para terminar esta increíble historia, surge una pregunta que quizá ya se hayan hecho nuestros lectores: ¿Cuántas personas guardan en su casa una pequeña porción del cerebro de quien dedujo la ecuación de la física más conocida del planeta? Y ¿qué pensaría de todo esto el genial científico?
-
Por qué el moulin rouge es un molino
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/02/21/7-moulin-rouge-cc_fcdac4c2_230221141456_1280x1997.jpg)
El Moulin Rouge es una de las salas de espectáculos más famosas de Europa: fundada en 1889, está a punto de cumplir 150 años y es una de las pocas salas supervivientes del París de la Belle Époque. Pero seguro que muchos se han preguntado en alguna ocasión: ¿Por qué un molino?
Descubre los episodios más apasionantes del pasado narrados por los mejores autores con la revista Historia National Geographic, por solo 5€/mes + Regalo.Descubrir más
Antes de convertirse en un barrio de artistas, Montmartre era una zona en la que había decenas de molinos de viento, que se usaban para moler grano y maíz, pero también materiales de construcción como yeso y piedra. Esto, junto con el hecho de que se encuentra en una zona elevada de París, le daba a Montmarte un aire rural y pueblerino que contrastaba con la atmósfera bulliciosa de la ciudad, por lo que mucha gente iba allí a relajarse. Con el tiempo, empezaron a aparecer numerosas salas de espectáculos, se convirtió en una zona de ocio nocturno y los molinos fueron desapareciendo.
Los fundadores del Moulin Rouge, Josep Oller y Charles Zidler, tuvieron la idea de abrir una sala que se inspirara en este ambiente propio del antiguo barrio y que, además, fuese fácilmente reconocible; de ahí el color rojo. Para rematar la jugada, el jardín estaba decorado con un enorme elefante. El objetivo era diferenciarse de sus competidores y, ciertamente, lo lograron.
-
UNA FIESTA IRLANDESA NACIDA EN FLORIDA
la increíble historia de los orígenes del día de san patricio
El día de San Patricio, o Saint Patrick's Day, es una fiesta irlandesa celebrada en todo el mundo; pero curiosamente no nació en Irlanda, sino en una guarnición española en Florida.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/15/san-patricio-6-nheyob_a823d129_230315182755_550x689.jpg)
Hay festividades nacionales que traspasan fronteras y acaban siendo un evento internacional; y en el caso de Irlanda esto es lo que ha sucedido con la fiesta de su santo patrono, San Patricio. Saint Patrick's Day se ha convertido en una celebración que poco tiene ya de religioso: pero ni la fiesta, ni la cerveza, ni el color verde estaban presentes en sus orígenes.
De hecho, los orígenes de la fiesta ni siquiera se encuentran en Irlanda, sino al otro lado del Atlántico: el primer día de San Patricio se celebró el año 1600 en una guarnición española situada en Florida. Esta es la sorprendente historia de los orígenes del día de san Patricio.
¿QUIÉN ERA SAN PATRICIO?
San Patricio fue un misionero cristiano que dedicó su vida a predicar su religión en Irlanda. Nació a finales del siglo IV en la isla de Gran Bretaña, en el seno de una familia romana convertida al cristianismo. Cuando tenía unos 16 años su casa fue atacada por saqueadores irlandeses, que lo hicieron prisionero y se lo llevaron a Irlanda, donde transcurrió seis años como esclavo antes de poder escapar y regresar a Gran Bretaña.
Creyendo que Dios le había elegido para cristianizar Irlanda, se unió a la Iglesia y dedicó los siguientes 15 años a formarse como clérigo. En el año 432 fue consagrado como misionero y viajó de nuevo a Irlanda para convertir a la población al cristianismo. Dedicó el resto de su vida a esta labor y cuando murió, en el año 461, Irlanda ya era mayoritariamente cristiana.
Se dice que usó un trébol de tres hojas para explicar a los paganos el concepto de la Trinidad, ya que algunas deidades celtas formaban una triada. Es por ese motivo que se asocia a este santo con el shamrock, un trébol de tres hojas que se ha convertido en uno de los símbolos de Irlanda.
LA PRIMERA FIESTA DE SAN PATRICIO
Aunque San Patricio se celebró en los siglos sucesivos en Irlanda, era una festividad religiosa como tantas otras y sin ninguno de los elementos que caracterizan la celebración moderna. Para encontrar los orígenes de la fiesta de San Patricio, hay que hacer un salto temporal hasta el año 1600 y cruzar el Atlántico hasta Florida, por aquel entonces colonia española; concretamente hasta la guarnición de San Agustín, embrión de la actual ciudad de St. Augustine.
Allí fue donde se celebró la primera fiesta de San Patricio, por iniciativa del padre Ricardo Artur. Este hombre, nacido en Irlanda con el nombre de Richard Arthur, había sido soldado antes de redirigir su vida hacia la carrera eclesiástica. Fue nombrado capellán y viajó a América, donde castellanizó su nombre; sirvió primero en Puerto Rico antes de ser destinado al fuerte de San Agustín, donde llegó en 1597.
El 17 de marzo del año 1600, Ricardo Artur organizó un desfile en honor al santo para pedir una buena cosecha de maíz. Se hizo una procesión llevando la imagen del santo, una celebración festiva pero seguramente contenida, ya que se trataba del periodo de Cuaresma y la bebida y los excesos de comida habrían estado fuera de lugar. A partir de 1631, la Iglesia fijó el 17 de marzo como fiesta de san Patricio de manera oficial.
EL PRIMER SAINT PATRICK'S DAY MODERNO
Pero para hallar los orígenes de la celebración moderna de Saint Patrick's Day hay que dar un nuevo salto temporal hasta el siglo XVIII, en las colonias británicas que al cabo de unas décadas se convertirían en los Estados Unidos de América. Los colonos irlandeses de varias ciudades, como Boston o Nueva York, empezaron a organizar desfiles más festivos en honor a san Patricio. Curiosamente, por aquel entonces en Irlanda esa seguía siendo una fiesta estrictamente religiosa. El primero del que se tiene noticia fue celebrado en Boston en 1737, pero se suele considerar el de Nueva York en 1762 como el primer gran Saint Patrick's Day moderno.
Uno de los primeros elementos novedosos de la moderna festividad fue la introducción del color verde. Hasta 1798 san Patricio era representado por el azul, que era el color heráldico de Irlanda. Pero ese año se produjo una rebelión contra el dominio británico en la isla, en la cual los soldados irlandeses se vistieron con uniformes o prendas verdes: desde entonces ese color pasó a ser asociado con Irlanda y en las celebraciones de san Patricio se instauró la tradición de vestir alguna prenda verde.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/14/san-patricio-2-missouri-history-museum_3d8aab3a_230314204956_800x1263.jpg)
San Patricio 2 (Missouri History Museum)
"The Wearing of the Green" es una balada irlandesa que se convirtió en el himno de la rebelión irlandesa de 1798. Literalmente significa "vestirse de verde", lo que se ha convertido en una de las tradiciones del día de San Patricio.
Missouri History Museum
UNA FIESTA RELIGIOSA CONVERTIDA EN OPORTUNIDAD COMERCIAL
A lo largo del siglo XIX la celebración fue ganando popularidad en Estados Unidos, debido al gran número de inmigrantes irlandeses, pero seguía siendo una tradición propia de la diáspora más que de la tierra patria. Esto se debía a la combinación de la estricta observancia de la tradición católica en Irlanda junto con el hecho de que la fiesta cayera en plena época de Cuaresma, con las consiguientes restricciones morales en cuanto a la comida y a la bebida. En Estados Unidos el día de san Patricio se hacía una excepción respecto a las obligaciones religiosas, aunque a las autoridades eclesiásticas no les entusiasmara la idea.
En Irlanda, en cambio, las cosas eran bastante más conservadoras. Al tratarse en origen de una fiesta religiosa, y del santo patrón nada menos, la Iglesia no estaba dispuesta a permitir los excesos y menos aún en tiempo de Cuaresma. Incluso existía una ley que establecía ese día como festivo, con lo cual todos los negocios debían permanecer cerrados, incluyendo por supuesto los pubs; una ley que no fue derogada hasta finales del siglo XX.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/14/san-patricio-3-matthew-t-rader_99881cd9_230314205226_800x1200.jpg)
San Patricio 3
Algunos no se conforman con llevar algo de color verde y se disfrazan de leprechaun, un duende del folklore irlandés.
De hecho, como otras festividades religiosas convertidas en oportunidades comerciales, fue la presión empresarial, y en particular de la industria de la cerveza, la que terminó convirtiendo el día de san Patricio en lo que es hoy: una fiesta más internacional que nacional, y mucho más popular que religiosa. Algo que el padre Ricardo Artur no podría haber previsto cuando en el año 1600 decidió organizar aquel desfile para pedir una buena cosecha.
-
Spanish Girl's Club, el primer equipo de fútbol de mujeres de españa
Un grupo de mujeres quiso dedicarse a este deporte entre la incomprensión y el desprecio de los hombres, pero su prometedora trayectoria se vio truncada por el estallido de la Gran Guerra.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/03/01/futbol-femenino-espanol-1914-i_45db6ee2_1002x632.jpg)
Las jugadoras del Spanish Girl's Club se dividieron en dos equipos para disputar el primer partido femenino de futbol de la historia de España en 1914. El Montserrat, con camiseta blanca, y el Giralda, de rojo.
En los últimos años y especialmente desde el Mundial de 2018, el fútbol femenino ha conseguido llamar la atención lo suficiente como para empezar a aparecer en los medios de comunicación. Como todas las conquistas del feminismo, estos éxitos primerizos a los que asistimos en la actualidad son el resultado de un largo camino de luchas por el reconocimiento de la igualdad en un deporte que tradicionalmente ha estado reservado al género masculino. Este largo recorrido se empezó a andar en España en 1914 bajo un nombre propio que pasaría a formar parte de los anales de la historia: elSpanish Girl’s Club, el primer equipo de fútbol femenino de la historia de España.
La España de principios del siglo XX era un lugar hostil para el deporte femenino en términos generales. La figura de la mujer no solo tenía una consideración inferior a la del hombre en el plano físico, sino que estaba muy lejos también de gozar de los mismos derechos civiles. El hecho de que, entre otras cosas, no le fuera reconocido el derecho al voto hasta 1933 es un ejemplo de que no existía igualdad social alguna. Estas diferencias se veían agravadas cuando intervenían las cuestiones físicas de por medio.
Las desigualdades entre hombres y mujeres en la España de 1914 implicaban que la mujer todavía ni siquiera tenía derecho al voto
Si bien empezaron a tomar protagonismo algunas mujeres que destacaban en ámbitos deportivos como el patinaje, el tenis o el esquí, el fútbol era considerado por la gran mayoría un deporte exclusivamente de hombres. Por ello, cuando apareció la oportunidad de crear un equipo de fútbol femenino para un proyecto solidario fueron muchas las voces críticas que se levantaron.
EL EMPUJÓN NECESARIO
En este momento apareció en escena Paco Brú, un ex jugador, árbitro y entrenador de fútbol. Además de haber jugado con la camiseta de la selección española, este defensa había militado en las filas del F. C. Barcelona y del RCD Espanyol. El veterano jugador aceptó el encargo de dar forma al primer equipo femenino del país y preparar a sus componentes para disputar un partido en tan solo 45 días. El encuentro serviría para recaudar unos fondos que el recién creado club, con una sólida organización y una sede oficial situada en el local barcelonés de L’Amistat, destinaría a la lucha contra la tuberculosis.
En 1925, la publicación argentina El Gráfico se hacía eco de un partido de futbol femenino disputado entre el Femina Sport Club de París y el Dick Kerr de Preston, Inglaterra. En la imagen, las dos capitanas se saludan antes del pitido inicial.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/03/01/en-1925-la-publicacion-argentina-el-grafico-se-hacia-eco-de-un-partido-de-futbol-femenino-disputado-entre-el-femina-sport-club-de-paris-y-el-dick-kerr-de-preston-inglaterra-en-la-imagen-las-dos-capitanas_7586df23_800x1101.jpg)
El líder de este proyecto que por primera vez otorgaba el protagonismo a las mujeres en el terreno de juego se encontró con muchos obstáculos a la hora de hacer realidad su encargo. Las primeras voces masculinas que se opusieron a los requisitos que Bru consideraba necesarios para completar con éxito el partido fueron las de padres, maridos y hermanos de las jugadoras implicadas. El entrenador estableció como condición indispensable que las mujeres jugasen con ropa cómoda -esto era, pantalón corto- y que tras el partido todas se duchasen en el vestuario, algo que indignó especialmente a los hombres, pues supuestamente tenían que dar permiso para ello. “No permitiré que lleven más ropa interior que unas prendas muy finas con arreglo a las exigencias de la higiene”. Así se expresó el entrenador, según contaba años más tarde en un artículo, con la intención de conseguir un grupo unido dentro del campo, del mismo modo que se hacía en los equipos masculinos.
Para el entrenador de las Spanish Girl's, era muy importante que las jugadoras llevaran ropa cómoda y se ducharan tras el encuentro, lo cual era rompedor en la época.
En los días previos se creó cierto revuelo alrededor del encuentro, al que finalmente acudió más público del esperado. Uno de los términos que más se escucharon antes, durante y después entre los asistentes era el de “marimachos”, algo quePaco Brú se esforzaba en corregir con el concepto “sportwoman”.
El 9 de junio de 1914 el propio Brú dio el silbido inicial en el campo del Espanyol. Se enfrentaban dos divisiones del mismo grupo que formaba el club, el Montserrat contra el Giralda. Algunas de las jugadoras que saltaron al terreno de juego haciendo historia aquel día fueron: Emilia Paños, Concha Ferrer, Dolores, Dorotea Alonos, Juanita Paño, Mercedes Azul, Palermo, Esperanza, Mercedes Queralt y Narcisa Colomer entre muchas otras.
UN RECIBIMIENTO OFENSIVO Y POCO PROFESIONAL
Las crónicas de los periódicos que salieron al día siguiente son un reflejo de lo rompedor que era un proyecto que implicaba a las mujeres en un deporte que hasta entonces era exclusivo de los hombres. En los artículos apenas se hacía mención de las cuestiones futbolísticas. Los relatos periodísticos pasaban por encima de las valoraciones técnicas y tácticas para dedicarse a hacer juicios de valor sobre la ropa de las jugadoras, el estilo de sus peinados o la poca gracia del cuerpo femenino adoptando posturas antinaturales para completar regates, paradas, pases o lances defensivos. Alguna de las publicaciones se refería a las protagonistas como “las niñas futbolistas”, “el sexo débil” o las “descendientes de la madre Eva”.
Esta es uno de las pocas imágenes que se conserva de Irene González Basanta. Tras las primeras experiencias del Spanish Girl's Club, la suya es una de las primeras historias de una mujer que quiso dedicarse al futbol durante los primeros años del siglo XX en España.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/03/01/esta-es-uno-de-las-pocas-imagenes-que-se-conserva-de-irene-gonzalez-basanta-tras-las-primeras-experiencias-del-spanish-girls-club-la-suya-es-una-de-las-primeras-historias-de-una-mujer-que-quiso_dc6630fb_800x613.jpg)
UNA GIRA POR ESPAÑA Y FRANCIA
En los días posteriores a este primer partido estaba prevista una ambiciosa gira del Spanish Girl’s Clubque prometía encuentros en otras ciudades como Valencia, Palma, Sabadell o Pamplona, e incluso tenía algunos partidos apalabrados para jugar fuera del país, en el sur de Francia. El periplo español de las jugadoras cosechó grandes resultados, con grandes recibimientos en Sabadell o Mataró. Aunque parecían inevitables los comentarios machistas, cada vez más los mismos periódicos admitían que la calidad de los encuentros y la destreza de las jugadoras aumentaba, y destacaban la creciente afluencia de público.
El último encuentro que se pudo jugar tuvo lugar el 29 de junio de 1914, un día después del asesinato del archiduque Francisco Fernando, heredero del trono austrohúngaro, que provocó el estallido de la Primera Guerra Mundial. A pesar de que España se mantuvo al margen del conflicto como país neutral, no escapó a las consecuencias de la gran contienda. Las Spanish Girl’s podrían haber llegado muy lejos, pero la gira tuvo que ser cancelada y poco después también desapareció el club.
Terminaba así la primera iniciativa que, quizás sin saberlo, andaba los primeros pasos que permitirían convertir el fútbol femenino en una de las grandes conquistas feministas a lo largo del siglo XX. Antes de la Guerra Civil española hubo otros hitos destacables, como el episodio protagonizado por Irene González Basanta, delantera y defensa que jugó con equipos masculinos, o el de clubes como el Valencia, el Levante o el Atlético, cuyas secciones femeninas disputaron sus primeros partidos al inicio de la década de 1930. La guerra y la posterior represión franquista relegaron todo el deporte femenino en general hasta convertirlo en residual, y no sería hasta la década de 1970 cuando se pueden encontrar auténticos referentes como la apodada Conchi "Amancio", la primera jugadora profesional de futbol de España. Era la segunda fase de una historia que a día de hoy todavía se sigue escribiendo ahora ya con tinta indeleble.
-
Conan Doyle, masón y espiritista
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/06/16-conan-doyle-ada-deane-cc_a6a15ef6_230306184654_1280x1548.jpg)
Arthur Conan Doyle debe su fama al detective más famoso de todos los tiempos: Sherlock Holmes. Nadie diría que el creador de un personaje que se regía por la lógica y la deducción pudiera haber abrazado creencias en los fenómenos paranormales y en los espíritus.
Este Día del Padre, regálale Historia National Geographic. Los acontecimientos más apasionantes de la historia contados por los mejores autores.Regala hoy
Según la creencia popular este interés le sobrevino por la muerte de su hijo Kingsley, pero la verdad es que ya lo había manifestado muchos años antes. En 1887 un conocido suyo le convenció para acompañarle a sesiones de espiritismo, médiums y experimentos sobre telepatía; ese mismo año fue iniciado como francmasón y seis años después se unió a la Sociedad para la Investigación Psíquica, participando en investigaciones sobre poltergeists. En esta fotografía, aparece retratado por la “fotógrafa de espíritus” Ada Deane, supuestamente con la imagen de un espectro.
Las creencias de Conan Doyle se abrieron paso en su obra. En 1926 publicó su novela La tierra de la bruma, segunda parte de la más conocida El mundo perdido, una continuación que gira alrededor de temas espiritistas. También escribió varios ensayos acerca de este tema, siendo el más famoso La llegada de las hadas (1922), en el que recogía los resultados de sus investigaciones sobre entes sobrenaturales. Su personaje más famoso, Sherlock Holmes, sin duda no habría aprobado aquella pasión; y Conan Doyle habría tenido así otro motivo para odiarlo.
-
ENFERMEDADES MISTERIOSAS
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/14/bailarines-de-san-juan-en-molenbeeck-cuadro-pintado-por-pieter-brueghel-el-joven-en-1592-coleccion-privada_ff170908_907860_230314105348_1280x958.jpg)
Una misteriosa y extraña epidemia de baile asoló la localidad de Estrasburgo en julio de 1518. Todo comenzó cuando una mujer llamada Troffea empezó a bailar de manera descontrolada por las calles de la ciudad. Ella fue la primera de cientos de personas que sufrieron esta extraña afección, que las autoridades del momento no supieron combatir. En la actualidad existen varias teorías que podrían explicar su origen, entre ellas la histeria colectiva.
Bailarines de San Juan en Molenbeeck, cuadro pintado por Pieter Brueghel el Joven en 1592.
Aquella mañana del 14 de julio de 1518 era una mañana como cualquier otra en la ciudad de Estrasburgo, en la actual Francia. Pero, de pronto, una vecina de la localidad, a la que las fuentes se refieren como "Frau Troffea", empezó a bailar de manera descontrolada en medio de la calle. ¿Qué le ocurrió? Pues es posible que este sea el primer caso documentado de coreomanía, la conocida como "enfermedad del baile" o el popular "baile de san Vito". Aunque nos parezca sorprendente, este fue un auténtico fenómeno social en la Centroeuropa de los siglos XIV y XVII. Lo que sucedía era que un grupo de personas, a veces miles a la vez, se lanzaban a bailar desenfrenadamente hasta desplomarse de puro agotamiento.
Volviendo al caso de Troffea, esta no podía parar y continuó bailando durante más de cuatro días seguidos, hasta que no aguantó más y acabó falleciendo. Pero lo más curioso del caso es que desde que la mujer empezara a moverse sin control, decenas de personas, incluso cientos, se unieron a un baile macabro que parecía no tener fin y que llevó a la muerte a la mayoría de ellos. Tan singular suceso es conocido como la "epidemia de baile de 1518", y aunque sus causas siguen siendo desconocidas, los investigadores creen que pudo tratarse de un caso de histeria colectiva que habría afectado a un gran número de personas.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/14/danza-campesina-cuadro-pintado-por-pieter-brueghel-el-viejo-en-el-ano-1568-kunsthistorisches-museum-vienna-austria_01dc4b9b_230314110442_800x555.jpg)
Danza Campesina, cuadro pintado por Pieter Brueghel el Viejo en 1568. Museo de Historia del Arte, Viena.
UN EFECTO MISTERIOSO
Desde que la señora Troffea empezara a bailar de aquella manera descontrolada, fueron 34 las persona que se le unieron en una semana, y alrededor de 400 en un mes. Según recogen algunas fuentes históricas, decenas de estas personas sufrieron todo tipo de efectos a causa del inusitado esfuerzo, desde invalidez a ataques epilépticos, infartos, derrames cerebrales o caídas que les acabaron llevando a la muerte.
Desde que la señora Troffea empezara a bailar de manera descontrolada, fueron 34 las persona que se le unieron en una semana.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/14/grabado-de-hendrik-hondius-ii-basado-en-un-dibujo-original-de-pieter-brueghel-el-viejo-en-el-que-se-ve-a-tres-mujeres-afectadas-por-la-epidemia-de-baile-de-1518_408436bf_1518_230314105700_800x1020.jpg)
Grabado de Hendrik Hondius II basado en un dibujo original de Pieter Brueghel el Viejo en el que se ve a tres mujeres afectadas por la epidemia de baile de 1518.
Según iban pasando las horas, todas aquellas personas que no podían dejar de bailar se retorcían de dolor mientras suplicaban que los parasen como fuera. Pero cualquier intento en ese sentido resultó en vano. Cuando uno de aquellos bailarines involuntarios podía ser parado, se calmaba al instante, pero cuando era liberado volvía a bailar de un modo compulsivo. "Se creía que el baile era al mismo tiempo la enfermedad y su cura", asegura el historiador británico John C. Waller que ha investigado el fenómeno en su libro de 2008 A Time to Dance, a Time to Die: The Extraordinary Story of the Dancing Plague of 1518 (Tiempo de bailar, tiempo de morir: la extraordinaria historia de la Epidemia de baile de 1518).
EL FIN DE LA LOCURA
A medida que la "epidemia" de baile iba empeorando, las autoridades de Estrasburgo buscaron el consejo de los médicos de la ciudad, quienes descartaron cualquier causa de tipo astrológico o sobrenatural. Los galenos declararon que la epidemia se debía a una enfermedad causada por un repentino aumento en la temperatura de la sangre conocida como "la enfermedad de la sangre caliente" en la que, según el pensamiento de la época, el flujo sanguíneo podía recalentar el cerebro provocando enfado, fogosidad o incluso locura. Lo que resulta extraño es que en lugar de realizar las tradicionales sangrías o prescribir a los enfermos una severa dieta, la autoridades decidieron que toda aquella gente siguiera bailando, a ver si así lograban desfogarse y parar.
A medida que la "epidemia" de baile iba empeorando, las autoridades buscaron consejo en los médicos de la ciudad.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/14/festividad-de-san-jorge-alrededor-del-arbol-de-mayo-cuadro-de-pieter-brueghel-el-joven_78978990_230314105801_800x544.jpg)
Festividad de San Jorge alrededor del árbol de mayo. Pintura de Pieter Brueghel el Joven.
Finalmente, las autoridades creyeron haber dado con el remedio: construyeron un escenario en la plaza de la ciudad para que los afectados pudieran bailar con libertad, e incluso contrataron músicos y bailarines profesionales. Pero como era de esperar, la medida resultó un fracaso. Durante las semanas siguientes, los improvisados bailarines fueron cayendo fulminados ante la mirada atónita de sus vecinos. Al final, de manera sorprendente, aquella "locura" terminó de manera repentina, y los que sobrevivieron dejaron de moverse sin que se sepa porqué.
¿EFECTOS PSICOTRÓPICOS?
Pero ¿cuál fue la causa de aquel extrañísimo fenómeno? Algunas teorías modernas apuntan a una posible intoxicación alimentaria debido a los efectos tóxicos y psicoactivos causados por el cornezuelo, un hongo que afecta a una gran variedad de cereales como el centeno o la cebada, con los que se elaboraba el pan, que resultaba contaminado. La sustancia tóxica es la ergotamina, un alcaloide que segrega el cornezuelo de centeno, cuya estructura estaría relacionada con el ácido lisérgico (LSD).
Teorías modernas apuntan a una posible intoxicación alimentaria debido a los efectos tóxicos y psicoactivos del cornezuelo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/14/boda-rustica-cuadro-pintado-por-pieter-brueghel-el-joven-museum-voor-schone-kunsten-gante-belgica_b8d87a58_230314110137_800x573.jpg)
Boda Rústica, cuadro pintado por Pieter Brueghel el Joven. Museo Voor Schone Kunsten, Gante.
Aunque esta hipótesis no convence a todos los investigadores, puesto que el ergotismo (la enfermedad provocada por la ingesta de alimentos contaminados por estos hongos) provoca convulsiones violentas y delirios. Por su parte, Waller sugiere en su libro, entre otras, que una de las causas de aquella "epidemia" de Estrasburgo pudo deberse a un episodio puntual de extrema hambruna y que una de sus fatales consecuencias podría haber sido unas elevadas fiebres que acabaron provocando aquellos movimientos descontrolados en la gente.
En este contexto debemos hacer referencia a una antigua tradición cristiana que afirma que la ira de San Vito podía provocar plagas de baile compulsivo. Según Waller, este pensamiento, en una época llena de supersticiones, unido además a un trastorno psicogénico masivo (cuando las personas de un mismo grupo se sienten enfermas a la vez), a la angustia y a la sugestión, pudieron, posiblemente, desencadenar aquel cuadro de histeria colectiva. Aunque seguramente nunca conozcamos con certeza las causas de tan singular acontecimiento.
-
Ole Kirk Christiansen, el creador de lego, el juego de construcción más famoso del mundo
El carpintero Ole Kirk Christiansen logró crear, a pesar de sus humildes orígenes, uno de los juegos de construcción más famosos del mundo: Lego. Los pequeños "ladrillos" de plástico de colores que lo componen (al principio fabricados de madera) fueron evolucionando con el tiempo hasta alcanzar tal grado de perfección que hoy en día con ellos podemos llegar a hacer las más complejas y fascinantes creaciones.
Biografías
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/03/02/imagen-de-ole-kirk-christiansen-tomada-alrededor-del-ano-1958_9d06d757_352x466.png)
Fotografía de Ole Kirk Christiansen tomada alrededor del año 1958.
El 11 del marzo de 1958 fallecía Ole Kirk Christiansen, un modesto carpintero danés que, gracias a su esfuerzo y tesón, se convertiría con el tiempo en el brillante creador de uno de los juegos más conocidos y seguidos del mundo, el famosísimo Lego. Y es que Ole y su hijo mayor, Godtfred, fueron capaces de inventar un entretenido juego a base de pequeños ladrillos de plástico entrelazados que, conectados entre sí, son capaces de formar estructuras infinitas y fascinantes.
El creador de estos pequeños "ladrillos" mezclaría las palabras danesas leg godt ("jugar bien") para componer el nombre de una de las marcas de juguetes de construcción más exitosas: Lego. Pero aún hay otra curiosidad en torno a este nombre. Tal vez por azar, o tal vez por una buena visión de negocio, la palabra lego tiene también su traducción al latín, idioma en el que significa "colocar juntas".
TRABAJAR CON HUMILDAD Y TESÓN
Ole Kirk Christiansen nació el 7 de abril de 1891 en la población danesa de Filskov. Pese a que su familia era bastante pobre, el joven Ole tuvo una educación secundaria básica para posteriormente empezar a trabajar en una fábrica. Más tarde sería el aprendiz de su hermano mayor Kristian y finalmente se convirtió en maestro carpintero.
Con veinte años, Ole viajó a Alemania y a Noruega, países en los que ejercería su profesión. A su regreso a Dinamarca, con el dinero que había podido ahorrar, Ole adquirió un taller de carpintería y aserradero y lo llamó Billund Maskinsnedkeri og Tømreforretning. Por aquella época (corría el año 1916)se casó la hija de un quesero local llamada Kirstine Sorensen, con la que tuvo cuatro hijos. Pero la felicidad conyugal de Ole duró poco. Kirstine murió poco después de dar a luz a su cuarto hijo.
Con veinte años, Ole dejó Dinamarca para irse a trabajar como carpintero, primero a Alemania y luego a Noruega. A su regreso, con el dinero que había podido ahorrar, Ole adquirió un taller de carpintería y aserradero.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/03/02/ladrillos-de-colores-lego_f7e35e39_800x531.jpeg)
Imagen de los famosos ladrillos de colores de Lego.
Como recordaría años después el hijo de Ole, Godtfred Kirk Christiansen, "mi primera contribución a la empresa, no es que esté orgulloso de ello, fue cuando mi hermano Karl Georg y yo encendimos el calentador de pegamento. Desafortunadamente, algunas virutas de madera se incendiaron y todo el edificio se quemó hasta los cimientos". Esto ocurrió en 1924; la casa y el taller de los Christiansen se calcinaron en cuestión de minutos. Pero aquel revés no desmoralizó a Ole, que contrató a un arquitecto para rehacer de nuevo el edificio en el estilo arquitectónico que estaba en auge en Dinamarca entre los años 1915-1940.
El nuevo edificio era mucho más grande que el anterior y para poder sufragar los gastos que comportaba, Ole se vio obligado a alquilar las habitaciones vacías. El edificio adquirió fama por su gran buhardilla y por los dos leones que flanqueaban la entrada. En la actualidad, forma parte del Grupo Lego y es uno de los pocos edificios originales propiedad de Ole que aún existen en el país.
"SOLO LO MEJOR ES SUFICIENTEMENTE BUENO"
Durante la década de 1930, la Gran Depresión azotó Dinamarca, y el negocio de Ole se vio seriamente afectado por sus consecuencias. A medida que los encargos iban disminuyendo, Ole se dedicó principalmente a la fabricación de pequeños artículos para el hogar como escaleras, tablas de planchar, taburetes, soportes para los árboles de Navidad y pequeños juguetes de madera.
Aquel mismo año, su hijo Godtfred empezó a trabajar en la fábrica y se propuso ampliar la línea de juguetes. En 1932, los Christiansen ya fabricaban alrededor de 28 diseños distintos de juguetes, entre ellos coches, aviones y autobuses. Construían los juguetes en madera de abedul, los lijaban, les daban tres capas de pintura y finalmente los empaquetaban de manera artesanal, lo que les valió una gran reputación. Esa búsqueda de la perfección y la pasión por el trabajo bien hecho se reflejaba en el lema que podía leerse en un cartel situado en la entrada del taller que Godtfred había grabado: "Solo lo mejor es suficientemente bueno".
En 1932, los Christiansen ya fabricaban alrededor de 28 diseños distintos de juguetes, entre ellos coches, aviones y autobuses. Construían los juguetes en madera de abedul, los lijaban y les daban tres capas de pintura.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/03/02/dimensiones-de-algunos-ladrillos-de-lego_f5a6aa3e_512x256.jpeg)
Dimensiones de algunos de los ladrillos de Lego.
https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/03/02/logo-de-la-marca-de-juguetes-de-lego_74a3b670_800x806.jpg
Logo de la famosa marca de juguetes Lego, creada por Ole Kirk Christiansen.
De este modo, con la producción de la empresa familiar centrada únicamente en la fabricación de juguetes, Ole creyó llegado el momento de buscar un nuevo nombre para la empresa. Decidió organizar un concurso entre los empleados de la fábrica para que fueran ellos mismos quienes lo decidiesen.
Al final triunfaría el nombre de "Lego" que se obtuvo tras combinar las palabras "LEg GOdt" que como hemos visto significan "jugar bien". La recién bautizada compañía se puso manos a la obra y los primeros juguetes que fabricó fueron animales de madera entre los que destacó el clásico pato de madera hecho para que los niños tirasen de él, aunque más tarde los Christiansen ampliarían el catálogo añadiendo diseños mucho más complejos.
En el año 1936, la compañía disponía de un amplio elenco de juguetes que constaba de 42 modelos diferentes y Ole elaboró asimismo una guía de diseño para que sus empleados la siguieran de un modo estricto. Pero no todo transcurrió según lo esperado. En 1942, la fábrica sufrió de nuevo un incendio, aunque esta vez la situación económica de Ole le permitió rehacerla y seguir adelante.
UNA INVERSIÓN DE FUTURO
En 1947, Ole Kirk conoció a Hilary "Harry" Fisher Page, diseñador de la fábrica británica de juguetes Kiddicraft. Esta era una empresa juguetera que había patentado unos bloques rectangulares con un conector en la base superior. Aquellos bloques de madera se podían montar y desmontar con gran facilidad, lo que proporcionaba mucha libertad a la hora de crear cualquier modelo.
Fascinado con el invento, Ole decidió apostar por el mismo tipo de bloques, pero hechos de plástico. Fue entonces cuando el juguetero danés compró una máquina de inyección para producir bloques de plástico en masa basados en el diseño de la fabrica británica.Aunque la inversión fue sumamente ambiciosa, ahora la compañía tenía la capacidad de fabricar modelos tanto en madera como en plástico. Pero eso solo sería temporal, puesto que al final Ole y su hijo se decidieron a trabajar única y exclusivamente con el plástico.
En 1947, Ole Kirk compró una máquina de inyección para producir bloques de plástico en masa basados en los modelos de la fábrica británica Kiddicraft.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/03/02/un-tyranosaurus-rex-de-ocho-metros-realizado-con-piezas-de-lego_64f8834c_800x537.jpeg)
Reproducción de un Tiranosaurio Rex de ocho metros realizado completamente con piezas de Lego.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/03/02/un-triceratops-realizado-con-ladrillos-de-lego_556ffbb6_800x491.jpeg)
Un elaborado Triceratops realizado con ladrillos de Lego.
Los inicios de esta nueva etapa fueron bastante difíciles. En esa época los juguetes de plástico no tenían muy buena prensa, y más aún cuando los ladrillos fabricados por Lego en aquel entonces aún no habían obtenido el encaje adecuado. Fue precisamente en una feria de juguetes, cuando escucharon las quejas de un vendedor, cuando Ole y su hijo mayor descubrieron qué era lo que faltaba a sus juguetes para triunfar. Necesitaban que los juguetes de Lego dieran libertad absoluta al niño a la hora de crear, fueran más seguros y de mejor calidad. Dicho y hecho. Godtfred empezó entonces a investigar la manera de adaptar aquellas ideas a sus ladrillos de plástico, hasta que al final logró crear un producto en el que todos los ladrillos fueran perfectamente compatibles unos con otros.
Así nació Lego Town Plan nº 1 en 1955. A cada ladrillo se le adaptó una unión mediante el uso pequeños tubos, lo que proporcionó al juguete una enorme versatilidad. Al final, la máxima que aún podía leerse a la entrada de la fábrica de los Christiansen parecía haberse hecho realidad. La versión que conocemos actualmente de los bloques de Lego se patentó en 1958, justo el año en que murió Ole Kirk, el fundador de la empresa.
LEGO, UNA EMPRESA CON IMPACTO MUNDIAL
En 1963, la compañía, ya sin Ole, reemplazó el acetato de celulosa por el acrilonitrilo butadieno estireno (material plástico ABS), que es el que se utiliza en la actualidad y es menos propenso a la decoloración y a la deformación, y mucho más resistente al calor. Consolidada ya como una de las compañías de juguetes más importantes del mundo (actualmente está presente en más de 130 países), el 7 de junio de 1968, Lego inauguró el primer parque Legoland, que fue construido en la ciudad de Billund, en Dinamarca (actualmente existen ocho parques Legoland por todo del mundo, como los de California, Florida, Nueva York o Dubái).
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/03/10/modelo-lego-de-la-ciudad-de-amsterdam-en-el-parque-legoland-de-billund_7788ab49_800x532.jpg)
Modelo Lego de la ciudad de Ámsterdam en el parque Legoland de Billund.
El 7 de junio de 1968, Lego inauguró el primer parque Legoland que fue construido en la ciudad de Billund, en Dinamarca. Actualmente existen ocho parques Legoland por todo del mundo, como los de California, Florida, Nueva York o Dubái.
Durante el primer año tras su inauguración, el parque de Billund fue visitado por 625.000 personas, y en 1980 los admiradores de los ladrillos de plástico de Lego levantaron allí una torre de trece metros. Pero en la década de 1990, aquella torre se quedó pequeña cuando se construyó otra de veinticuatro metros de altura. Actualmente, Lego se ha convertido en una marca reconocida a nivel mundial, y no solo triunfa con los parques de atracciones, sino también con videojuegos, películas, series, e incluso prótesis funcionales e impresoras braille. Su éxito ha sido tal, que en el año 2000 la Asociación Británica de Tiendas de Juguetes nombró a LEGO Juguete del Siglo. Un honor que seguramente habría llenado de orgullo a su fundador.
-
El perro más famoso del madrid del siglo xix
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/06/22-perro-paco-2-autor-desconocido_898cb092_230306231953_1280x848.jpg)
En esta foto, tomada frente al popular Café Fornos de Madrid, se puede apreciar a un perro corriendo en la parte derecha de la imagen. No se trata de uno cualquiera sino de Paco, un can que se convirtió en todo un personaje de la capital entre finales de la década de 1870 y principios de la de 1880.
Paco era un perro callejero, mestizo, que apareció una noche en el Café Fornos buscando algo de comida. Se acercó a la mesa del marqués de Bogaraya, a quien le cayó en gracia: le obsequió con un trozo de carne y lo bautizó como Paco, ya que era el día de san Francisco. Desde entonces Paco acudió con con asiduidad al café, donde siempre conseguía algo de comida gratis; y empezó a frecuentar otros locales de la zona. Con el tiempo se le llegó a permitir la entrada a los teatros y se le dedicaron artículos de prensa, tiras cómicas e incluso polcas. Se lo veía en compañía de escritores como Pérez Galdós y especialmente de Valle-Inclán, por quien parecía sentir preferencia.
Paco también parecía sentir interés por las corridas de toros, algo que acabaría siendo su perdición. Una tarde de junio de 1882 saltó al ruedo durante una corrida, asustando al caballo del novillero; y este, molesto, le clavó una estocada. El público, enfurecido, se lanzó a por el novillero, que se salvó por poco de ser linchado. El empresario teatral Felipe Ducazcal se llevó a Paco para que tratasen sus heridas, pero el perro no logró sobrevivir. Aun así, Paco siguió vivo en la memoria de los madrileños y, desde enero de 2023, tiene una estatua en el número 71 de la calle de las Huertas.
-
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/08/23-liz-taylor-2_a71e87a3_230308231154_1280x796.jpg)
Elizabeth Taylor fue una de las estrellas más icónicas y longevas de Hollywood, con una carrera de más de 60 años. En su tiempo se la consideró la actriz más hermosa del mundo y, en la era de las superestrellas del cine, eso era una gran ventaja. Entre las características que hacían tan llamativo el rostro de la actriz destacaban, sin duda, sus ojos de color “violeta”… ¿pero eran realmente de este color?
La respuesta corta es que no: técnicamente, no hay personas con el iris de color violeta. Los ojos de Elizabeth Taylor eran, en realidad, azules. Si en sus películas y en el recuerdo popular parecen de otro color era porque su azul tendía al gris y, en ciertas condiciones de iluminación, daban la impresión de ser violetas. Se trata de un caso bastante raro que solo se da en un 2% de la población mundial.
Pero Taylor padecía además una mutación genética que hacía únicos sus ojos: tenía doble fila de pestañas, una rara condición llamada distiquiasis que hacía resaltar aún más sus peculiares ojos. En uno de sus primeros rodajes, Lassie Come Home, el director dijo que llevaba un maquillaje exagerado – por aquel entonces ella tenía once años – y pidió a los maquilladores que se lo quitasen: para su sorpresa, al frotarle la cara descubrieron que no llevaba nada en absoluto y que esa era su mirada natural. Desde entonces, los ojos de Elizabeth Taylor fueron los más codiciados por todos los directores.
-
Descubren un tratado perdido de ptolomeo que contiene la descripción más antigua del meteoroscopio
El texto de este tratado perdido del astrónomo griego del siglo II d.C. se encontraba oculto en un documento que fue reutilizado en el siglo VIII d.C. Así, gracias al uso de imágenes multiespectrales, un equipo internacional de investigadores ha logrado recuperarlo. Este tratado se considera el texto más antiguo en el cual se describe íntegramente el meteoroscopio, un importante instrumento astronómico.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/22/el-palimpsesto-donde-se-hallo-en-tratado-de-ptolomeo_fa7d9690_230322142140_1280x911.jpg)
El palimpsesto donde se descubrió el tratado perdido de Claudio Ptolomeo.
La abadía de Bobbio, un monasterio fundado por el santo irlandés Columbano en el año 614, ubicada en la región italiana de Emilia-Romagna, guarda una de las colecciones de manuscritos más importantes de la Alta Edad Media en toda Italia. La abadía no solamente es famosa por esta magnifica colección de textos, sino que además lo es porque en ella se inspiró la abadía que es el escenario de la famosa novela El nombre de la rosa de Umberto Eco, más tarde adaptada al cine por el director francés de Jean-Jacques Annaud.
Hace unos años, en los archivos dicha biblioteca se descubrió un palimpsesto (un manuscrito elaborado a partir de un pergamino ya utilizado anteriormente), conservado ahora en la Biblioteca Ambrosiana de Milán, que contenía un texto en latín de las Etimologías de san Isidoro de Sevilla. Pero escondido tras aquella inmensa compilación del santo sevillano, que tiene como objetivo condensar todo el conocimiento de su tiempo, se ocultaba algo más: un texto que se creía perdido del astrónomo griego Claudio Ptolomeo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/22/retrato-de-ptolomeo-realizado-por-un-autor-desconocido_59b7bc30_230322142824_800x954.jpg)
Grabado que representa al astrónomo griego Claudio Ptolomeo.
BORRADO DE LA HISTORIA
El hallazgo ha sido posible gracias al trabajo llevado a cabo por Victor Gysembergh y Emmanuel Zingg, del Centro Léon Robin (Universidad de la Sorbona / CNRS) y Alexander Jones, de la Universidad de Nueva York. Este equipo internacional de investigadores descubrió que las hojas del pergamino habían sido borradas en el siglo VIII para poder ser luego reutilizadas, destruyendo de esta manera un importantísimo tratado astronómico escrito por Claudio Ptolomeo en el siglo II d.C.
Un equipo de investigadores descubrió que las hojas del pergamino habían sido borradas en el siglo VIII para ser reutilizadas.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/22/imagen-de-las-etimologias-de-san-isidoro-arriba-y-en-la-parte-inferior-el-texto-perdido-de-ptolomeo_b0946fa8_230322142910_800x800.jpg)
Imagen de las Etimologías de san Isidoro de Sevilla (arriba); en la parte inferior, el texto perdido de Ptolomeo.
Veneranda Biblioteca Ambrosiana/Mondadori Portfolio (Archive for History of Extract Sciences)
Así, mediante el uso de imágenes multiespectrales, que han podido lograrse gracias a la ayuda de la empresa Lumière Technology y de un equipo internacional formado por Early Manuscripts Electronic Library (EMEL), Lazarus Project, Rochester Institute of Technology y la empresa MegaVision Inc., Victor Gysembergh, Emmanuel Zingg y Alexander Jones han podido descifrar e interpretar el documento que se creía perdido y que contiene la descripción más antigua que se conoce de un instrumento llamado meteoroscopio, una especie de esfera armilar (instrumento astronómico para determinar la posición de los cuerpos celestes) de nueve anillos, según han explicado en un artículo publicado en la revista Archive for History of Exact Sciences.
UNA ESFERA ARMILAR
Y es que gracias al meteoroscopio, los matemáticos antiguos podían calcular alturas y distancias, y Ptolomeo lo usó específicamente para "mejor precisar los sitios de los lugares y saber las distancias que tenían los uno de los otros y para qué parte estaban situados, si para Septentrión o para Oriente o lo que estaban desviados por algún otro particular respecto o inclinación", según recoge el cosmógrafo e historiador del siglo XVI Alonso de Santa Cruz en su Libro de las longitudes.
Gracias al meteoroscopio, los matemáticos podían calcular con más exactitud las alturas y las distancias.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/22/reproduccion-digital-de-un-metereoscopio_76b459e8_230322142934_800x788.jpg)
Reproducción digital de un metereoscopio.
Gysenbergh et al.
"(El texto está) en la intersección de las ciencias naturales y las humanidades y se compone, en particular, de 15 hojas de un manuscrito griego del siglo VI o VII a.C. que más tarde se utilizó para almacenar varias obras", siguen explicando los investigadores en su artículo. De hecho, las 15 hojas comprendían tres obras científicas griegas: una sobre mecánica y matemática de autor desconocido, una obra de Ptolomeo, Analemma, y otra sin identificar, que ha resultado ser este tratado astronómico de Ptolomeo.
"El documento, que tiene lagunas, describe la construcción y el uso de una esfera armilar de nueve anillos, identificable como el meteoroscopio. Este importante descubrimiento arroja nueva luz sobre la historia de la astronomía en la Antigüedad y sobre los inicios de la historia de la ciencia. En particular, proporciona una mejor comprensión del método científico utilizado por los antiguos astrónomos para realizar sus mediciones", concluyen.
-
Paco de Lucía, el flamenco hecho arte
Paco de Lucía está considerado uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos y uno de los mayores impulsores de la música flamenca. Con su estilo personal e inconfundible, De Lucía, quien nunca se cansó de aprender, compuso melodías que han dado la vuelta al mundo y ha trabajado al lado de figuras de renombre internacional como Al Di Meola, John McLaughlin o Chick Corea.
Biografías
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/17/imagen-de-paco-de-lucia-durante-un-concierto-en-timisoara-rumania-en-septiembre-de-2007_3a7ea391_800x600.jpeg)
El 25 de febrero de 2014 moría a los 66 años Paco de Lucía, considerado uno de los máximos exponentes del flamenco español y uno de los más grandes virtuosos de la guitarra, tanto a nivel nacional como internacional. Criado en un ambiente familiar donde el flamenco estaba siempre presente, Paco de Lucía bebió de las fuentes de grandes artistas de la guitarra flamenca como el Niño Ricardo y Sabicas.La influencia de estos dos grandes maestros marcaría profundamente el arte del algecireño, que tocó sus primeros acordes junto con sus hermanos, el también guitarrista Ramón de Algeciras y el cantaor Pepe de Lucía.
LA MÚSICA, UN ANTÍDOTO CONTRA LA POBREZA
Nacido el 21 de diciembre de 1947 en el popular barrio de La Fuensanta, en la ciudad de Algeciras (Cádiz), Paco fue el menor de los cinco hijos de Lucía Gomes Gonçalves, conocida como La Portuguesa, y de Antonio Sánchez Pecino, un gran aficionado a la guitarra, instrumento que había aprendido a tocar de la mano de Manuel Fernández, conocido como Titi de Marchena. Antonio compaginaba su trabajo como vendedor de frutas y telas con algunas actuaciones en tablaos y fiestas locales con el nombre de Antonio de Algeciras. Pero la difícil situación económica familiar hizo que Paco y sus hermanos, Ramón, María Lucía, Pepe y Antonio, tuviesen que dejar muy pronto la escuela para ponerse a trabajar.
La difícil situación económica de la familia hizo que Paco y sus hermanos, Ramón, María Lucía, Pepe y Antonio, tuviesen que dejar muy pronto la escuela para ponerse a trabajar.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/22/fotografia-de-paco-de-lucia-tomada-en-1976_17050ef4_800x581.jpg)
Fotografía de Paco de Lucía tomada en 1976.
Así, el padre de los muchachos decidió que estos aprendieran a tocar la guitarra. Antonio tenía la convicción de que si sus hijos se dedicaban al arte flamenco les esperaba un brillante porvenir, por lo que los puso en contacto con artistas de renombre como Antonio El Chaqueta, Chato Méndez, Rafael El Tuerto, El Brillantina de Cádiz y Antonio Jarrita. Muy pronto el joven Paco empezó a ser conocido en los ámbitos musicales locales, y actuó por primera vez en el cine Terraza de Algeciras a finales de 1959 junto con su hermano Pepe. Los dos hermanos formarían poco tiempo después un grupo flamenco llamado Paco y Pepe de Algeciras, nombre que más tarde cambiarían por Los Chiquitos de Algeciras (pero cuando Paco tuvo que buscarse un nombre artístico propio no dudo en adoptar el nombre de su madre como apellido, Paco de Lucía).
INFLUENCIAS ILUSTRES
En 1962, tras grabar varios elepés con la discográfica Hispavox, Paco y Pepe se presentaron al Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera, donde Pepe ganó el primer premio cantando por malagueñas. Pero Paco era demasiado joven para participar en un concurso, por lo que se le concedió un premio especial, el Javier Molina, creado ex profeso para él. Poco después, la familia entera se trasladó a Madrid. Allí, en 1963, los hermanos fueron contratados por la compañía del coreógrafo y bailarín de flamenco José Greco para llevar a cabo una gira de nueve meses por toda Sudamérica.
La gran amistad que el guitarrista entabló con Camarón de la Isla se tradujo en su participación y la de su hermano Ramón de Algeciras en los siete primeros discos del cantaor como acompañantes.
De nuevo en España, Paco grabaría tres discos en colaboración con el también guitarrista Ricardo Modrego y conoció apersonajes tan ilustres del mundo del flamenco como el cantaor Fosforito (a quien acompañó durante una actuación en Salamanca), Camarón de la Isla y el músico Juan El Lebrijano. Junto a ellos formó parte de un grupo (en el que también estaban los artistas Matilde Coral, Paco Cepero y El Farruco) que fue contratado por los mánagers internacionales Horst Lippman y Fritz Rau para participar en el Festival Flamenco Gitano, un evento que recorrió Europa en diversas ocasiones durante la segunda mitad de la década de 1960.
Paco de Lucía acabaría trabando una gran amistad con Camarón de la Isla, lo que se tradujo en su participación y la de su hermano Ramón de Algeciras en los siete primeros discos del cantaor como acompañantes y en la aparición de Camarón y Paco, años después, en 1992, en el film Sevillanas, del director Carlos Saura.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/17/imagen-de-paco-de-lucia-durante-uno-de-sus-conciertos_a3b0fd94_800x1096.jpeg)
Imagen de Paco de Lucia durante uno de sus conciertos.
Animado por los guitarristas Sabicas y Mario Escudero, Paco de Lucía se adentró en el mundo de la composición y grabó sus primeros discos en solitario: La fabulosa guitarra de Paco de Lucía (1967) y Fantasía flamenca (1969), algunos de cuyos temas interpretó en 1970 en el Palau de la Música Catalana de Barcelona durante el Festival Internacional que se celebró en la Ciudad Condal con motivo del bicentenario de la muerte de Beethoven, siendo aquel, para algunos de sus biógrafos, el momento de su consagración definitiva. Pero no solo el flamenco interesó a Paco de Lucía. El guitarrista también se sintió fuertemente atraído por el jazz, mundo en el que se introdujo de la mano del saxofonista Pedro Iturralde,con quien grabó un álbum titulado Flamenco Jazz (1967).
IRRUPCIÓN EN LA ESCENA INTERNACIONAL
El disco de Paco de Lucía Fuente y caudal, producido en 1973 y en el que se incluía el tema Entre dos aguas, alcanzó el número uno en las listas de ventas en pocos meses, acercando al guitarrista al gran público, que llegó a alcanzar el reconocimiento mundial. En 1975, Paco actuó en el Teatro Real de Madrid e inició una tanda de conciertos junto a Carlos Santana y a Al Di Meola, en 1977. En 1980 participó también en los conciertos ofrecidos por John McLaughlin y Chick Corea.
Con el paso de los años, Paco de Lucía, que siempre había estado abierto a nuevos estilos, fue abandonando paulatinamente el flamenco más tradicional.
En la cúspide de su fama, en 1977, el guitarrista contrajo matrimonio en secreto con Casilda Varela Ampuero en Ámsterdam debido a la oposición de la familia de ella. Con Casilda tuvo tres hijos: Casilda (1978), Lucía (1979) y Francisco (1983). Con el paso de los años, Paco de Lucía, que siempre había estado abierto a nuevos estilos, fue abandonando paulatinamente el flamenco más tradicional, lo que se reflejó en sus trabajos Solo quiero caminar (1981), Siroco (1987) y Zyryab (1990). En este último disco, en el que participaron Chick Corea y Manolo Sanlúcar, es en el que mejor se aprecia la fusión del flamenco y del jazz con el uso de los teclados y de instrumentos tradicionales. Uno de estos instrumentos es el conocido como el "cajón", muy utilizado en la música afroperuana y que Paco de Lucía conoció de la mano de Carlos Caitro Soto de la Colina durante una estancia del artista en Perú a finales de los años setenta. El guitarrista también se interesó por la música clásica para guitarra y ha dado muestras de esa inquietud en su grabación del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo en 1991.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/17/paco-de-lucia-junto-a-los-guitarristas-al-di-meola-izquierda-y-john-mclaughlin-centro-durante-un-concierto-en-barcelona-en-los-anos-1980_d11c7fd6_800x529.jpeg)
Paco de Lucía junto a los guitarristas Al Di Meola (izquierda) y John McLaughlin (centro) durante un concierto en Barcelona en la década de 1980.
Así, y echando una una mirada en perspectiva a la carrera de Paco de Lucía, la mayoría de críticos considera que la aportación más importante que el guitarrista ha hecho al flamenco, con su particular estilo virtuoso, entre rítmico y enérgico, es haber conseguido no solamente popularizarlo, sino también, y sobre todo, internacionalizarlo.
UN ADIÓS PREMATURO
Tras veinte años de matrimonio, Paco y Casilda se separaron, y De Lucía conoció en Cancún a Gabriela Canseco, una restauradora mexicana, con quien se casó. La pareja tendría dos hijos, Antonia (2001) y Diego (2007). Precisamente fue en México donde Paco de Lucía pasó sus últimos meses, concretamente en Playa del Carmen, una pequeña ciudad caribeña en el estado de Quintana Roo.
Durante una entrevista que De Lucía concedió al magazine del diario El Mundo, el famoso guitarrista pareció mostrarse especialmente premonitorio respecto a su futuro: "Allí es donde de verdad disfruto, en Playa del Carmen, con su mar tranquilito. Voy, me alquilo una casa y me dedico a la pesca submarina. Y luego me cocino lo que he pescado y ya está. No quiero más que eso. Ahora pienso mucho en el tiempo, que ya no tengo tanto. Por primera vez creo que tengo que darme prisa y quedarme más tiempo en casa y dedicarme a componer, que es en definitiva lo que va a quedar. Los conciertos se los lleva el aire".
Fue en México donde Paco de Lucía pasó sus últimos meses, concretamente en Playa del Carmen, una pequeña ciudad caribeña en el estado de Quintana Roo en México.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/22/imagen-de-paco-lucia-tomada-durante-uno-de-sus-conciertos_a47d15ec_800x535.jpeg)
Imagen de Paco Lucia tomada durante uno de sus últimos conciertos.
De Lucia había dejado de fumar hacía dos semanas cuando el 25 de febrero de 2014 empezó a sentirse mal mientras jugaba al fútbol en la playa junto a sus hijos. Ingresado de urgencias en el centro hospitalario Hospiten, el artista falleció en el área de urgencias con tan solo 66 años de edad. Galardonado, entre otros premios, con dos Grammy, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco... fue durante la entrega del Príncipe de Asturias de las Artes, que se le concedió en 2004, cuando el portavoz del jurado supo resumir en unas pocas y acertadas palabras la enorme contribución a la música de Paco De Lucía: "Todo cuanto puede expresarse con las seis cuerdas de la guitarra estaba en sus manos".
-
UNA MISTERIOSA MUJER DE HACE 23.000 AÑOS
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/16/dama-de-brassempouy-expuesta-en-el-museo-de-arqueologia-nacional-en-saint-germain-en-laye_92282a4d_230316085419_1280x1017.jpg)
Dama de Brassempouy expuesta en el Museo de Arqueología Nacional, en Saint Germain en Laye.
La dama de brassempouy, una de las representaciones del rostro humano más antiguas que se conocen
Tallada hace unos 23.000 años, la Dama de Brassempouy es una de las pocas representaciones detalladas de un rostro humano del Paleolítico y una de las más antiguas que se conocen. Convertida en un icono del arte prehistórico por lo exótico de su aspecto, sobre todo por el minucioso tratamiento del cabello, esta figura tallada en marfil de mamut es, aún a día de hoy, objeto de debate entre los investigadores de todo el mundo.
Brassempouy es una localidad del sur de Francia que a finales del siglo XIX se convirtió en uno de los principales focos de atención de la arqueología prehistórica europea. A escasos cien metros de distancia la una de la otra, se descubrieron dos cuevas, conocidas como la Galería de las Hienas y la Gruta del papa. Esta última fue explorada por primera vez en el año 1881 por el prehistoriador y naturalista francés Pierre-Eudoxe Dubalenel, con unos métodos más que cuestionables para los estándares actuales. Tuvieron que pasar catorce años más para que Édouard Piette se hiciera cargo de unas nuevas excavaciones en el lugar en 1894.
En la Gruta del papa, Piette identificó varios niveles que atribuyó al período Solutrense (aproximadamente entre los años 24000 a.C. y 18000 a.C.) y un nivel al que bautizó como "capa ebúrnea" o Eburniense por la gran cantidad de objetos elaborados con este material que allí descubrió. En aquella capa (que sería posteriormente renombrada por los paleontólogos como Gravetiense, 32000 a.C.-24000 a.C.), entre varias figurillas y fragmentos, algo llamó poderosamente la atención de Piette: una pequeña cabeza sin cuerpo que parecía llevar una capucha. Había descubierto la famosa figurilla que sería conocida mundialmente como la Dama de Brassempouy.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/16/ubicacion-de-la-localidad-de-brassempouy-donde-fue-encontrada-la-figurilla-de-marfil_1392ba2b_230316085454_800x780.jpg)
Ubicación de la localidad francesa de Brassempouy, donde fue encontrada la figurilla de marfil.
LA PERICIA DE UN ANTIGUO TALLADOR
Tallada en marfil de mamut, la Dama de Brassempouy es muy pequeña, mide 3,65 centímetros de altura y 2,2 centímetros de ancho. La figurilla representa la cabeza esquematizada de una mujer de rostro triangular, con la nariz y las cejas bien perfiladas, aunque no tiene boca y los ojos apenas están esbozados. En el lado derecho de su rostro destaca una grieta vertical que lo recorre desde la frente hasta la barbilla, y que podría haber surgido como consecuencia de la estructura interna del marfil. La Dama va tocada con lo que algunos estudiosos piensan que es un peinado delicadamente elaborado con trenzas en forma de damero, mientras que para otros luciría una especie de gorro, capucha o redecilla.
La talla representa la cabeza esquemática de una mujer de rostro triangular con la nariz y las cejas bien perfiladas.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/16/reconstruccion-idealizada-de-la-dama-de-brassempouy-realizada-por-libor-balak-academia-checa-de-las-ciencias-instituto-de-arqueologia-de-brno_10e7bbd6_230316085559_800x578.jpg)
Reconstrucción idealizada de la Dama de Brassempouy realizada por Libor Balák (Academia Checa de las Ciencias, Instituto de Arqueología de Brno).
Con una antigüedad estimada de entre 26.000 a 24.000 años, la Dama de Brassempouy refleja la habilidad de quien hace tanto tiempo talló una figura que ha pasado a la historia como un icono del Paleolítico. Este artista desconocido cinceló de manera muy precisa el rostro de la mujer, lo que demuestra un gran dominio de la técnica necesaria para llevar a cabo la incisión, la perforación, el raspado y el pulido del marfil. Algunos investigadores han creído ver asimismo en el rostro de la Dama de Brassempouy unas escarificaciones que han sugerido que podrían ser tatuajes o tal vez algún tipo de maquillaje.
UNA DAMA MUY MISTERIOSA
Cuando Édouard Piette escribió su primer libro La station de Brassempouy et les statuettes humaines de la période glyptique (Estación de Brassempouy y estatuillas humanas del período glíptico), publicado en la revista científicaL'Anthropologie, en 1895, no existía ningún estudio que sugiriese interpretaciones sobre el significado de aquellas figuras antropomorfas ni que las vinculase con algún tipo de culto relacionado con la fertilidad. De hecho, Piette tenía sus propias ideas al respecto, tal como explica el antropólogo norteamericano Randall White, de la Universidad de Nueva York: "Piette parece casi obsesionado por dos cuestiones: las diferencias raciales en la colección de figuritas y el parecido de algunas de ellas a las poblaciones africanas",
En 1895 no existía ningún estudio que pudiera interpretar el significado de aquellas figuras antropomorfas.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/16/dama-de-brassempouy-fotografiada-en-el-musee-darcheologie-nationale_40fef6c8_230316085706_800x1084.jpg)
Dama de Brassempouy fotografiada en el Museo de Arqueología Nacional, Saint-Germain-en-Laye.
Piette, influenciado por los estudios raciales tan en boga en su época, se propuso identificar a las "razas" que poblaron aquella región de Francia durante la Prehistoria. Creía que podían reconocerse con facilidad a través del arte, puesto que, según él, se trataba de representaciones muy realistas. Así, llegó a la conclusión de que durante el Paleolítico Superior convivieron dos tipos de poblaciones en la región: una relacionada con la que él llamaba "la raza bosquimana", que era más "robusta", y otra de "vientre plano" y más "civilizada", a la cual pertenecería la Dama de Brassempouy.
RESUELVEN EL ENIGMÁTICO ORIGEN DE LA VENUS DE WILLENDORF, LA ESTATUILLA PREHISTÓRICA MÁS FAMOSA
Leer artículo
Pero aquel enfoque racial no tardó en caer en desuso y sería muy pronto sustituido por otras explicaciones más científicas que veían en aquel tipo de tallas prehistóricas un sentido simbólico. Mientras, el significado de la Dama de Brassempouy, que actualmente se conserva en el Museo de Arqueología Nacional, en Saint-Germain-en-Laye, sigue siendo a día de hoy objeto de acalorados debates entre la comunidad científica. Aunque lo que sí está claro es que la enigmática figurita todavía no ha acabado de revelarnos todos sus misterios.
-
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/01/31/articulo-juana_410d3458_230131170555_1280x1878.jpg)
Muerte entre llamas: Juana de Arco en la hoguera
Tenía 17 años, pero las fuentes de la época la describen como una joven valiente, fuerte y con un gran sentido común. Experimentó visiones celestiales que le pedían que ayudase al rey de Francia en su lucha contra los ingleses durante la Guerra de los Cien Años y así lo hizo. Sin embargo, los mismos intereses políticos que la encumbraron como una heroína, la terminaron condenando a la muerte más cruel: quemada en la hoguera.
TRANSCRIPCIÓN DEL PODCAST
Hoy vamos a hablar de la ejecución de Juana de Arco, la adolescente que fue encumbrada y destruida por el fervor religioso y las intrigas políticas de la Francia del siglo XV.
Veinticinco años después de la muerte de Juana de Arco, un tribunal eclesiástico revocó la sentencia que la había llevado a la hoguera. Tras revisar la documentación del juicio original y entrevistar a más de cien testigos, el jurado llegó a la conclusión de que la sentencia había sido injusta y engañosa. Juana de Arco era inocente, y, con el nuevo juicio, su nombre quedaba limpio de las acusaciones de herejía por las que había sido condenada y ejecutada. Así empezaba a crecer la leyenda de la Doncella de Orleans, la heroína nacional de Francia.
¿Pero qué hizo Juana de Arco para que la condenaran a morir en la hoguera por hereje? Entre otras cosas, Juana desafió a la Iglesia Católica, asegurando que Dios se comunicaba con ella directamente… y que lo hacía para decirle que debía expulsar al ejército inglés de Francia. En una época en la que las guerras se libraban en nombre de Dios, religión y política se entrecruzaban peligrosamente. Y historia de Juana de Arco es un buen ejemplo de ello.
En el siglo XV, ingleses y franceses se disputaban la corona de Francia. El conflicto venía de lejos: en el año 1066, el rey normando Guillermo el Conquistador se había hecho con el control de Inglaterra; y desde entonces, los reyes ingleses habían considerado que esta conexión les daba un interés legítimo sobre los territorios del otro lado del Canal de la Mancha. En 1337, Inglaterra le declaró la guerra a Francia, y así comenzó la Guerra de los Cien Años.
En el año 1422, la guerra continuaba, y las cosas no pintaban bien para el heredero del trono francés, el delfín Carlos. Debo aclarar que este título le venía dado por un delfín en un escudo de armas, no era un malnombre por su parecido con este simpático animal.
JUANA DE ARCO, ¿UNA ENVIADA DIVINA?
Carlos no solo tenía en contra a los ingleses, sino también a una parte de Francia liderada por su primo, el duque de Borgoña. El rey inglés, Enrique V, había ganado terreno y había conseguido que su hijo fuese reconocido como sucesor del trono francés. Además, había establecido una alianza con el duque de Borgoña. Esta alianza anglo-borgoña controlaba gran parte del norte de Francia, incluido París. Con semejante panorama, pocos hubiesen apostado por el delfín francés, al que los ingleses parecían haber apartado definitivamente del trono. Pero en aquella época, existía la creencia de que Dios podía alterar el curso de la historia. Y no solo eso. Cuando dos bandos se enfrentaban, los dos creían que tenían a Dios a su favor, y necesitaban demostrarlo para desacreditar al enemigo: si Dios estaba con un bando, eso significaba que el otro representaba al Diablo. Y aquí es donde entra en escena nuestra heroína.
Juana de Arco nació en una familia de campesinos de Domrémy, un pueblo del noreste de Francia, cerca de la frontera del territorio controlado por los ingleses. La infancia de Juana fue como la de tantas otras niñas de la época: no aprendió a leer ni a escribir, pero sí le enseñaron a tejer, a encargarse de las labores domésticas, y, sobre todo, a rezar. Un día, cuando tenía trece años, Juana tuvo una visión que marcaría su futuro: se le apareció el arcángel San Miguel. Poco después, empezó a ver también a Santa Catalina de Alejandría y Santa Margarita de Antioquía.
A día de hoy, se cree que estas visiones pudieron ser producto de algún trastorno neurológico o psiquiátrico; pero entonces, tanto ella como sus coetáneos las interpretaron como señales divinas. Al principio, estos seres celestiales solo le pedían que rezase y viviese una vida piadosa. Pero, según explicó años después, más tarde estos mensajeros celestiales le comunicaron que tenían un encargo especial para ella: debía ayudar al Delfín Carlos, el heredero legítimo del trono de Francia, a vencer a los ingleses y recuperar su corona. Decidida a cumplir con su misión divina, Juana se puso manos a la obra.
Estos mensajeros celestiales le comunicaron que tenían un encargo especial para ella: debía ayudar al Delfín Carlos, el heredero legítimo del trono de Francia, a vencer a los ingleses
La primera vez que Juana intentó presentarse ante el delfín para ofrecerle su ayuda, nadie la tomó en serio, así que se volvió a su casa. Pero no se rindió. Al año siguiente, volvió a intentarlo, y esta vez sí consiguió permiso para entrevistarse con él. En su primer encuentro, Juana explicó al delfín que había sido enviada para “liberar a Francia de sus calamidades”; que las voces divinas le decían que debía luchar contra los ingleses, y que, si lo hacía, Carlos sería coronado rey. Para el delfín, que ya casi se había dado por vencido, las palabras de Juana dibujaban un rayo de esperanza en el horizonte. Si la chica era realmente una enviada de Dios, podía ser su salvavidas. Pero ¿y si era una hereje, una enviada del Diablo? No podía correr ningún riesgo, así que, antes de tomar una decisión, el delfín mandó evaluar a Juana, con una prueba de virginidad incluida.
Durante tres semanas, la adolescente fue interrogada por teólogos de renombre que apoyaban al delfín. Juana les dijo que demostraría que lo que decía era cierto si la enviaban a la ciudad de Orleans, que llevaba meses sitiada por los ingleses. Viendo que no había nada que perder, y que Juana sonaba convincente, el delfín Carlos y sus seguidores aceptaron su ayuda. Dos meses después, Juana se convirtió en comandante del ejército francés, y empezó a marchar hacia Orleans con una milicia de cientos de soldados. Tenía diecisiete años.
A juzgar por la información que nos ha llegado de ella, Juana de Arco era una persona fuerte -tanto física como mentalmente-, valiente, elocuente, y de un sentido común impecable. Realmente, tenía muchos de los atributos comunes en mujeres visionarias que se convirtieron en iconos de una época. Vestida como un hombre, y con el pelo corto, Juana cabalgó en el ejército del delfín como una más, algo extremadamente raro para una mujer en este período histórico. Su sobrenombre, la Pucelle d’Orleans -la “doncella de Orleans”- indicaba que era virgen, y, por tanto, una chica respetable. Su devoción religiosa, que estaba fuera de toda duda, también le servía como escudo protector en un mundo ultrapatriarcal en el que ser mujer era muy peligroso.
El 4 de mayo, el ejército francés, con Juana de Arco a la cabeza, se lanzó a liberar Orleans. La lucha duró cuatro días, en los que los franceses atacaron varias posiciones clave del ejército inglés. La batalla fue cruenta, y Juana resultó herida por una flecha mientras sujetaba su estandarte. Aún así, más tarde volvió al terreno de batalla para animar a sus soldados antes del asalto final. Su fortaleza y convicción sirvieron de inspiración a sus tropas, que consiguieron mantener el ataque hasta que los ingleses capitularon. Al día siguiente, y después de casi siete meses de asedio, el ejército inglés se retiró de Orleans.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/01/31/juana-de-arco-en-orleans_0069f5af_230131152539_800x1057.jpg)
Juana de Arco entra en Orleans por Jean-Jacques Scherrer (1887)
Lo había conseguido. Juana había prometido que liberaría Orleans, y, efectivamente, lo había hecho. Esta victoria fue interpretada por muchos como una señal de que la chica era realmente una enviada de la providencia, y su popularidad se disparó. El ejército francés continuó su buena racha, y expulsó a los ingleses de varias ciudades cercanas a la orilla del Loira. Ese mismo verano, el delfín fue coronado como el rey Carlos VII de Francia en la catedral de Reims, en la presencia de la guerrera-profeta, como ella había predicho.
¿Pero cómo es posible que una adolescente campesina y analfabeta consiguiera liderar un ejército y derrotar a un enemigo tan formidable? La respuesta a esta pregunta no es sencilla, pero para intentar contestarla debemos intentar entender la mentalidad de la época. Juana de Arco actuaba motivada por su fervor religioso. Su fe ciega le permitía no dudar ni un momento de que tenía a Dios de su lado. Y a sus soldados les pasaba lo mismo. Estaban totalmente convencidos de que tenían una misión divina, y esto les dio la fuerza y el entusiasmo necesarios para luchar hasta la victoria. Así, Juana compensó su juventud y su falta de experiencia con una determinación y una pasión incombustibles, que consiguió traspasar a sus hombres en el campo de batalla.
El delfín Carlos por fin era rey, y Juana era el ídolo de los franceses. En ese momento, ella misma sentía que había conseguido el propósito de su misión. Pero la guerra no había terminado. El ejército francés continuó enfrentándose a las tropas inglesas y borgoñonas para recuperar territorio, pero las tornas empezaron a cambiar. Juana estaba impaciente por liberar París. Según ella, el ejército del rey debía aprovechar su ventaja y atacar cuanto antes, si quería recuperar la ciudad. Pero el rey Carlos no lo veía tan claro. Algunos de sus asesores temían que Juana acumulase demasiado poder, y preferían buscar una solución negociada, así que lo convencieron de que no ordenase atacar todavía. Al retrasar el asalto a París, los ingleses tuvieron tiempo de fortificar sus posiciones y prepararse para la batalla: justo lo que Juana quería evitar.
Al retrasar el asalto a París, los ingleses tuvieron tiempo de fortificar sus posiciones y prepararse para la batalla
Cuando el rey por fin dio permiso para atacar París, el resultado fue desastroso. El ejército francés sufrió tantas bajas que, al día siguiente del inicio del asalto, recibió la orden de retirarse. A este fracaso militar siguieron otros, y la posición de Juana empezó a debilitarse. Tras meses de combates intensos, sus tropas empezaban a notar el desgaste. Estas derrotas, sumadas a las intrigas de la corte, hicieron que Juana perdiese el favor del rey. Ella continuó luchando para liberar a Francia de los ingleses, pero ya no volvería a ganar una gran batalla nunca más.
En mayo de 1430, Juana y su ejército estaban luchando contra tropas borgoñonas en Compiègne, en el norte de Francia. Cuando intentaban retirarse ante el avance de un escuadrón enemigo, Juana cayó en una emboscada, y fue capturada por los soldados borgoñones. Más tarde, el duque de Borgoña la vendió a los ingleses a cambio de una recompensa de diez mil francos. Esto supuso un triunfo colosal para el enemigo, que odiaba a aquella chica que se creía una embajadora divina y que había humillado a su ejército. Juana fue encarcelada en el castillo de Rouen, en unas condiciones tan duras que intentó escapar varias veces tirándose por la ventana. Esto solo le sirvió para que la castigasen todavía más.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/01/31/juana-capturada_c59cd6b5_230131153233_800x673.jpg)
Juana capturada por los borgoñones en Compiègne. Mural del Panteón de París, por Jules Eugène Lenepveu.
Ahora que Juana de Arco había caído y era prisionera del rey inglés, empezó a ser cuestionada. Para los ingleses, la idea de que una chica de diecisiete años liderase un ejército y aplastase al suyo era intolerable y sospechosa. Por otro lado, ¿cómo podía ser que una enviada de Dios hubiese caído tan fácilmente en manos del enemigo? Y, si no la había enviado Dios, ¿quién lo había hecho? Las dudas sobre la santidad y la pureza de la heroína de Francia se empezaron a mezclar con asuntos de alta política: si las voces que la chica había oído no eran divinas, solo podían ser diabólicas; por tanto, la causa de Juana y la coronación del rey francés, Carlos VII, habían sido no obra de Dios, sino del mismísimo Demonio. Y tal perversidad no podía quedar impune.
Los ingleses necesitaban demostrar que Juana era una enviada del Demonio por dos motivos: el primero, para justificar la derrota del ejército inglés ante las tropas francesas, y probar que Dios estaba en realidad a favor del bando inglés; y, el segundo, para desacreditar al rey Carlos VII, que, según ellos, había sido coronado gracias a una bruja o, como mínimo, una hereje. Así, con el veredicto decidido de antemano, los ingleses llevaron a Juana ante un tribunal eclesiástico formado por teólogos contrarios al rey francés.
Juana fue acusada de setenta cargos, que incluían brujería, herejía, travestismo, y tenencia de armas. Según un testigo del juicio, en su primera declaración, a Juana le hicieron “preguntas difíciles, confusas, que muchos clérigos y hombres cultos hubiesen tenido problemas para contestar”. Pero Juana sabía defenderse, y muchas de sus respuestas dejaron a los jueces desarmados y despertaron la admiración del público. Gracias a su habilidad para contestar preguntas-trampa, y tras tres meses de interrogatorios, la lista de setenta cargos iniciales se redujo a doce.
LA CONDENA DE JUANA
Pero el tribunal no iba a hacer más rebajas. Los teólogos que evaluaron a Juana concluyeron que era una mentirosa, y que había invocado a espíritus malignos. Cuando ella aseguraba haber visto a arcángeles y santos, ellos interpretaban que aquellas figuras eran en realidad las de Satán y los demonios Belial y Behemot. Cuando ella explicó que vestía ropa de hombre para pasar desapercibida ante el enemigo, ellos consideraron que este era un acto antinatural y diabólico. Los interrogadores barajaron la posibilidad de arrancarle una confesión bajo tortura, pero la descartaron: la fortaleza de Juana era demasiado sólida, y su convicción, inquebrantable. Torturarla no serviría de nada. Así, Juana fue declarada hereje y recibió un ultimátum: si no rectificaba y se arrepentía, sería entregada a las autoridades seculares, y moriría en la hoguera. Mientras tanto, el rey de Francia, que estaba negociando una tregua con el duque de Borgoña, no hizo nada para intentar salvar a Juana. Simplemente, ya no la necesitaba.
El 24 de mayo de 1431, los carceleros de Juana de Arco la llevaron a ver la hoguera que se estaba preparando para ella, a las afueras de Rouen. Después, las autoridades eclesiásticas le ofrecieron retractarse de todo lo que había dicho, a cambio de una condena de pena perpetua y la promesa de vestir como una mujer. La visión de la hoguera debió aterrorizar a Juana, porque aceptó el trato. Pero no por mucho tiempo. Cuando los jueces fueron a verla a su celda cuatro días después, se la encontraron vestida con pantalones otra vez. Al parecer, las voces habían vuelto, y le habían reprochado su debilidad. Juana declaró:
“Solo me retracté por miedo al fuego. Si a Dios no le complace que me retracte, entonces no lo haré”.
Cuando le preguntaron por qué se había puesto ropa masculina de nuevo, Juana, entre lágrimas, contestó lo siguiente:
“Es más correcto que vista así cuando estoy rodeada de hombres. Durante mi estancia en prisión, los ingleses han abusado de mí. Lo he hecho para defender mi modestia”.
Las explicaciones de Juana no conmovieron a sus acusadores. Esta recaída era exactamente lo que querían. Juana era ahora hereje reincidente, y ellos ya tenían la excusa perfecta para hacer que la condenasen a muerte.
Según los testigos, Juana repitió el nombre de Jesús hasta que las llamas la ocultaron del todo
En la mañana del 30 de mayo, seis días después de ver la hoguera por primera vez, Juana de Arco había aceptado su destino. Antes de ser trasladada a la plaza donde la esperaba la pira, se le permitió confesarse y recibir la comunión. Según los testigos, Juana llegó a la plaza escoltada por ochocientos soldados armados. Una vez allí, y delante de una multitud, le leyeron un sermón y la sentencia que la abandonaba al poder secular de los ingleses y sus colaboradores franceses. Ella escuchó con pesar, pero serena. Un inglés que se había apiadado de ella le ofreció una cruz de madera. Ella la tomó, la besó, y se la puso sobre el pecho. Entonces, el verdugo la ató a un poste de madera, y prendió fuego a su alrededor. Entre el humo de la leña, Juana le pidió a un monje dominico que intentaba consolarla que sujetara un crucifijo bien alto, donde ella lo viera, y que gritase consignas sobre la salvación. Según los testigos, Juana repitió el nombre de Jesús hasta que las llamas la ocultaron del todo.
Los ingleses y sus aliados borgoñones por fin se habían deshecho de la heroína enemiga, pero sabían que su ejecución podía traer cola. Así que, una vez muerta Juana, redujeron su cuerpo a cenizas y las tiraron al río; así, evitaban que la gente las recogiese y las guardase como reliquias. También se dijo que, tras la ejecución, el verdugo estaba preocupado por su propia salvación, porque, según él, había quemado “a una mujer santa”. Según la documentación, la mayoría de la gente presente en la plaza donde la quemaron creía que Juana de Arco era una cristiana devota, y no una hereje.
La Guerra de los Cien Años se alargó veintidós años más tras la muerte de Juana de Arco. El duque de Borgoña acabó aliándose con el rey francés, Carlos VII, y poco a poco Inglaterra fue perdiendo todas sus posiciones en Francia, excepto Calais. Una vez expulsado el ejército inglés de su territorio, Carlos VII consiguió estabilizar su reino y transformar a Francia en una gran potencia. Pero el asunto de Juana de Arco le preocupaba. No sabemos si quiso limpiar el nombre de Juana para hacerle justicia o por su propia conveniencia; después de todo, si él era rey, era gracias a ella, y no podía permitir que su coronación quedase ligada al nombre de una hereje. Fuese por el motivo que fuese, la cuestión es que el rey francés se encargó personalmente de conseguir la anulación de la sentencia que había condenado a Juana. De esta manera, quedaba ratificado que Carlos VII era el rey legítimo de Francia por la gracia de Dios… tal y como Juana de Arco decía.
Juana de Arco fue una víctima, tanto de las luchas internas de Francia como de la guerra contra una potencia extranjera. Canonizada en 1920, ocupa un lugar privilegiado en el santoral cristiano, no tanto por sus visiones divinas -que son cuestionables-, sino como por el coraje, la fortaleza, y la convicción que mostró hasta su último día. Casi seis siglos después de su muerte, Juana de Arco es la mayor heroína de Francia, y sus logros fueron decisivos en la toma de conciencia nacional de sus compatriotas.
-
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/14/imagen-del-vestido-encontrado-en-un-naufragio-del-siglo-xvii-expuesto-en-el-museum-kaap-skil-de-holanda_788bdbbd_230314150601_550x550.jpg)
Imagen del vestido encontrado en un naufragio del siglo XVII expuesto en el Museum Kaap Skil de Holanda.
Exponen un vestido casi intacto, de 300 años de antigüedad, rescatado de un barco hundido
Durante los trabajos de rescate de los restos de un barco mercante del siglo XVII hundido en las costas holandesas, los arqueólogos recuperaron, entre muchos otros elementos, un vestido de seda, en un estado sorprendentemente bueno, que ahora forma parte de una interesante exposición. Los investigadores consideran este hallazgo único, ya que apenas se conservan prendas de aquel período en tan magnífico estado, y aún menos después de pasar tanto tiempo bajo las aguas.
El Museo Kaap Skil, situado en Texel, una población del norte de Holanda, ha inaugurado una espectacular exposición que reúne los hallazgos realizados entre 2010 y 2014 en el naufragio conocido como Palm Wood Wreck. Entre las piezas que se muestran destaca sin duda un lujoso vestido del siglo XVII. Todos los objetos proceden de un barco mercante neerlandés no identificado que se hundió frente a las costas holandesas alrededor del año 1650. En 2010, algunos elementos del naufragio fueron arrastrados hasta la costa, y empezaron a aparecer cofres flotando en el mar. Pero hubo que esperar cuatro años más para poder sacar a la superficie todos los restos.
Entre los objetos que los arqueólogos lograron rescatar había uno que llenó de asombro a los arqueólogos: un hermoso vestido, completamente intacto, que fue confeccionado en raso de seda con motivos florales. En opinión de los investigadores, este vestido habría pertenecido, sin duda, a una dama de alta posición social. Es tan extraño encontrar textiles de este tipo en un pecio (los restos de un naufragio) que los científicos han bautizado a esta espectacular prenda como la "Ronda de Noche de los textiles" (por el famoso cuadro de Rembrandt).
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/14/imagen-del-vestido-expuesto-en-una-de-las-vitrinas-del-museo_ddf36690_230314150722_800x500.jpg)
Imagen del vestido expuesto en una de las vitrinas del museo.
Museum Kaap Skil
A LA MODA EUROPEA
Aunque después de tres siglos bajo el mar el ropaje ha adquirido una apariencia en tonos crema, rojos y marrones, los investigadores no pueden saber con certeza cuál fue el color original de este vestido, de un estilo conocido como frock o tabbert, aunque sí afirman que tuvo que ser de un tono más claro. El vestido consta de un corpiño con una falda ancha plisada que cae abierta en la parte delantera, mangas montadas, con sobremangas holgadas y tapas de mangas. Su estilo era el imperante en Europa occidental a principios del siglo XVII, aproximadamente entre los años 1620 y 1630.
Aunque no se sabe con certeza, este vestido podría haber tenido un color claro que se habría perdido despues de tres siglos bajo el mar.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/14/retrato-de-ana-de-dianamarca-luciendo-un-vestido-parecido-al-encontrado-en-el-barco-hundido_df3254d9_230314150803_800x1297.jpg)
Retrato de Ana de Dianamarca luciendo un vestido parecido al encontrado en el barco hundido.
Este vestido parece presentar bastantes similitudes con los que lucían las damas inglesas de la época, aunque también encajaría con la moda que se llevaba en ese período en los Países Bajos u otras partes del noroeste de Europa. Por tanto, los investigadores no descartan que la prenda se hubiera confeccionado en otro país, y que hubiera sido trasladada a otro lugar o que hubiera pertenecido a una dama de la alta sociedad de Inglaterra.
UN VESTIDO PARA SER LUCIDO
"Solo unas pocas personas en el noroeste de Europa serían lo suficientemente ricas como para poseer una prenda como esta. En Inglaterra nos fijaríamos en la alta nobleza; personas que frecuentan la corte o están muy cerca de los círculos más elevados de la sociedad. Y en los Países Bajos, especialmente en Ámsterdam, existía una clase de comerciantes extraordinariamente rica en las Indias Orientales Holandesas y el Mediterráneo", reflexiona Alec Ewing, conservador del Museo Kaap Skil. "Habrían sido los millonarios de su época, y lo suficientemente ricos como para permitirse una prenda así. Es un vestido que fue diseñado para marcar estilo, no para ser cómodo. Tal vez ni siquiera podrías vestirte solo, necesitarías que alguien te ayudara", remata Ewing.
'Solo unas pocas personas en el noroeste de Europa serían lo suficientemente ricas como para poseer una prenda como esta, afirma el conservador Alec Ewing'.
Aunque no es este el único hallazgo de interés que ha proporcionado el pecio. La exposición que ha organizado el museo también muestra otro vestido, esta vez al parecer de novia, que fue rescatado del mismo naufragio. Hecho en seda y con adornos de plata entretejidos, debió de pertenecer también a una dama muy rica, aunque no sería la misma que la del primer vestido, puesto que ambas piezas son de tamaño distinto.
-
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/16/barsheba-bathing-the-hours_25711785_230316111035_550x809.jpg)
Betsabé tentado al rey David. Miniatura iluminada de Jean Bourdichon pintada entre 1498 y 1499.
La prostitución en la edad media: un pecado tolerado
Burdeles, baños públicos y casas particulares acogían una actividad condenada por la moral pero permitida por el estado
Soldadera, amafia, bagasa, bordelera, buscona, dama de medio manto, hembra mundanal, mujer errada, pendenga, rabiza, cantonera, moza del partido... Con todos estos términos se hacía referencia en la Edad Media a las numerosas prostitutas que habitaban las ciudades y los pueblos. Sin embargo, no todos significaban lo mismo, puesto que en los siglos medievales existían diversos tipos de prostitución: la que se ejercía diariamente en los burdeles; la ocasional y encubierta, no reconocida, practicada en la calle, las tabernas, los mesones, las ventas, los baños públicos, las casas particulares e incluso en la corte; y la que resultaba de una coerción ejercida sobre las mujeres por su señor, padre, marido o alcahuete de turno.
La mayoría de las prostitutas eran víctimas de la pobreza o bien de alguna situación de desarraigo familiar. En muchos casos carecían de la protección de un cabeza de familia, padre o hermano, o bien la falta de dote les había impedido encontrar un marido, con lo que quedaban en un estado de indefensión que las abocaba a la prostitución como única salida. Otras corrieron la misma suerte tras ser violadas, una situación que en la Edad Media acarreaba la infamia para la mujer, o bien por haber dejado a sus maridos como consecuencia de una infidelidad o incompatibilidad.
PROSTITUTAS Y ALCAHUETES
Era habitual que las prostitutas procedieran de lugares distintos a aquel donde ejercían su oficio. En el caso de Zaragoza, por ejemplo, se mencionan muchas forasteras: Yolanda la Morellana alias la Valenciana, Catalina de Vitoria, Leonora de Sevilla, Teresa de Cuenca, María de Soria... En el testamento de Inés de Torre, prostituta que ejercía en Málaga, se apunta que legaba sus escasos bienes a sus padres, Rodrigo de Bustos y Constancia Díaz, que vivían en Córdoba. En Barcelona también se documentan prostitutas de Asturias, Toledo, Murcia, León y Galicia.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/16/brothel-scene-ca-1475_74b31189_230316112135_800x603.jpg)
Brothel scene ca 1475
Prostitutas y clientes disfrutan de la comida y la bebida en una casa de baños (que con frecuencia eran burdeles). Miniatura de la Ciudad de Dios, 1475, Biblioteca Nacional de Holanda.
Hablar de «vida fácil» respecto a estas mujeres resulta bastante inexacto. En realidad, durante toda su carrera las acechaban peligros y amenazas de toda clase. Como consecuencia de su promiscuidad estaban expuestas en todo momento a contraer enfermedades venéreas. Los poetas se burlaban a menudo de ello. En una cantiga de Alfonso por, el rey hace referencia a la «chaga» que tenía Dominga Eanes, una soldadera –como se llamaba a las mujeres que acompañaban a los soldados en sus desplazamientos, o que vivían en la corte en compañía de juglares y trovadores–, fruto de sus múltiples combates sexuales con un jinete moro. Pero peor aún era el envejecimiento, que les iba quitando paulatinamente los clientes y, con ellos, el sustento. Cuando quedaban privadas definitivamente de clientela encontraban escasas alternativas de subsistencia: la mendicidad, la alcahuetería, la ayuda de instituciones religiosas o de sus mismas compañeras. Los poetas hacen crueles alusiones a la situación de las prostitutas de edad avanzada. Así, Pero García Burgalés, califica de velha (vieja) a María Negra, una soldadera de avanzada edad.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/16/celestina_c8c077f3_230316113013_800x1131.jpg)
Portada de la Celestina, de Fernando de Rojas, editada en Valencia en 1514.
Aunque algunas prostitutas, las más afortunadas, podían permitirse trabajar por su cuenta, la mayoría se integraba en una mancebía (un burdel) o bien dependía de un alcahuete, hombre o mujer, que les proporcionaba clientes y una habitación donde vivir y realizar su actividad. La literatura –como en el caso de la célebre obra de Fernando de Rojas La Celestina– muestra la relación de dependencia que se establecía entre la prostituta y la alcahueta, a menudo bajo la apariencia de un vínculo familiar que hacía pasar a la alcahueta por tía, madre o madrina de la joven. Las autoridades actuaron a menudo contra los alcahuetes, que se beneficiaban de las ganancias de las prostitutas, imponiéndoles penas económicas e incluso el destierro. Así, el rey Alfonso por, en la Partida VII, ataca duramente a «los bellacos malos que guardan las prostitutas, que están públicamente en la putería tomando su parte de lo que ellas ganan».
LA VIDA EN EL BURDEL
El nivel inferior en la situación de las prostitutas era el de las mujeres que trabajaban en burdeles autorizados por el Estado. Su situación económica era a menudo apurada. Debían pagarse la comida y el alquiler de su habitáculo, además de los impuestos. No es extraño que contrajeran deudas, como atestiguan las cartas de obligación que firmaban con los prestamistas, en particular para sufragar sus importantes gastos de vestimenta.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/16/bal-3740419_71bc2e75_230316112644_800x670.jpg)
Clientes y prostitutas se entretienen mientras esperan a que una habitación quede libre. Escena de burdel flamenca, 1540. Galería de Arte de la Universidad de Yale.
Los burdeles estaban organizados por la autoridad y regulados a través de meticulosas ordenanzas. Cada ocho días un médico visitaba la mancebía, con el objetivo de evitar la propagación de enfermedades venéreas. Eso sí, para proteger el honor de las mujeres honestas y que las prostitutas no tuvieran contacto con ellas, las mancebías se trasladaban a zonas concretas de la ciudad, especialmente extramuros, o bien se cerraban sus calles mediante tapias de adobe o muros con puertas. Así, en Barcelona, los tres burdeles documentados entre los siglos XIV y XV –Viladalls, La Volta d’en Torre y El Cayet– estaban situados en las murallas de la ciudad.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/16/bal-154637_db0087fb_230316112409_800x1452.jpg)
En la Edad Media, un personaje de la Biblia, María de Magdala o María Magdalena, testigo de la crucifixión y la resurrección de Jesús, quedó asociada con las prostitutas. en realidad, se trataba de una confusión, registrada ya en el siglo VI, con otra María mencionada en el evangelio de lucas, la «mujer pecadora pública» que visitó a Jesús en la casa del fariseo. maría magdalena. Estatua de madera policromada, obra de Gregor Erhart. Siglo XVI, Museo del Louvre
Esta segregación servía también para evitar alteraciones del orden público. En unas Ordenanzas de Salamanca se establecía: «Se prohíbe alquilar locales donde [las prostitutas] se van de noche a dormir con hombres fingiendo ser mujeres de más calidad, engañándolos y llevándoles por ello muchos dineros, de lo que se ha recrescido y puede recrescer muchos escándalos, muertes y heridas e otros graves inconvenientes».
UNA VESTIMENTA ESPECIAL
Los monarcas también promulgaron leyes que exigían que las prostitutas llevaran algún distintivo en su vestimenta: tocas azafranadas, mantillas cortas, faldas amarillas o púrpuras, y, en la cabeza, llamativos adornos y cintas de color rojizo. En algunas ciudades se legisló una prenda particular: en Milán debían llevar mantos negros, y en Florencia guantes y campanas en sus sombreros. La legislación suntuaria, relativa al lujo, también marginaba a las prostitutas. Se les prohibía llevar tejidos y prendas como pieles, sedas, paños de calidad, capirotes y zapatos lujosos, adornos de oro, plata y joyas. Tampoco podían usar velos, tocas, ni mantos u otras ropas de abrigo que se reservaban para las mujeres decentes. En Barcelona, en 1340, se dictaminó que las prostitutas fueran sin mantos, y en caso de desobedecer podían pasar un día en prisión y tenían que pagar veinte sueldos.
https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/16/bal_2b5bc656_358898_230316113334_800x387.jpg
San Nicolás salva a tres jóvenes de la prostitución echando dentro de su habitación el dinero que necesitan para su dote. En caso de quedarse solteras muchas mujeres debían comerciar con sus cuerpos. Vidriera de la catedral de Bourges, siglo XIII a.C.
El consejo de Valencia, en 1383, ordenó: «Ninguna hembra pecadora pública goce en presumir andar por la ciudad, abrigada con manto, mantilla o algún otro abrigo, sino solamente con una toalla a manera de abrigo... Asimismo, que ninguna hembra goce o presuma vestir o portar alguna vestidura orlada, armiño con perlas, o de seda...». También se les imponían ciertos períodos de abstinencia, como en Semana Santa. En Barcelona, por ejemplo, las prostitutas permanecían enclaustradas desde el Miércoles Santo en el monasterio de Santa Clara, según una orden de 1373.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/16/escena-en-una-casa-de-banos_7ecb1056_230316113526_800x861.jpg)
Escena en una casa de baños
Prostíbulo medieval, miniatura anónima del siglo XV.
Pero, a pesar de las críticas, los reyes eran conscientes de que con la prostitución se evitaban otros problemas y que, además, reportaba beneficios económicos. Y es que las cargas de impuestos a las prostitutas, desde el reinado de Enrique III, beneficiaron a los reyes y a las ciudades, además de ser una medida importante en el control de este oficio. La dotación de tierras para construir casas de citas aportó múltiples ganancias.
En definitiva, la prostitución fue una institución fundamental en la cultura medieval, que la toleró y la reguló. Pero al mismo tiempo las prostitutas fueron víctimas de una sociedad que ofrecía muy pocas salidas a las mujeres y sufrieron las críticas y la marginación.
-
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/05/cash-register_9d2fc05a_550x475.jpg)
UNA MÁQUINA QUE CAMBIÓ LA FORMA DE VENDER
james ritty, el inventor de la caja registradora
El sistema mecánico que usaba un barco para contar las vueltas que daba la hélice durante la travesía, inspiró a James Ritty para producir un invento que en el futuro iba a revolucionar la manera en que los negocios contabilizaban los ingresos en sus ventas diarias.
Ésta es la historia del propietario de una cafetería en Dayton, Estados Unidos, llamado James Ritty, un hombre de aspecto bonachón y figura rechoncha que, harto de que sus empleados le sisaran parte del dinero de las facturas que abonaban sus clientes, decidió tomar cartas en el asunto. Aquellos hurtos debían terminar. Tenía que encontrar la manera de que cada vez que un cliente pagara un consumición ésta quedara registrada y guardada sin posibilidad de robo alguno.
UNA FAMILIA DE INVENTORES
El gusto de James Ritty por los inventos era algo que le venía de joven. Dos de sus hermanos, Sebastian y John, tenían alma de inventores y posiblemente fueran ellos quienes inculcaran en James aquella afición. Sebastian obtuvo varias patentes, entre ellas una para un tipo de herramienta agrícola y una caldera de vapor, mientras que John, mecánico de oficio (y futuro socio de su hermano James en la invención de la caja registradora), patentó varias máquinas para el descascarillado de maíz verde y montó una fábrica de conservas.
Dos de sus hermanos, Sebastian y John, tenían alma de inventores y posiblemente fueran ellos quienes inculcaran en James aquella afición.
Por motivos económicos, James dejó la carrera de medicina y tuvo que trabajar durante algún tiempo como carpintero y fabricante de tejas. En 1868 abrió su primer café llamado NO.10, y a principios de la década de 1870 inauguró un restaurante de tres plantas llamado The Empire, luego una bodega y finalmente se convirtió en comerciante mayorista y minorista de venta de whiskies, vinos y puros, justo cuando en 1877 dos de sus hermanos, John y Peter, abrían su propio restaurante no lejos del suyo. Cuenta una leyenda que James ideó un dispositivo único: llenó de agua todas las mesas de su restaurante y usó la energía hidráulica para que unos pequeños motores hicieran girar unos ventiladores de hojas para que el clima de la estancia fuera más agradable en épocas de mucho calor.
INSPIRACIÓN EN LA SALA DE MÁQUINAS
James Ritty llegó a obsesiornarse por las continuas desapariciones de dinero de sus negocios y se pasaba el tiempo pensando en encontrar una solución al problema. Tal era su preocupación que sufrió un colapso y se vio obligado tomarse un descanso. Decidió hacer un viaje de vacaciones por Europasin saber que ese viajes se convertiría en el punto de inflexión para sus negocios. Durante la travesía, Ritty se hizo amigo del ingeniero jefe del barco en el que atravesaba el Atlántico. Aprovechando sus conocimientos de mecánica, muy pronto tuvo acceso a la sala de máquinas, donde quedó fascinado con el mecanismo automático que registraba las revoluciones del eje de la hélice del barco. Con sus pensamientos aún centrados en las pérdidas que sufrían sus tiendas, Ritty sintió una inspiración y pensó: "Si se pueden registrar los movimientos de la hélice de un barco, no hay razón para que no se puedan registrar los movimientos de ventas en una tienda. Hay un gran campo para una máquina que puede hacer este trabajo".
Reproducción de la caja registradora inventada por los hermanos Ritty.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/05/reproduccion-de-la-caja-registradora-inventada-por-los-hermanos-ritty_b7b483a6_800x694.jpeg)
Aprovechando sus conocimientos de mecánica muy pronto tuvo acceso a la sala de máquinas del barco donde quedó fascinado con el mecanismo automático que registraba las revoluciones del eje de la hélice del barco.
Así,la idea de la caja registradora empezó a tomar forma en la mente de James Ritty. Ya en Europa, no podía dejar de pensar en su futuro invento, de tal modo que al final interrumpió sus vacaciones y regresó a Dayton. A su llegada, contó su proyecto a su hermano John, y juntos se pusieron manos a la obra en la creación de un invento que iba a cambiar la manera en que los negocios recaudaban sus ganancias por cada venta. El primer modelo de caja registradora producido por los hermanos Ritty tenía dos filas de llaves en la parte frontal inferior de la máquina y al presionar cada una de las teclas, que representaba una cantidad individual de dinero, el importe quedaba registrado en una especie de esfera muy parecida a la de un reloj de pared o un medidor de vapor. Al principio no había un cajón para guardar el efectivo, pero aunque incompleta, esta máquina se convertiría en la primera destinada a proteger las ganancias diarias de los comerciantes en los años venideros.
PRIMEROS MODELOS
Con el tiempo, el "cajero incorruptible" de Ritty indicaba tanto al consumidor como al propietario el importe exacto de la venta, algo que hasta el momento no se podía observar en las primeras cajas inventadas por los hermanos. En aquel modelo se incluyó el familiar sonido de una campanilla cada vez que se hacia un transacción. El siguiente modelo se conoció como "la máquina de rollo de papel", ya que Ritty colocó un rollo de papel de forma horizontal encima y a través de las teclas en el interior de la máquina. La registradora tenía además un perforador que abría huecos en columnas separadas. Cada columna representaba una moneda, de modo que cuando se pulsaba, por ejemplo, la tecla de 1 dólar, se perforaba el rollo de papel en la columna correspondiente. A cada venta realizada, el papel iba avanzando, de modo que al final del día sólo era necesario contar las perforaciones de cada columna para obtener la cifra total de las ventas. Cinco perforaciones en la columna de 1 dólar y una perforación en la columna de los 50 centavos correspondía a una venta total de 5 dólares con 50 centavos.
Cada columna representaba una moneda, de modo que cuando se pulsaba, por ejemplo, la tecla de 1 dólar, se perforaba el rollo de papel en la columna correspondiente.
Este avanzado modelo fue el que llamó la atención del industrial John H. Patterson, quien compró tres de estas máquinas para su tienda de Coalton, Ohio. Aquellas cajas registradoras fueron las primeras que se instalaron en unos centros comerciales, un tipo de establecimientos muy diferentes a las cafeterías que regentaban Ritty y otros propietarios, que también la habían comprado. En poco tiempo, Patterson se convirtió en el pionero de la producción de cajas registradoras y convirtió su nombre en sinónimo de su desarrollo y distribución.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/05/el-industrial-john-h-patterson-quien-se-intereso-muy-pronto-por-el-invento-de-ritty-convirtio-su-nombre-en-un-sinonimo-del-desarrollo-y-distribucion-de-la-caja-registradora_6f310392_372x431.jpg)
El industrial John H. Patterson, quien se interesó muy pronto por el invento de Ritty, convirtió su nombre en un sinónimo del desarrollo y distribución de la caja registradora.
UN ÉXITO DE VENTAS
John H. Patterson decidió comprar tanto la empresa de los hermanos Ritty como la patente de su invento. En 1884 cambió el nombre de la empresa por National Cash Register Company. Patterson logró pasar de las 350 cajas vendidas en 1884 a los dos millones de unidades de 1922. El propio Ritty dijo de él: "Si cualquier otra persona distinta de John H. Patterson se hubiera hecho con el negocio de las cajas registradoras, éste no habría sido un éxito". Patterson perfeccionó el diseño de esta máquina incluyendo un cajón-billetero y añadiendo un rollo de papel que servía para registrar las transacciones y dar al cliente un ticket de compra.En 1906, uno de los empleados de la National Cash Register Company, Charles F. Kettering, diseñó asimismo una caja registradora, pero ésta con un motor eléctrico. Años más tarde, mientras trabajaba General Motors, inventó un motor de arranque (encendido) eléctrico para un Cadillac.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/05/charles-f-kettering-un-empleado-de-la-national-cash-register-company-diseno-asimismo-una-caja-registradora-pero-esta-con-un-motor-electrico_6e15dcb0_500x453.jpg)
Charles F. Kettering, un empleado de la National Cash Register Company, diseñó asimismo una caja registradora, pero ésta con un motor eléctrico.
Tras comprar la empresa de los Ritty, John H. Patterson logró pasar de las 350 cajas vendidas en 1884 a los dos millones de unidades de 1922.
En 1882, Ritty abrió en Dayton otra cafetería a la que llamó Pony House, y encargó la remodelación del local a Barney and Smith Car Company, una empresa especializada en trabajos de ebanistería. El local se construyó de manera que las secciones izquierda y derecha parecieran el interior del vagón de pasajeros de un tren, con espejos gigantes con elementos curvos cubiertos de cuero labrados a mano en la parte superior y secciones con incrustaciones de espejo de bisel curvo en cada lado. Las iniciales JR se colocaron en el medio y el interior de la estancia. El Pony House fue demolido en 1967, pero el bar se salvó y hoy es el bar de Jay's Seafood. Ritty se retiró del negocio de las tabernas en 1895. Murió a causa de problemas cardíacos mientras estaba en su casa. Está sepultado con su esposa Susan y su hermano John en el cementerio Woodland de Dayton.
-
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/07/31-nessie-marmaduke-arundel-wetherell_086100b8_230307003316_1280x720.jpg)
Esta es seguramente la foto más icónica de los supuestos avistamientos del monstruo del Lago Ness, Nessie para los amigos. Aunque el propio fotógrafo reconoció que se trataba de un montaje hecho con un submarino de juguete, otras personas han afirmado a lo largo de las décadas haber visto lo que parecía el cuello de una criatura marina – lo que hoy llamamos plesiosaurio, un reptil marino de la era de los dinosaurios – emergiendo de las aguas del lago escocés.
En 2022, el biólogo marino Michael Sweet lanzó una teoría que hizo correr ríos de tinta (virtual): afirmó que el supuesto cuello de Nessie era, en realidad, el pene de una ballena macho que se había abierto camino hasta el Lago Ness desde el Mar del Norte. La teoría no cayó nada bien especialmente en Escocia, donde Nessie es un gran atractivo turístico: incluso quienes no creen en el monstruo no pueden resistir la tentación de hacer un viaje rápido hacia Inverness, capital de las Highlands.
Al profesor Sweet le llovieron las críticas y se convirtió en el blanco de burlas y "memes". Las reacciones fueron tan airadas que tuvo que matizar su teoría diciendo que era solo un ejemplo, señalando que se refería a los avistamientos de extrañas criaturas acuáticas en general y que había puesto a Nessie como ejemplo conocido.
-
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/21/conquista-de-mexico-tabla-1-manda-cortes-echar-los-naos-a-pique-come-con-embajadores-de-moctezuma-miguel-gonzalez-y-juan-gonzalez_5a2af02d_(1698)_230321103148_1280x1383.jpg)
Cuando el descubridor Cristóbal Colón mostró en Barcelona a los Reyes Católicos su primer cargamento ultramarino, en abril del año 1493, sus consejeros se convencieron de que aquel Nuevo Mundo ignoto contenía oro suficiente para pagar la hazaña de su descubrimiento y ocupación, y abundantes bastimentos para alimentar a las mesnadas conquistadoras. El genovés ofreció un vistoso espectáculo a la corte, poniendo a los pies de los monarcas la cornucopia americana repleta de frutos exóticos y rodeada de indios desnudos y papagayos chillones. No tuvieron ninguna duda los geógrafos castellanos al proclamar que la rica flora y fauna creadas por Dios en aquel mundo aún sin nombre permitirían sustentar con prodigalidad a los españoles, y que también llegarían a Europa para gran beneficio de sus gentes.
Colón encendió en sus coetáneos la codicia del oro tanto como el apetito por los alimentos transatlánticos, a pesar de la rareza de sus gustos y formas. Pero cuando las primeras vanguardias de la conquista hubieron de cruzar montañas peladas y desiertos poblados sólo por reptiles, la imaginada exuberancia alimentaria se convirtió en un espejismo. Las despensas incas y aztecas tampoco se les abrieron con la generosidad prometida, así que la desesperación por encontrar algo que llevar a la boca mató la curiosidad y el gusto culinario.
EL AYUNO DE LOS DESCUBRIDORES
Los hidalgos y gañanes mesetarios, acostumbrados a engullir legumbres y carnes de corral y pocilga, pronto tuvieron que padecer el gusto amargo de la nueva tierra prometida. Las calamidades de la aventura española transoceánica comenzaban en las naves de las expediciones descubridoras. Aquellas largas navegaciones atravesaban mares desmedidos y bordeaban costas desoladas, de modo que a veces la falta de alimento era extrema.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/21/istock-1397567471_47d7f3ac_230321103300_800x1000.jpg)
Santo Domingo de Guzmán, en Oaxaca, México. La pródiga huerta de esta iglesia colonial del siglo XVI fue transformada en jardín botánico.
Así lo refiere el cronista Pigaffeta, que participó en la primera circunvalación de la Tierra, culminada en 1522 y dirigida por Fernando de Magallanes y Juan Sebastián Elcano: «El miércoles 28 de noviembre de 1520 nos desencajonamos de aquel estrecho [de Magallanes], sumiéndonos en el mar Pacífico. Estuvimos tres meses sin probar clase alguna de viandas frescas. Comíamos galleta: ni galleta ya, sino su polvo, con los gusanos a puñados, porque lo mejor habíanselo comido ellos; olía endiabladamente a orines de rata. Y bebíamos agua amarillenta, putrefacta ya de muchos días, completando nuestra alimentación los cellos [aros] de cuero de buey, que en la cofa del palo mayor protegían del roce a las jarcias; pieles más que endurecidas por el sol, la lluvia y el viento. Poniéndolas al remojo del mar cuatro o cinco días y después un poco sobre las brasas, se comían no mal; mejor que el serrín, que tampoco despreciábamos. Las ratas se vendían a medio ducado la pieza».
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/21/cultivo-maiz-codice-florentino-libro-iv-f-72_8a05a4b0_230321104854_800x277.jpg)
Cultivo maiz Códice Florentino libro IV f 72
Cultivo del maíz en una ilustración del Códice Florentino, escrito por Bernardino de Sahagún entre 1545 y 1590. Biblioteca Laurenciana, Florencia.
Esa penuria raramente se presentaba en las flotas atlánticas, que comunicaban la península Ibérica con las Indias, y que en Sevilla se surtían de bizcochos, harina, vino, aceite, tocino, quesos, frutos secos y legumbres que resistían bien la travesía; los animales vivos (vacas y ovejas) proveían la carne necesaria.
A veces, el hambre era la consecuencia de un naufragio. Así le sucedió, por ejemplo, a Pánfilo de Narváez cuando en 1528 concluía de forma dramática su accidentado periplo de conquista por Florida. Zozobró la flota, se pudrieron el bizcocho y el tocino, los españoles desollaron y se comieron los caballos y un puñado de náufragos llegó por milagro cerca de la desembocadura del río Grande. Allí comenzaron su trágica aventura Álvar Núñez Cabeza de Vaca y cinco cristianos hambrientos, esclavos de los indios: recorrieron 4.000 kilómetros a través del desierto mexicano comiendo tunas, alacranes, serpientes y hasta tierra... En otras ocasiones, el ayuno era el compañero inseparable de los conquistadores que se adentraban en territorio desconocido y, con frecuencia, hostil.
LOS SABORES AZTECAS
Durante su campaña contra el Imperio azteca, Hernán Cortés resistió mejor que otros conquistadores las acometidas del hambre, gracias, en no poca medida, al pillaje al que sus hombres se entregaron sin contemplaciones, como refiere Bernal Díaz del Castillo: «Hallamos cuatro casas llenas de maíz y muchos fríjoles, y sobre treinta gallinas y melones de la tierra, que se dicen en estas tierras ayotes». En su avance, los españoles no hicieron ascos a animales cuya vista «es bien asquerosa pues parecen puros lagartos de España»; son las iguanas, con «hechura de sierpes chicas, pero muy buenas de comer».
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/21/bal-4155270_e863a79e_230321103824_800x1154.jpg)
Iguana, grabado de Alfred Edmund Brehm (1829-1884).
Las penurias «de los que andan en trabajo de conquistas» parecieron concluir con la llegada a la capital azteca, en noviembre de 1519. Bernal Díaz da cuenta del banquete ofrecido a Cortés por el virrey azteca en nombre de su emperador Moctezuma. Los españoles asisten, asombrados, a un desfile interminable de suculentos platos: ensaladas diversas, perniles a la ginovisca, pasteles de codornices y palomas, gallos de papada y gallinas rellenas, codornices en escabeche, empanadas de aves, caza y pescado, anadones y ansarones enteros con los picos dorados, cabezas de puercos y de venados... Los fríjoles, el ají, la almendra de cacao, el maíz y cien plantas más del mercado de Tlatelolco, el más grande e importante del Imperio azteca, ya han entrado en la cocina de los conquistadores, a la espera de ser bautizados. Pero el hambre aún acechaba a los soldados de Cortés: cuando fueron expulsados de Tenochtitlán por los aztecas, en junio de 1520, y quedaron desprovistos de todo, tuvieron que comerse las propias monturas, como tantos otros conquistadores.
LOS ALMACENES DEL INCA
La conquista del Imperio Inca por las huestes de Pizarro comenzó igualmente con un ayuno riguroso. En su envite hacia el sur desde Panamá, tuvieron que detenerse en un puerto «que llamaron de la hambre, por la mucha con que en él entraron», a causa de la cual estaban «muy flacos y amarillos», según cuenta Pedro Cieza de León. Pizarro, que «muchos trabajos había pasado en su vida y hambres caninas», animaba a sus compañeros. Y, mientras unos fueron en barco a buscar socorro, con un cuero duro y seco por todo bastimento, los que se quedaron en el lugar comían «palmitos amargos» y «unos bejucos en donde sacaban una fruta como bellota que tenían el olor como el ajo, y con la hambre comían de ellas».
Con la misma determinación de Cortés para dar de comer a su tropa, cruzó Pizarro los Andes para tomar la fortaleza inca de Cuzco y apropiarse de su oro y su despensa. En aquella travesía épica, resolvió las penurias comiendo la carne congelada de los caballos que sus vanguardias exhaustas habían dejado en los glaciares de la cordillera. Los castellanos culminaron esa jornada andina con víveres bien simples, según Cieza de León: maíz, vino, vinagre y hierbas. Llegados a Copayayo, acabó aquel infierno, porque sus moradores «salieron con corderos, ovejas, y unas raíces...» (o sea, vicuñas, guanacos y patatas).
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/21/stirrup-spout-bottle-with-coca-chewer-met-64-228-40_24055f2f_230321103635_800x1200.jpg)
Stirrup Spout Bottle with Coca Chewer MET 64 228 40
Los españoles aborrecieron el consumo de la coca, cuyo jugo permitía a los indígenas realizar pesados trabajos en las alturas andinas. Sin embargo, aprovecharon cumplidamente su comercio. Cieza de León explicaba que «algunos están en España ricos con lo que hubieron de valor de esta coca, mercándola y tornándola a vender y rescatándola en los tiangues o mercados a los indios». Mascador de coca, cerámica inca, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Los españoles que asaltaron los tambos (almacenes) y depósitos de alimentos del emperador inca descubrieron las numerosas variedades de maíz y patata. Ya en Cuzco, ofrecieron a Pizarro las primicias a las que sólo aquel soberano tenía derecho: capya utcosara (maíz blanco muy tierno), carne asada de llama blanca y patata roja temprana, además de «cestillos de fruta, patos mal asados en su pluma y tres cuartos de oveja tan asada que no tenía virtud», se lamentaba el cronista Poma de Ayala.
Sólo el hambre, en fin, fue capaz de vencer el asco y obligó a los conquistadores del Nuevo Mundo a engullir desde raíces hasta extraños animales: «culebras monstruosas, monas grandísimas, gaticos pintados...». Así, mientras aguardaban a que de España llegasen las familiares y sabrosas viandas ibéricas, se adaptaron a la cocina indígena.
-
El juego, mucho más que un pasatiempo para los romanos
Suntuosos palacios o tabernas de mala muerte acogían las partidas de dados con las que los antiguos romanos se divertían y en las que se apostaban enormes sumas.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/22/pintura-mural-que-representa-a-dos-hombres-jugando-a-los-dados-taberna-caupona-de-salvio-en-pompeya_e4481f45_230322160120_1280x853.jpg)
Pintura mural que representa a dos hombres jugando a los dados. Taberna (caupona) de Salvio, en Pompeya.
La ley los perseguía, los moralistas los condenaban, muchos los consideraban un síntoma de decadencia; sin embargo, los juegos de azar despertaban auténtica pasión entre los romanos de todas las clases, que en sus casas o en el equivalente de nuestros casinos no dudaban en derrochar auténticas fortunas haciendo apuestas a los dados.
Así lo decía Juvenal: "¿Cuándo los juegos de azar agitaron más los ánimos? Pues no se acude ya a la mesa de juego con una simple bolsa: se apuesta con el arca al lado. ¡Qué grandes batallas verás allí! El que suministra las armas es el cajero. ¿No es una locura perder cien mil sestercios y no dar una simple túnica a un esclavo que se muere de frío?".
JUGANDO A LAS TABAS
En Roma había múltiples juegos de azar. Uno era el llamado "par e impar"; consistía en que los jugadores escondían en el puño huesecillos, piedrecitas o nueces y luego debían adivinar si el oponente tenía un número par o impar, mientras los espectadores podían hacer apuestas sobre la cantidad de piezas que guardaban. Un juego parecido era el llamado "cabezas o naves" (capita aut navia), equivalente de nuestro "cara o cruz", que consistía en lanzar al aire un as de bronce. Sin embargo, los que despertaban más interés eran los juegos de las tabas y, por supuesto, los dados.
Las tabas son pequeños huesos del pie (astrágalos), de forma rectangular. Los cuatro lados largos, los únicos sobre los que la taba podía caer puesto que los extremos eran romos, tenían formas diferentes (cóncavo, convexo, llano y dentado). Los huesos solían ser de oveja o de cabra, aunque también podían ser imitaciones en marfil, bronce o piedra. El juego consistía en lanzar cuatro tabas al aire y apostar sobre las caras sobre las que caerían. Los jugadores convenían antes de la partida cuál sería el criterio para determinar el vencedor: sacar el número más alto o más bajo, u otro.
Los huesos solían ser de oveja o de cabra, aunque también podían ser imitaciones en marfil, bronce o piedra.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/22/nina-jugando-a-las-tabas-estatua-romana-150-dc-museo-britanico-londres_0d85f8f2_230322154954_800x809.jpg)
Niña jugando a las tabas. Estatua romana. 150 d.C. Museo Británico, Londres.
Generalmente, la tirada más baja era la llamada "el buitre", cuando todas las tabas caían sobre la misma cara; la más alta, llamada "Venus", se producía cuando todas las caras eran diferentes. Las trampas eran tan habituales que se hizo obligatorio el uso de cubiletes (fritilus). Como decía el poeta Marcial: "La mano tramposa que sabe tirar las tabas amañadas, si las tira por medio de mí [el cubilete] no sacará nada más que deseos".
LOS PELIGROSOS DADOS
Pero de todos los juegos, quizás el más popular era el de los dados. Éstos, llamados en latín tesserae, eran de metal, hueso o marfil, y como hoy cada lado estaba marcado con puntos, del uno al seis. Por norma se tiraban dos o tres dados, sirviéndose también de un cubilete. Estas piezas eran muy apreciadas, como muestra una inscripción hallada en el cementerio de San Ciriaco en Roma en la que se rinde honor a Lucio Vitorino, un artesano (artifex) especializado en la fabricación de piezas de juegos, como dados y cubiletes. La mejor tirada eran tres seises y la peor tres unos. Una variante era la micatio, un juego que enfrentaba a dos jugadores que debían adivinar el número total de dados mostrados por ambos a la vez.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/22/conjunto-de-dados-museo-nacional-etrusco-de-villa-giulia-roma_0c855918_230322153730_800x608.jpg)
Conjunto de dados. Museo Nacional Etrusco de Villa Giulia, Roma.
Seguramente los dados también se utilizaban en algunos juegos de mesa muy populares. Uno de ellos era el llamado "juego de las doce líneas", similar al backgammon, en el que las fichas se movían conforme al lanzamiento de los dados o las tabas, con lo que también era considerado un juego de azar. Otro, denominado "juego de los ladronzuelos" o "de los soldados", consistía al parecer en intentar bloquear o rodear las fichas del adversario de un modo similar a nuestro juego de damas; una tirada de dados permitía al jugador mover su ficha.
El llamado "juego de las doce líneas" era similar al backgammon. En él las fichas se movían conforme al lanzamiento de los dados o las tabas.
Los mejores jugadores disfrutaban de reconocimiento, como es el caso de un tal Cayo Afranio, funcionario público en la ciudad de Auch (sur de Francia), en cuyo epitafio se dice con orgullo que era un jugador de latrunculi. Las fichas, llamadas redondeles, normalmente se hacían de hueso y tenían marcas numéricas en un lado. Las más comunes eran por, V y I, aunque algunas estaban marcadas con los números II, III, VIII, IX u otros por encima del 18.
LO QUE ORDENA LA LEY
En principio, en la antigua Roma las apuestas en juegos de azar estaban prohibidas. Sólo se permitían durante las fiestas Saturnales, que se celebraban a finales de diciembre, y las que realizaban quienes acudían a algunos espectáculos públicos como las carreras de cuadrigas, el salto de pértiga, el lanzamiento de jabalina, el salto libre y la lucha entre gladiadores. De la vigilancia estaban encargados los ediles, que podían imponer multas a los jugadores.
También podía haber denuncias de particulares, a través de la denominada actio de aleatoribus, ley por la cual quienes hubiesen ganado dinero en un juego prohibido serían condenados a pagar cuatro veces la suma percibida. El castigo, sin embargo, podía llegar a la prisión e incluso a la condena a trabajos forzados en las canteras. De este modo, para los romanos biempensantes, el jugador, aleator, era alguien turbio y peligroso. El orador y filósofo Cicerón equiparaba a los jugadores con otras personas de baja condición como los comediantes, los alcahuetes, los ladrones y los adúlteros.
Para los romanos biempensantes, el jugador, aleator, era alguien turbio y peligroso.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/22/recreacion-del-latrencolli-juego-de-estrategia-romano_ea9b185b_230322154336_800x533.jpg)
Recreación moderna del latrunculi, juego de estrategia romano.
iStock
Lo cierto es que el juego se desarrollaba a veces en un ambiente de semiclandestinidad. Los dueños de posadas y tabernas de las ciudades escondían a menudo en sus trastiendas casas de juego clandestinas. El juego se asociaba, así, con la bebida y con la prostitución, aunque las tabernas tenían ventajas respecto a los lupanares, ya que éstos debían permanecer cerrados hasta la hora novena (las tres de la tarde), mientras que posadas y tabernas estaban abiertas desde la mañana a la noche, lo cual permitía a los jugadores acudir a estos lugares a cualquier hora.
EL GUSTO IMPERIAL POR EL JUEGO
Las leyes contra el juego tuvieron, sin embargo, una efectividad limitada y la élite romana se aficionó enormemente a las apuestas. La mejor prueba de ello se encuentra en los propios emperadores. De Augusto cuenta el historiador Suetonio que "jugó siempre sin recato, considerándolo un solaz, sobre todo en la vejez; jugaba, por esto, tanto en diciembre [el mes de las Saturnales] como en cualquier otro mes, fuese o no día festivo".
A su hijo adoptivo y futuro emperador, Tiberio, le escribió en una ocasión: "Mi querido Tiberio: hemos pasado agradablemente las fiestas de Minerva, habiendo jugado sin descanso todos los días. Tu hermano se quejaba; pero, a fin de cuentas, sus pérdidas no han sido graves, y al fin cambió la suerte y se repuso de sus desastres. En cuanto a mí he perdido 20.000 sestercios, por culpa de mis liberalidades ordinarias, porque si hubiese querido hacerme pagar los golpes malos de mis adversarios o no dar nada a los que perdían, habría ganado más de cincuenta mil".
"Hemos pasado agradablemente las fiestas de Minerva, habiendo jugado sin descanso todos los días", escribió Augusto a Tiberio.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/22/busto-del-emperador-tiberio-museo-saint-raimond-toulouse_1c5336af_230322153937_800x1187.jpg)
Busto del emperador Tiberio. Museo Saint Raymond, Toulouse.
Asimismo, Suetonio dice de Nerón que apostaba siempre cantidades elevadísimas, unos 400.000 sestercios en cada tirada de dados, mientras que el emperador Claudio "fue muy aficionado al juego, escribiendo incluso un libro sobre este arte; jugaba hasta de viaje, pues había hecho construir los carruajes y mesas de madera de tal manera que el movimiento no pudiese interrumpir el juego". Sin llegar a estos extremos, muchos particulares se entregaron con fruición al juego, algunos con fortuna –como cierto ciudadano de Pompeya que ganó en la ciudad de Nuceria, en la provincia de Perugia, la ingente cantidad de 3.422 sestercios, el equivalente a cuatro años de salario de un legionario– y otros hasta arruinarse completamente.
-
Jesse James, el legendario bandolero que acabó asesinado
El 3 de abril de 1882, Jesse James, uno de los forajidos más buscados de Estados Unidos, fue asesinado por la espalda por un miembro de su banda para cobrar la recompensa. A partir de ese momento se convertiría en un mito de la historia norteamericana.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2019/04/01/boceto-del-forajido-jesse-james-quien-fue-asesinado-el-3-de-abril-de-1882_e41c59fb_1584x1984.jpg)
Boceto del forajido Jesse James, quien fue asesinado el 3 de abril de 1882
El forajido Robert Ford ponía fin a la vida de Jesse James el 3 de abril de 1882. El bandolero fue abatido en su propia casa, por la espalda. Moría de esta forma un delincuente y nacía una leyenda.
La sangrienta guerra de Secesión tuvo una gran influencia en la vida de Jesse James. El condado de Clay, en Missouri, donde nació, se convirtió en un paso fronterizo entre el Norte y el Sur y allí se libraron combates muy violentos. Jesse y su hermano Frank se unieron a la guerrilla sudista de William C. Quantril,fundador de los Quantrill's Raiders, para luchar a favor del ejercito confederado. La contienda devastó Missouri y al final los James se rindieron a los soldados de la Unión, pero los términos de la rendición no fueron respetados, así que, para sobrevivir, los hermanos acabaron uniéndose a la banda de los Younger, un grupo de forajidos que pronto adquirió notoriedad por la audacia de sus robos y asaltos a trenes.
El su lápida puede leerse: "En memoria de mi hijo amado, asesinado por un traidor y un cobarde cuyo nombre no merece figurar aquí"
LA CREACIÓN DE UN FORAJIDO DE LEYENDA
El acontecimiento que marcó un punto de inflexión en la vida de Jesse James se produjo en 1875, cuando miembros de la Agencia de detectives Pinkerton, muy probablemente contratados por el Gobierno o quizás por los Robber Barons –un poderoso grupo de empresarios que dominaron la industria norteamericana en el último tercio del siglo XIX– decidieron acabar con ellos debido al peligro que representaban para sus intereses económicos. Así, la noche del 25 de junio de ese mismo año, lanzaron una bomba contra su casa. Jesse y su hermano Frank no se encontraban allí ese día, pero no así su madre –que perdió un brazo a consecuencia de la explosión– y su medio hermano Archie, de 8 años, que murió en el atentado. Este hecho desató una oleada de indignación entre la población, puesto que los James eran muy querido por actuar a menudo en favor de los más desfavorecidos.
El 25 de junio de 1875, una bomba lanzada contra la casa de Jesse James hirió gravemente a su madre y mató a su hermanastro
Los James sufrirían otro fatal revés un año más tarde. Tras dar un golpe en el pueblo de Northfield, las cosas se torcieron para los forajidos, que fueron repelidos a tiros por los habitantes. Sólo Jesse y Frank salieron con vida; el resto de la banda resultó muerta o detenida. Pero los James no se dieron por vencidos y formaron un nuevo grupo de delincuentes; por entonces, el gobernador de Missouri ya había puesto precio a sus cabezas: 10.000 dólares.
EL ASESINATO DE JAMES
Fue entonces cuando Robert Ford, uno de los miembros de la cuadrilla, que aspiraba a dirigirla en lugar de Jesse, pensó que era su oportunidad. Con la excusa de planificar un nuevo golpe con Jesse, acudió a su casa con la intención de matarlo y, aprovechando un momento en que este se encontraba desarmado –algunas fuentes dicen que estaba colgando un cuadro–, le disparó por la espalda, huyendo junto con su hermano Charlie. Pero sus planes acabarían fracasando, puesto que de la recompensa prometida sólo cobraron 500 dólares cada uno.
En la actualidad, la casa donde fue asesinado Jesse James aún se conserva y los curiosos pueden ver el agujero de la bala que acabó con su vida. Su cuerpo descansa en el cementerio de Mount Olivet, Kearney (Missouri), y en la lápida encargada por su madre puede leerse: "En memoria de mi hijo amado, asesinado por un traidor y un cobarde cuyo nombre no merece figurar aquí".
-
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2016/04/04/alfonso-xel-sabio-rey-de-castilla-y-leon-1221-1284_cfaccd31.jpg)
Alfonso DIEZ El Sabio: El mayor cronista de la españa medieval
En la segunda mitad del siglo XIII el rey de Castilla promovió la elaboración de dos grandes crónicas: una de España y otra universal.
Monarquía
Alfonso diez " El Sabio". Rey de Castilla y León. 1221-1284
En la imagen podemos apreciar el óleo del pintor Matias Moreno que se encuentra expuesto en el Palacio del Senado titulado "Alfonso por tomando posesión del mar". En la obra se representa el momento en que, tras la conquista de Cádiz, arrebatada a los moros, Don Alfonso diez tomó posesión del mar para abrir el camino que habría de llevar a los cristianos hasta África.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2016/04/04/catedral-de-leon_6f96aa39.jpg)
Catedral de León
La catedral de León fue construida en buena parte bajo el reinado de Alfonso diez de Castilla. Se cree que algunas vidrieras evocan el proyecto imperial del Rey Sabio.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2016/04/04/alfonso-xel-sabio-rey-de-castilla-y-leon-1221-1284_b27eb663.jpg)
Alfonso diez " El Sabio". Rey de Castilla y León. 1221-1284
Alfonso por dictando una de sus obras. Detalle de una miniatura de "Las cantigas de Santa María". Siglo XIII. Biblioteca de El Escorial.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2016/04/04/codices-de-astrologia_0aa7901e.jpg)
Códices de Astrología
Ilustradas por un astrolabio, en la imagen podemos apreciar unas páginas del "Libro del saber de Astrología" perteneciente a Scriptorum Regio de Alfonso diez "El Sabio". Año 1296, Universidad Complutense, Madrid.
alfonso diez el Sabio reinó en Castilla y León entre 1252 y 1284. Falto del carisma de su padre, Fernando III, hubo de enfrentarse de lleno a la crisis económica que se abatió sobre Europa desde mediados del siglo XIII y a la rebelión de la nobleza. Acorralado por sus enemigos, el monarca se refugió en la cultura: la poesía, el derecho y también la historia. Su labor en este último campo dio como resultado una biografía de Alejandro Magno y sobre todo dos grandes obras históricas: la General Estoria y la Estoria de España.
La pretensión del Rey Sabio al poner en marcha esta empresa era doble: por un lado, justificar sus derechos al trono imperial de Alemania; y por otro lado, documentar históricamente la preeminencia de la monarquía sobre la nobleza. Objetivos en los que fracasó, pues en 1274 fue designado emperador Rodolfo de Habsburgo y la nobleza acabó imponiéndose a la monarquía en los últimos años de su reinado. La obra histórica de Alfonso por se inserta en una vieja tradición historiográfica en Castilla y León.
Durante la Edad Media se habían compuesto crónicas en latín, escritas por clérigos próximos a la corte –como Lucas deTuy o Ximénez de Rada–, en las que se trataba de justificar el derecho histórico de sus reyes a ocupar las tierras musulmanas de la península Ibérica. La gran novedad de las dos crónicas de Alfonso por fue que su versión original se escribió en lengua vulgar, el castellano.
UNA OBRA COLECTIVA
Para redactar sus dos historias, Alfonso diez eligió personalmente a sus colaboradores, quienes durante varios años, entre 1252 y 1269, recopilaron material, lo ordenaron y tradujeron textos del latín y del árabe. El rey se reconoce como autor de la obra, aunque aclara en la introducción a la General Estoria que no la escribió de su puño y letra, sino que se limitó a dar las directrices del trabajo y corregirlo: «Así como decimos muchas veces, el rey hace un libro, no por que él escriba con sus manos, mas porque compone sus razones y las enmienda y guía y endereza, y muestra la manera de cómo se deben hacer, y de sí escribe las que él manda».
La Estoria de España (o Primera Crónica General) consta de dos partes. La primera, de 565 capítulos, comienza con el Génesis y llega hasta la rebelión de Pelayo contra los musulmanes en Asturias, en 717. Se escribió entre 1270 y 1280. La segunda parte comprende el período que va de Pelayo a Fernando III, y se redactó durante el reinado del hijo y sucesor de Alfonso, Sancho IV. Se hicieron dos versiones: una oficial o culta, en latín, y otra popular, en castellano. Como fuentes se utilizaron la Biblia, las crónicas castellanas de la primera mitad del siglo XIII, los romances populares, los clásicos latinos, las leyendas eclesiásticas y las crónicas árabes. La obra presentaba el reino de Castilla y León como el eje de la historia de España. Tuvo gran difusión, a través de numerosas copias y resúmenes, y fue el ejemplo que siguieron las crónicas castellanas de los siglos XIV y XV.
La General Estoriaes una historia universal estructurada en seis edades (división usual desde san Agustín y san Isidoro), de las que no se completaron la quinta y la sexta. Su método de composición se expone al principio de la obra: «Yo, don Alfonso, por la gracia de Dios rey de Castilla, de Toledo, de León, etc., después que hube hecho reunir muchos escritos y muchas historias de los hechos antiguos, escogí de ellos los más verdaderos y los mejores que supe; e hice después hacer este libro, y mandé poner todos los hechos señalados también de la historia de la Biblia, como de las otras grandes cosas que acaecieron por el mundo desde que fue comenzado hasta nuestro tiempo». La crónica empieza, pues, con la creación del mundo según la Biblia y acaba poco antes del nacimiento de Cristo, uniendo la historia propiamente dicha con relatos legendarios y mitológicos.
UNA JUSTIFICACIÓN DE LA RECONQUISTA
El Rey Alfonso diez, en su Estoria de España, procuró justificar el derecho de los reyes de Castilla y León a reconquistar los territorios de al-Andalus.Por ello presenta a los españoles– identificados con los cristianos castellanos– como descendientes de Tubal, quinto hijo de Jafet y nieto del patriarca Noé; fueron ellos los primeros pobladores de la Península, a la que entraron por los Pirineos y a la que dieron el nombre de Hesperia, por la estrella Espero. Así se enlazaba la historia de España con los tiempos bíblicos.
Los musulmanes de al-Andalus, en cambio, eran invasores extranjeros, y Alfonso describe su ocupación como cruenta y feroz, desde la batalla de Guadalete: «Pues que la batalla fue acabada desventuradamente y fueron todos muertos, los unos y los otros, pues en verdad no faltaba en la tierra quien a la batalla no acudiese, de un cabo al otro, en ayuda del rey Rodrigo… quedó toda la tierra vacía del pueblo, llena de sangre, bañada de lágrimas, cumplida de apellidos, huésped de los extraños, enajenada de los vecinos, desamparada de los moradores, viuda y desolada de sus hijos, confundida de los bárbaros, disminuida por la llaga, fallida de fortaleza, flaca de fuerza, menguada de conocimiento y desolada del solar de los suyos».
-
Bodas Reales en la edad moderna: El amor al servicio de la política
Durante la Edad Moderna, los matrimonios reales se negociaban sin tener en cuenta las preferencias personales de los novios. Así, aunque algunos resultaban exitosos, otros eran una auténtica tortura para uno o ambos miembros de la real pareja.
Edad Moderna
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/22/boda-de-luis-xiv-de-francia-y-la-infanta-maria-teresa-en-san-juan-de-luz-jacques-laumosnier-1660-museo-de-tesse-le-mans_2c40dabf_230322164451_1280x867.jpg)
Boda de Luis XIV de Francia y la infanta María Teresa en San Juan de Luz. Jacques Laumosnier, 1660. Museo de Tessé, Le Mans.
En la época que va del Renacimiento al siglo XVIII, los príncipes y reyes de Europa no se casaban como la gente común. En ese período, más incluso que en otros anteriores, lo que determinaba un enlace matrimonial en una casa real eran los imperativos políticos. La atracción mutua e incluso el consentimiento de las partes eran ignorados, y los jóvenes casaderos de ambos sexos eran simples peones en las alianzas que las diversas monarquías europeas establecían entre sí.
Los enlaces se negociaban a menudo desde una edad muy temprana, y a los futuros esposos se les preparaba desde niños para su destino de mayores. No era insólito que las princesas viviesen desde niñas en la corte a la que estaban destinadas, a fin de que conocieran las costumbres y la lengua del país.
MADRES ADOLESCENTES
De hecho, a la escocesa María Estuardo la trasladaron a Francia en 1548, con tan solo 6 años de edad, para que fuese educada por sus futuros suegros Enrique II y Catalina de Médicis. Del mismo modo, los matrimonios a veces se precipitaban e ignoraban las diferencias de edad. En 1515, el emperador Maximiliano I acordó el enlace de Ana Jagellón, que contaba 12 primaveras, con cualquiera de sus dos nietos, Carlos y Fernando, con la condición añadida de que si al cabo de un año se rompía el compromiso con los dos archiduques, Ana se casaría con el propio Maximiliano, de 56 años.
El casamiento precoz de adolescentes de entre 12 y 15 años, que en las familias plebeyas constituía un hecho excepcional, se convirtió en una costumbre en las casas reales y ducales de Europa. Ello hacía que las princesas quedaran expuestas a tener hijos a edad muy temprana, en una época en que los partos entrañaban mucho peligro. Claudia de Francia, esposa de Francisco I de Francia, dio a luz a siete hijos, el primero a los 15 años y el último, que le costó la vida, a los 24. Se ha calculado que la mitad de las soberanas europeas casadas cuando tenían menos de 16 años fallecieron antes de los treinta.
Claudia de Francia, esposa de Francisco I de Francia, dio a luz a siete hijos, el primero a los 15 años y el último, que le costó la vida, a los 24.
A la hora de casarse, los príncipes eran un juguete en manos de sus padres y las parejas se prometían sin conocerse. Sin embargo, no todo se hacía "a ciegas". Los diplomáticos, al negociar los enlaces, no olvidaban informar sobre las cualidades físicas de novios y novias. También existían los retratos.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/23/retrato-de-boda-de-fernando-e-isabel-los-reyes-catolicos-siglo-xv-convento-de-las-agustinas-madrigal-de-las-altas-torres-avila_92e3d813_230323131532_800x440.jpg)
Retrato de boda de Fernando e Isabel, los Reyes Católicos. Siglo XV. Convento de las Agustinas, Madrigal de las Altas Torres (Ávila).
Isabel la Católica, por ejemplo, al principio de las negociaciones para su matrimonio con Fernando de Aragón, recibió del enviado de este un medallón con un retrato suyo en miniatura, lo que, sin duda, la predispuso en favor del apuesto príncipe aragonés, de la misma edad que ella (ambos rondaban los 18 años), en vez de su otro pretendiente, el rey de Portugal, veinte años mayor. En cambio, los retratos de Carlos II no podían disimular sus malformaciones y sus dos esposas, la francesa María Luisa de Orleans y la alemana Mariana de Neoburgo, hubieron de vencer una evidente repugnancia por el partido que su familia les había negociado.
EL PRIMER ENCUENTRO
Los enlaces reales estaban rodeados de interminables formalidades legales. Los representantes de los consortes negociaban los capítulos matrimoniales en los que se fijaba la dote, los privilegios de que gozaría la reina en su nuevo país, los derechos dinásticos a los que a menudo debía renunciar... Una vez resuelto esto, tenía lugar la boda.
Como lo normal era que los novios fueran de países diferentes, la realeza recurrió de forma sistemática a un matrimonio "preliminar" que no exigía la presencia de ambos contrayentes: la boda por procuración o por poderes. El novio enviaba al país de la novia a un príncipe o gran noble que actuaba en su lugar, tanto en la ceremonia eclesiástica como, a continuación, en la alcoba, donde deslizaba una pierna o un brazo en el lecho nupcial como símbolo de que el matrimonio se había consumado.
El novio enviaba al país de la novia a un príncipe o gran noble que actuaba en su lugar.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/23/matrimonio-por-poderes-entre-enrique-iv-de-francia-y-maria-de-medicis-rubens-1622-1625-museo-del-louvre-paris_509a1843_230323132251_800x1062.jpg)
Matrimonio por poderes entre Enrique IV de Francia y María de Médicis. Rubens, 1622-1625. Museo del Louvre, París.
A continuación, la princesa, considerándose legalmente casada, emprendía el viaje a su nuevo reino con gran aparato, acompañada por un enorme séquito de damas y nobles ricamente ataviados. En la frontera se procedía a la protocolaria ceremonia de entrega y luego era acompañada por un lucido cortejo hasta su encuentro con el rey.
UNA ENTREVISTA "SECRETA"
Antes de la boda propiamente dicha se permitía que los novios se vieran por primera vez. Era un momento que propiciaba la galantería y el romanticismo, incluso la pasión. Juana la Loca, al llegar a Flandes para casarse con Felipe el Hermoso, se entrevistó en "secreto" con su prometido. Felipe, al saludar a su prometida, que iba cubierta con un velo, le dijo: "No he visto nunca manos más bellas que las vuestras, mademoiselle". Sin poder esperar más, los dos jóvenes (ella tenía 16 años y él 18) llamaron a un sacerdote para que los casara y se embarcaron en un "viaje de novios" por Brabante antes de la ceremonia oficial, que tuvo lugar dos días después.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/22/felipe-de-flandes-y-juana-de-castilla-diptico-del-maestro-de-affligem-1500-museos-reales-de-bellas-artes-de-belgica_3bd4d8ad_230322165343_800x1058.jpg)
Felipe de Flandes y Juana de Castilla. Díptico del Maestro de Affligem, 1500. Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica.
La ceremonia de la boda regia constaba de varias fases. El primer acto consistía en la lectura y firma de las capitulaciones matrimoniales. A continuación se procedía al desposorio, mediante el que las partes otorgaban solemnemente su consentimiento al matrimonio. Tenía, por así decirlo, fuerza de contrato social y tras su celebración se podía hacer vida marital. Después (y podían pasar horas o días) se efectuaban las "velaciones", así denominadas porque los cónyuges iban cubiertos con un velo durante la ceremonia eclesiástica que santificaba la unión conforme a las leyes del derecho canónico.
Tras la firma de las capitulaciones matrimoniales Se procedía al desposorio, por el que las partes otorgaban solemnemente su consentimiento al matrimonio.
Como el fin último del matrimonio era la procreación, el ritual civil y sagrado antes descrito no era válido hasta que no se produjese el primer trato carnal. A veces, para tener la garantía de que la consumación se realizaba, el débito conyugal se llevaba a cabo ante testigos. Fue el caso de los futuros Reyes Católicos, cuya noche de bodas discurrió ante ojos escrutadores, como contaba un cronista: "Esa noche fue consumpto entre los novios el matrimonio, donde se mostró cumplido testimonio de su virginidad e nobleza en presencia de jueces e regidores e caballeros, según pertenecía a reyes".
PAREJAS BIEN AVENIDAS
Nada garantizaba que en estos matrimonios de conveniencia no hubiera incompatibilidad de caracteres o falta de atracción mutua. Luis XIV, por ejemplo, mostró enseguida una visible indiferencia por su esposa española, la poco agraciada María Teresa de Austria, para pasar de brazos de una amante a otra.
Aun así, a veces podía surgir la "chispa". El enlace de Carlos V con Isabel de Portugal, resultado de urgencias económicas y de intereses políticos, devino en un amor conyugal idílico. Los hijos del emperador habidos fuera del matrimonio pertenecen a su época de soltero o son posteriores a su viudez. Para mantenerse fiel a la emperatriz y resistir las tentaciones que le asaltaban durante sus numerosos viajes, Carlos V solía mortificarse con disciplinas.
El enlace de Carlos V con Isabel de Portugal devino en un amor conyugal idílico.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/23/retrato-del-emperador-carlos-v-y-su-esposa-isabel-de-portugal-copia-de-rubens-de-una-obra-de-tiziano-palacio-de-liria-madrid_5bf80c47_230323131837_800x567.jpg)
Retrato del emperador Carlos V y su esposa Isabel de Portugal. Copia de Rubens de una obra de Tiziano. Palacio de Liria, Madrid.
Otro ejemplo, en el siglo XVIII, fue el de Fernando VI y Bárbara de Braganza. Los diplomáticos decían que la princesa portuguesa era "extremadamente fea" y que a Fernando lo habían engañado enviándole retratos demasiado favorecedores; pero su elegancia, su cultura y su delicadeza personal le ganaron enteramente el afecto de su esposo y de sus súbditos.
-
El Cid, un mercenario convertido en leyenda
El 10 de julio de 1099 murió Rodrigo Díaz de Vivar, conocido como el Cid Campeador, un caballero que dedicó su vida a la guerra y que tras su muerte se convirtió en leyenda.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2019/07/08/el-cid-campeador-lider-militar_84c73f04_1280x1072.jpg)
"In Hispania apud Valentiam Rodericus comes defunctus est de quo maximus luctus christianis fuit et gaudium inimicis paganis". Así recogía el Cronicón Malleacense la muerte del Cid Campeador el 10 de junio de 1099, cuando, según cuenta la leyenda, en lo alto de las almenas que defendían la ciudad de Valencia fue atravesado por una flecha perdida (aunque lo más probable es que muriera por causas naturales).
Pese a su leyenda posterior como héroe nacional o cruzado en favor de la Reconquista, Rodrigo Díaz de Vivar se puso a lo largo de su vida a las órdenes de diferentes caudillos, tanto cristianos como musulmanes. En realidad, luchó en su propio beneficio, convirtiéndose en lo que algunos autores definen como un mercenario, un soldado profesional que presta sus servicios a cambio de una paga, más que un combatiente que lucha por unos ideales. Con todo, su vida inspiró el más importante cantar de gesta de la literatura española: El Cantar de mío Cid.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/12/01/el-cantar-del-mio-cid_5ab2f278_800x533.jpg)
Una historia épica
Su vida y su historia inspiró el más importante cantar de gesta de la literatura española: El Cantar de mío Cid. El códex original de esta obra se encuentra en la Biblioteca Nacional de Madrid.
Rodrigo Díaz de Vivar luchó en su propio beneficio a las órdenes de distintos caudillos. Con todo, su vida inspiró un famoso cantar de gesta: El Cantar de mío Cid
UN VALIENTE CABALLERO
Tras un combate singular para dirimir el domino de unos castillos fronterizos que se disputaban los monarcas de Castilla y Navarra, Rodrigo Díaz de Vivar venció al caballero navarro Jimeno Garcés, lo que aumentó el prestigio que ya tenía como alférez real en la corte del rey Sancho II.
Tras la muerte de Sancho II en el sitio de Zamora, su hermano Alfonso VI se convirtió en rey y a pesar del resentimiento que tenía hacia Rodrigo Díaz tras las batallas de Llantada (1068) y Golpejera (1072), en las que el nuevo monarca se vio obligado a refugiarse en la corte musulmana, lo honró concediéndole la mano de la dama Jimena, al parecer hija del Conde Diego Fernández y pariente del propio monarca.
A pesar de su resentimiento hacia Rodrigo, Alfonso VI lo honró concediéndole la mano de su pariente Jimena
Las maneras del Cid
Uno de los episodios más recordados de este personaje ocurrió tras un ataque musulmán a la fortaleza de Gormaz (Soria). Cuando la noticia llego a oídos de Rodrigo Díaz, sin esperar órdenes del rey, reunió a su ejército y penetró en el reino toledano en busca de los culpables. Aún así, esta acción unilateral interfirió en los planes del rey Alfonso, que decidió desterrar al Cid.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/12/01/el-cid-campeador-ejecucion_3bc9cb4d_800x1167.jpg)
En el año 1081, cuando el rey Alfonso de León se encontraba batallando por tierras toledanas sin la ayuda de Rodrigo, los musulmanes atacaron por sorpresa Gormaz (Soria) y obtuvieron una importante victoria, logrando un cuantioso botín. Cuando la noticia llego a oídos de Rodrigo Díaz, sin esperar órdenes del rey, reunió a su ejército y penetró en el reino toledano en busca de los culpables. La actuación de Rodrigo en Toledo, ciudad de la que retornó trayendo consigo hasta 7.000 cautivos entre hombres y mujeres, interfirió en los planes que tenía el rey Alfonso para anexionar este territorio sin necesidad de la violencia. A modo de castigo, el monarca desterró al caballero, pero esto no conllevó la pérdida de sus bienes personales.
DOS VECES EXILIADO
Tras ser rechazados los servicios de Rodrigo Díaz por los condes de Barcelona, Ramón Berenguer II y Berenguer Ramón II, el de Vivar decidió ayudar a al-Muqtadir, rey de Zaragoza, en la lucha que mantenía con su hermano al-Mundir, rey de Lérida, Tortosa y Denia, y que contaba con el apoyo de los condes de Barcelona y del monarca Sancho Ramírez de Aragón. Rodrigo Díaz derrotó a Berenguer Ramon II en Almenar en 1082 y cerca de Morella a al-Mundir y al monarca aragonés en 1084. Fue en este período cuando recibió el sobrenombre de el "Cid", derivado del vocablo árabe sid, que significa "señor".
Fue durante su primer exilio y tras derrotar a Berenguer Ramon II y a al-Mundir, cuando Rodrigo recibió el sobrenombre de el "Cid"
En 1086, un hecho trascendental cambiaría la historia de la península Ibérica. Un gran ejército almorávide, procedente del Sahara, atravesó el estrecho de Gibraltar. Profesaban una interpretación rigorista del islam y estaban dispuestos a imponerla a sangre y fuego. En noviembre de 1088, Alfonso VI solicitó ayuda al Cid para atacar a los almorávides que sitiaban la fortaleza de Aledo en Murcia. El encuentro entre las tropas de Alfonso y del Cid debía producirse en la zona alicantina de Villena, pero ambos ejércitos, por causas desconocidas, no llegaron a encontrarse.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/12/01/el-cid-campeador_5220dbdc_800x1166.jpg)
Un auténtico mercenario
A Rodrigo Díaz de Vivar se le recuerda como un héroe nacional por haber participado de forma determinante en la llamada Reconquista de la Península ibérica. Sin embargo, en realidad fue un verdadero mercenario, pues a lo largo de su vida luchó por sus propios intereses, a veces en el bando cristiano y otras en el musulmán.
El Cid montó su campamento en Elche y allí supo que el rey Alfonso, furioso por no haber recibido la ayuda solicitada, lo había declarado traidor. Esta era la máxima deshonra para un caballero, cuyas consecuencias eran terribles: la pérdida de todos sus bienes y el destierro. A partir de este momento, el Cid, convertido en un caudillo independiente, siguió actuando en Levante guiado por sus propios intereses. En 1090, se hizo con el protectorado de todo Levante.
Al-Qadir, rey de las taifas de Toledo y Valencia, pagaba impuestos al Cid, quien usurpaba así los pagos que antes habían pertenecido a Alfonso VI. Ese mismo año el Cid derrotó a la coalición que formaron al-Mundir y Berenguer Ramón II, a los que derrotó en Tevar en 1090 expulsando al conde catalán de la zona levantina.
CONQUISTA DE VALENCIA
Mientras tanto, Alfonso VI, que pretendía recuperar la iniciativa en Levante, estableció una alianza con el rey de Aragón, el conde de Barcelona y las ciudades de Pisa y Génova, cuyas respectivas tropas y flotas participaron en la expedición, avanzando sobre Tortosa (entonces tributaria de Rodrigo) y la propia Valencia en el verano de 1092. Pero el ambicioso plan fracasó y Alfonso VI hubo de regresar a Castilla al poco de llegar a Valencia. Mientras, Rodrigo, que se encontraba en Zaragoza negociando una alianza con el rey de dicha taifa, lanzó, como represalia, una dura incursión contra La Rioja.
En los años siguientes, las campañas para la conquista de Valencia, hasta ese momento en poder de Ibn Ŷaḥḥāf, asesino de al Qadir, fueron constantes. En 1093, el Cid cercó la capital, que empezó a sufrir privaciones. El ejército del Cid emplazó máquinas de guerra que causaron grandes daños en los muros de la ciudad y por fin, tras un año de sitio, Valencia cayó en manos del Cid que se proclamó "príncipe Rodrigo el Campeador" el 17 de junio de 1094.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/12/01/el-cid-campeador-pelicula_7ae602e7_800x483.jpg)
A pesar de la victoria, los intentos almorávides por recuperar la ciudad no cejaron y a mediados de septiembre de ese mismo año un ejército al mando de Abu Abdalá Muhammad ibn Tāšufīn, llegó hasta Quart de Poblet, a cinco kilómetros de la capital, y la asedió, pero fue derrotado por el Cid en una batalla campal.
Valencia cayó en manos del Cid en 1094, donde se proclamó príncipe Rodrigo el Campeador
A la muerte del Cid, su esposa, Jimena, mujer de vigoroso carácter, prolongó la resistencia local dos años más antes de rendirse al empuje musulmán.Abandonó Valencia con los restos de su esposo, que enterró en el monasterio de Cardeña para posteriormente, y tras muchas vicisitudes, ser enterrado junto a ella en la catedral de Burgos, donde hoy puede visitarse su tumba.
-
EL PIGMENTO TÓXICO QUE MATÓ A NAPOLEÓN
Napoleón no fue envenenado, se envenenó él mismo sin saberlo
Una leyenda popular sobre Napoleón Bonaparte dice que fue envenenado. Esta es una verdad a medias: es cierto que se envenenó, pero fue de forma accidental y fruto de una decisión suya.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/01/17/la-muerte-de-napoleon-por-charles-von-steuben_740d687a_230117181334_1280x788.jpg)
La muerte de Napoleón, por Charles von Steuben.
Cuando Napoleón Bonaparte murió en la isla de Santa Elena, el 5 de mayo de 1821, se le realizó una autopsia en la que, entre otras cosas, se determinó la causa del fallecimiento: cáncer de estómago. Años más tarde, cuando su cuerpo fue trasladado a Francia, se observó que estaba extrañamente bien preservado, por lo que se realizó un segundo examen forense y se le tomaron muestras de cabello. Los resultados mostraron niveles insólitamente altos de arsénico, lo que podría explicar el buen estado del cuerpo, pero levantó de inmediato la sospecha de que Napoleón había sido envenenado por sus captores ingleses.
El rumor encontró eco en el presitigioso diario The Times, el cual anteriormente ya había insinuado que el gobierno británico estaba intentando acelerar la muerte del ex-emperador manteniéndolo en unas condiciones de vida deplorables. Las insinuaciones no carecían de fundamento, ya que incluso Hudson Lowe, el oficial al cargo de vigilar a Napoleón en su residencia de Longwood House, remitía a sus superiores las continuas quejas del servicio por el frío y la humedad de la casa.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/01/17/longwood-house_f691af94_230117181616_800x600.jpg)
Longwood House, la casa donde vivió Napoleón durante su exilio en Santa Elena.
EL PIGMENTO ASESINO
Desde entonces, sobre la muerte de Napoleón ha planeado la sospecha del envenenamiento. Y la verdad es que, ciertamente, fue envenenado, aunque no del modo que se creía: fue un accidente y, lo que resulta más irónico, fruto de una decisión del propio Napoleón. El agente asesino era ni más ni menos que el pigmento con el que estaban pintadas las paredes de varias habitaciones.
Se trataba de un pigmento llamado verde de Scheele, en honor al químico que lo inventó, Carl Wilheim Scheele. Químicamente hablando se trata de arsenito de cobre, un compuesto que contiene arsénico, elemento cuya toxicidad aún se subestimaba en los tiempos de Napoleón. Con el tiempo se ha sabido que este pigmento era altamente tóxico, a causa del desprendimiento en el aire de las partículas de arsénico, que respiraban los habitantes de la casa. La exposición regular a este elemento incrementa el riesgo de padecer varias enfermedades, entre las cuales el cáncer de estómago del que murió Napoleón.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/01/17/verde-de-scheele_1b7a4cec_230117182157_800x1036.jpg)
"Mujer bordando", óleo por el pintor Georg Friedrich Kersting, en el que se muestra el verde de Scheele.
Lo más trágico del asunto fue que la decisión de pintar la casa con verde de Scheele fue del propio Napoleón, puesto que ese era su color favorito. Existían, por supuesto, otros pigmentos verdes, pero el de Scheele era muy usado en aquella época porque era muy duradero y tardaba mucho en decolorarse. Hacia 1860 se demostró que era tóxico y aun así tardó todavía muchos años en desaparecer del mercado.
Pero seguramente el pigmento no fue el único agente asesino: debido al clima húmedo de la isla de Santa Elena, es muy probable que las paredes de la casa fuesen un nido de hongos. Estos, en combinación con ciertos compuestos de arsénico como el del verde de Scheele, liberan arsano, un gas altamente tóxico que es absorbido por el tracto gastrointestinal, resultando en un envenenamiento prolongado. Debido a que Napoleón, en los últimos años de su vida, pasaba cada vez más rato encerrado en su habitación, estaba respirando continuamente aire envenenado. Meses antes de su muerte, empezó a mostrar síntomas evidentes del envenenamiento – como una sed inusual – que, finalmente, lo llevó a la tumba.
-
José Bonaparte, el rey que robó un velázquez
El hermano de Napoleón, a quien el emperador impuso como monarca, trató de llevarse 200 pinturas de las colecciones reales españolas en 1813 durante la retirada de las tropas francesas de la península ibérica, entre ellas El aguador de Sevilla de Diego Velázquez, que fueron recuperadas por el duque de Wellington y actualmente se encuentran en Londres.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/05/14/aguador-ullstein-imagno-cordon-press-mini-bona_487db8db_550x725.jpg)
El aguador de Sevilla, una de las telas que José Bonaparte trató de expoliar de las colecciones reales españolas y que actualmente pertenece a la Apsley House de Londres.
La Apsley House de Londres alberga una de las colecciones de arte más importantes del Reino Unido, que incluye creaciones de los principales pintores y escultores europeos de todas las épocas. Entre las piezas más destacadas se encuentran El aguador de Sevilla de Diego Velázquez, la Última cena de Juan de Flandes, o Danae recibiendo la lluvia de oro, de Tiziano. Todos ellos pertenecieron hasta el siglo XIX al patrimonio real español.
¿Cómo llegaron estas obra maestras, que en condiciones normales colgarían de las paredes del Museo del Prado, a Londres? La historia forma parte de uno de los últimos episodios de la guerra de la independencia española y tiene como protagonistas al duque de Wellington (primer propietario de la Apsley House) y al francés que entonces reinaba en España, José I Bonaparte. El suceso tiene tintes novelescos, y de hecho el escritor Benito Pérez Galdós ya lo usó como argumento de uno de sus Episodios Nacionales: El equipaje del rey José.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/05/14/ultima-cena-flandes_5d6fc244_493x599.jpg)
EXCESO DE EQUIPAJE
Para conocer la historia hay que retroceder hasta el mes de marzo de 1813, cuando José I recibe una comunicación de Napoleón: la guerra en el frente ruso está resultando un desastre y el emperador le pide ayuda para frenar el avance de las potencias enemigas sobre la misma Francia. El monarca ordena entonces a todas las tropas francesas dispersas por la península ibérica que se replieguen y se dirijan a la frontera para cruzar a Francia.
El propio José I se prepara con sus ejércitos para hacer lo propio desde Madrid. Entre las pertenencias que Bonaparte carga en su convoy se encuentran dos centenares de pinturas, entre ellas alguna de las joyas de la colección real: obras de Giulio Romano, Correggio o Elsheimer, además de los ya citados, Juan de Flandes, Tiziano y Velázquez.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/05/14/jose-bonaparte-bona_611198fb_753x812.jpg)
José I retratatado por Josef Lefèvre.
La inminente partida del rey desata una actividad febril en la corte: "En palacio están empaquetando a toda prisa cuadros y alhajas [...] Nos llevamos hasta los clavos". La cantidad de posesiones que José I pretende trasladar a Francia obliga "a embargar todos los coches y carros de la villa, y aún no bastará", para acarrear el valioso equipaje, concluye un personaje de la novela galdosiana. Con todos estos bultos, el rey emprende el camino hacia el norte.
LA GRAN BATALLA FINAL DE LA GUERRA
Antes de cruzar la frontera, José I agrupó a todas sus fuerzas en las cercanías de Vitoria, adonde el monarca llegó el 19 de junio. Allí se dirigió también el gran ejército aliado comandado por Arthur Wellesley, el futuro I Duque de Wellington, para cortarles el paso.
El convoy real, con todas las joyas y obras de arte, se reunió con el resto de tropas francesas de la península en Vitoria.
Dos días después, estos dos formidables ejércitos libraron un terrible combate que acabó con una aplastante victoria de los aliados. La batalla de Vitoria fue el último gran enfrentamiento de la guerra de independencia española y supuso el principio del fin de la ocupación francesa.
Por la tarde, los vencedores desguazaban carros, maletas y cualquier posesión de los vencidos. Cuando hallaron el coche del monarca, en él no solo había mapas, cartas y documentos de Estado. También encontraron los casi dos centenares de telas que José I había extraído de sus marcos en Madrid y que había dejado atrás en su precipitada huida hacia Pamplona.
La retirada de Bonaparte se frustró en Vitoria, así como el traslado del preciado botín que el monarca acarreaba, que acabó en manos inglesas.
VIAJE A INGLATERRA
Wellesley, que estaba lejos de ser un experto en arte, decidió enviar las obras a Londres para ponerlas bajo custodia de su hermano lord Maryborough. Este encargo examinar y catalogar todo el material y solo entonces se descubrió la magnitud del tesoro que el rey José pretendía llevarse a Francia.
Al conocer la procedencia de las obras que habían caído en sus manos, el militar inglés dio instrucciones para trasladar al nuevo rey español su intención de reponer las obras de arte a la colección real. Así en 1814 pidió comunicar a Fernando VII el paradero de las obras y su deseo de devolverlas a España.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/05/14/wellington-english-heritage_081935eb_506x648.png)
El Duque de Wellington cerca de 1816 retratado por Thomas Lawrence.
UN REGALO INESPERADO
No se sabe la razón, pero no recibió respuesta. Cansado de esperar, al cabo de dos años Wellington volvió a ponerse en contacto con la casa real española, por medio de una carta al conde de Fernán Núñez, representante español en Inglaterra. El noble español, en nombre de la Corona, le dio una sorprendente respuesta: "Su Majestad, conmovido por vuestra delicadeza, no desea privaros de lo que ha llegado a vuestra posesión por cauces tan justos como honorables". Un generoso gesto de Fernando VII.
Fernando VII regaló a Wellington las obras "que han llegado a vuestra posesión por cauces tan justos como honorables".
En esa época Wellington había vuelto a Inglaterra y estaba organizando su propia colección. El héroe de las guerras napoleónicas, vencedor en Waterloo, fue colmado de honores y regalos por los países a los que liberó. Estaba reacondicionando Apsley House para convertirla en su nueva residencia y donde depositó todas las obras de arte que había adquirido en los últimos años.
A su muerte, el duque dispuso la indivisibilidad de su colección y su cesión al English Heritage para su conservación. Sus herederos convirtieron Apsley House en un museo y en 1947 cedieron el edificio al Estado británico que actualmente se encarga de su mantenimiento. En el museo se exhiben en la actualidad 83 de las obras que en Inglaterra llaman el "regalo español" que Fernando VII había hecho a Wellington tan solo tres años antes de inaugurar su Museo Real de Pinturas en El Prado al que todos esos cuadros parecían estar destinados.
-
¿Qué tienen que ver los conejos y los huevos con la pascua?
Más allá de su significado religioso, la Pascua tiene una serie de tradiciones cuyo origen es desconocido para muchos. ¿Cuál es el origen del conejo de Pascua, la costumbre de pintar huevos o los dulces que se consumen en varios países?
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/04/conejos-pascua-1_591d64af_230404225909_1280x853.jpg)
Pascua es una de las épocas en las que se mezclan más tradiciones, tanto religiosas como paganas. Es una celebración cristiana de origen judío, cuyos símbolos por excelencia – los conejos y los huevos – están asociados al paganismo germánico; y como guinda del pastel, en varios países se preparan dulces de origen musulmán o cristiano ortodoxo.
LOS ORÍGENES DE LA PASCUA
La Pascua es una celebración con raíces en tradiciones muy diversas. Por una parte, la celebración en sí y el nombre de la misma proceden de una fiesta judía llamada Pésaj, que se celebraba ya en tiempos del Reino de Israel al menos desde el primer milenio a.C. y que conmemora la liberación de los esclavos hebreos de Egipto, narrada en el Éxodo bíblico. Se celebra en el mes de Nisán, el primero del calendario hebreo, coincidiendo con el inicio de la primavera.
La Pascua cristiana tomó forma durante el Primer Concilio de Nicea, celebrado en el año 325 d.C. Entre otras cosas, en esa ocasión se separó de la tradición hebrea y se fijó su fecha en el primer domingo después de la primera Luna llena tras el equinoccio de primavera (en el hemisferio norte).
Con la conversión del Imperio Romano al cristianismo, la Pascua se impregnó de otras festividades y símbolos de la primavera a lo largo y ancho del Imperio. En particular, una diosa germánica llamada Ostara (Êostre en lengua proto-germánica) parece ser la responsable de aportar a la Pascua uno de sus símbolos modernos: el conejo o la liebre, puesto que estos animales simbolizaban la fertilidad debido a su gran capacidad reproductiva.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/05/test-pascua-2-johannes-gehrts-eduard-ade_2935c62f_230405003402_800x1184.jpg)
Ostara, xilografía de Eduard Ade en una obra de Johannes Gehrts.
EL ORIGEN DEL CONEJO DE PASCUA Y LOS HUEVOS DECORADOS
El origen del conejo de Pascua (a veces representado como una liebre), sin embargo, es bastante más moderno. Apareció por primera vez en los territorios luteranos del Sacro Imperio Romano Germánico como una especie de Santa Claus primaveral: al igual que este, juzgaba qué niños habían sido buenos o no y les dejaba regalos, que inicialmente eran huevos y más adelante fueron dulces. Esta tradición aparece documentada por primera vez a finales del siglo XVII.
La pregunta obligada es qué tienen que ver los huevos en todo esto, si ni conejos ni liebres son ovíparos. Si buscamos un origen remoto, los huevos son también un símbolo de fertilidad, por lo que es posible que ambos símbolos se mezclaran. Sin embargo, hay una explicación más cercana y práctica y tiene relación con la Pascua cristiana.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/04/conejo-de-pascua-decoraciones-dr-bernd-gross_b8cf3900_230404230305_800x800.jpg)
Conejo de Pascua decoraciones (Dr Bernd Gross)
Decoraciones de Pascua en un pueblo de Sajonia, Alemania.
Durante la Cuaresma, el periodo de abstinencia que precede a la Pascua, estaba prohibido consumir carne pero también huevos. Eso generaba, durante seis semanas, un exceso de huevos que las gallinas ponían y no eran consumidos, pero que era un desperdicio tirar. Por ese motivo, los huevos se recogían, se hervían para conservarlos durante más tiempo y se marcaban con tintes naturales, como pela de cebolla, para diferenciarlos de los frescos.
Este es también el origen de la tradición de decorar huevos por Pascua, que se convirtió más adelante en todo un arte y derivó en multitud de costumbres, como colgarlos de las ramas de un árbol o esconderlos para que los niños los encuentren.
LA LLEGADA DEL CHOCOLATE Y LOS DULCES DE PASCUA
La llegada de los conquistadores españoles a América supuso la introducción de muchos nuevos alimentos en Europa, y uno de los que tuvo más éxito fue el chocolate. Esta bebida hizo furor en la corte francesa y fue precisamente en esta donde se originaron los huevos de Pascua de chocolate, durante el reinado de Luis XIV.
Poco después, en Turín, una mujer viuda de la que solo conocemos el apellido (Giambone) tuvo la idea de vaciar huevos de gallina y rellenarlos con chocolate, dando origen a los huevos de Pascua que hoy conocemos. Con la llegada de los moldes en el siglo XX, esta tradición derivó en una gran variedad de figuras y en exhibiciones de artesanía del chocolate que, no pocas veces, alcanzan la categoría de arte.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/05/esculturas-chocolate-9_b64c3964_230405003032_800x1200.jpg)
Esculturas chocolate
Una réplica del Big Ben elaborada con 45 Kg. de chocolate. Llevó más de 100 horas de trabajo terminarla.
Por otra parte, varios países tienen sus propias tradiciones culinarias. En España, especialmente en las regiones que formaban parte de la Corona de Aragón, es típico un dulce conocido como la mona de Pascua, en forma de pastel o rosco y que puede ser elaborado con una gran variedad de ingredientes, aunque las más típicas son las de fruta confitada. Originalmente llevaban también huevos de gallina, que hoy en día han sido ampliamente sustituidos por los de chocolate.
El origen de la mona de Pascua se remonta al menos al siglo XV y, aunque sus orígenes son inciertos, se cree que deriva de un dulce que los moriscos ofrecían a sus señores; de ahí procedería su nombre: mouna, un término árabe que significa “provisión de la boca”. Otra posibilidad es que derivase de un dulce siciliano llamado cuddura, que se comía en tiempos de Pascua y procedía de los ritos litúrgicos ortodoxos. En la actualidad, en la isla se consume el agnello pasquale, una figura en forma de cordero elaborada con masa de almendras y de pistacho.
-
La moda de la españa del siglo de oro
En el siglo XVII, la vestimenta se convirtió en una obsesión para una sociedad que valoraba la apariencia por encima de todo
Felipe II
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/29/la-familia-del-pintor-juan-bautista-martinez-del-mazo_66a66819_230329104814_1280x1093.jpg)
la familia del pintor Juan Martínez del Mazo, vestida a la moda de la década de 1660.
La mañana venida, levantámonos, y comienza a limpiar y sacudir sus calzas y jubón y sayo y capa. Y vístese muy a su placer, despacio [...]. Y con un paso sosegado y el cuerpo derecho, haciendo con él y con la cabeza muy gentiles meneos, echando el cabo de la capa sobre el hombro y a veces sobre el brazo, y poniendo la mano derecha en el costado, salió por la puerta». Éste era el ritual que, según el Lazarillo –la más célebre novela picaresca del siglo XVI– repetía cada mañana el amo de Lazarillo: un hidalgo venido a menos, que no tenía apenas con qué comer o pagar a su criado, pero que a pesar de sus dificultades económicas no salía nunca a la calle si no era vestido con toda la elegancia que podía aparentar.
Su caso no era excepcional. En la España del Siglo de Oro, el vestido no era algo utilitario o funcional, como en buena parte lo es hoy en día, sino que expresaba la condición social de cada uno. Todos debían prestar la máxima atención a las apariencias, puesto que lo realmente importante era lo que uno parecía, no lo que uno era.
DIME CÓMO VISTES...
Si camináramos por las calles españolas durante el Siglo de Oro nos resultaría sencillo identificar la clase social e incluso la profesión de cada individuo de acuerdo con su vestimenta. Los médicos lucían ostentosamente una sortija en el pulgar y llevaban el ropaje universitario y la capa; el juez portaba la llamada garnacha –una larga vestidura de paño con vueltas de velludillo, similar al terciopelo– y se cubría con un birrete; los estudiantes solían lucir ropas de vivos colores y portar joyas, a pesar de las prohibiciones universitarias que invitaban a la austeridad y sencillez. Los soldados, por su parte, aunque carecían de uniforme, se distinguieron por sus emplumados sombreros, que les valieron el sobrenombre de «papagayos».
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/29/don-carlos-spanien_63b120c0_230329105214_800x848.jpg)
1557 El príncipe Don Carlos, con un cuello de lechuguilla del siglo XVI. Óleo por A. Sánchez. Museo del Prado, Madrid.
El problema se presentaba cuando alguien se vestía como no le correspondía, imitando las modas de las clases superiores. Tirso de Molina, en una de sus obras de teatro, se quejaba de que un simple zapatero, en vez de vestirse con cordobán (un tejido basto de piel de cabra curtida), llevara ropa de gorgorán, es decir, de seda; o que una mulata se cubriera con paño fino de Sevilla. Para él, todo aquello era una clara señal de la decadencia del país.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/29/doublet-met-dt6135_ab8a5b66_230329105917_800x1000.jpg)
Justillo francés creado hacia 1620, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
El gusto por el lucimiento llevó asimismo a cambios constantes en la forma de vestir. Ello era cierto sobre todo en Madrid, capital de la monarquía, donde nobles y damas de la corte inventaban constantemente nuevas modas en la indumentaria que enseguida alcanzaban gran difusión. Este fenómeno se aceleró a comienzos del siglo XVII. Hasta entonces, el traje nacional había sido triste y sombrío, marcado por la austeridad y el predominio del color negro durante el reinado de Felipe II. Sin embargo, con Felipe III, su sucesor, se vivió un cambio hacia colores brillantes y rutilantes y a prendas de un gran lucimiento. Aun así, con la llegada al trono de Felipe IV, los colores se apagaron y se volvió al negro. En 1623 se prohibió el uso de la lechuguilla, cuello exagerado en forma de gran abanico, para dar paso a la valona, un cuello grande y plano que caía sobre los hombros.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/29/bartolome-gonzalez-y-serrano-queen-margarita-of-austria-wga9753_55698e61_230329105303_800x941.jpg)
Bartolomé González y Serrano Queen Margarita of Austria
1609 La reina Margarita de Austria luciendo una lechuguilla del siglo XVII. Óleo de B. González. Museo del Prado, Madrid.
El gusto, o la obsesión, por la moda no hacía distinción de sexos; los hombres ponían tanto cuidado en su propia imagen como las mujeres, y se cubrieron de toda suerte de galas y ropa ostentosa. Buscaban acentuar algunas partes de su físico, como pectorales, hombros y piernas. La entrepierna centrará la mirada de la época, con la introducción de la bragueta (una suerte de saquito de tela forrada que se sujetaba en la parte delantera de las calzas y que podía sobresalir de éstas) y las cintas decorativas. Más de un eclesiástico puso el grito en el cielo por este motivo: «¿Puede llegar el traje a más desorden que al que ha llegado en estos tiempos? Y los hombres con unos calzones tan ajustados, que en la misma estrechez manifiesta la forma del muslo y algo más que por decencia callo».
CALZAS Y GUARDAINFANTES
Las calzas eran, en efecto, un elemento muy valorado del vestuario masculino español. Cubrían el muslo y la pierna, y adoptaron formas cada vez más sofisticadas, que marcaron tendencia en Europa. En tiempos de Felipe II solían llevar cuchilladas (unas aberturas que mostraban otra tela de distinto color), y bajo su sucesor adoptaron una característica forma abombada. Los que no podían pagárselas imaginaban curiosas trazas para imitarlas, como un personaje del Buscón, la famosa novela de Quevedo publicada en 1626. Escribía Quevedo: «Desarrebozóse y hallé que debajo de la sotana traía gran bulto. Yo pensé que eran calzas, porque eran a modo de ellas, cuando él, para entrarse a espulgar [limpiarse las pulgas o piojos], se arremangó, y vi que eran dos rodajas de cartón que traía atadas a la cintura y encajadas en los muslos, de suerte que hacían apariencia debajo del luto, porque el tal no traía camisa ni gregüescos [un tipo de calzas], que apenas tenía qué espulgar según andaba desnudo».
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/29/gloves-italy-16001650-ch_39c69c51_18564645)_230329105410_800x794.jpg)
Guantes de piel, con puños en raso de seda bordada. del año 1650. Museo Smithsonian del Diseño, Nueva York.
La capa siguió siendo una prenda obligatoria en España y de un gran valor material. Había ladrones especializados en robarlas, llamados capeadores, lo que hacía decir a un poeta que sufrió una vez un asalto por un grupo de ellos: «¡Que maten por una capa / que no saben si es de paño / de Segovia!», es decir, de un tejido vulgar, y no de una tela cara.
Las modas en el vestuario femenino también hicieron furor en la España del Siglo de Oro y se convirtieron en un arte de seducción. Como escribía Lope de Vega de una mujer muy peripuesta: «Toda es vana arquitectura; / porque dijo un sabio un día / que a los sastres se debía / la mitad de la hermosura». El vestido se combinaba con joyas, y eran usuales las cuchilladas en cuerpo y mangas. Se utilizaban tejidos suntuosos: encaje, tafetán, terciopelo, brocados...
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/29/diego-velazquez-051_b9949fa2_230329105457_800x1252.jpg)
1632 Felipe IV vestido de cazador, con una valona masculina. O´leo por Diego Vela´zquez. Museo del Prado, Madrid.
Desde el siglo XVI se impuso la moda del verdugado (enaguas armadas con aros de alambre, madera o «ballenas», que se acampanaban hacia el borde inferior de la falda) sobre el que colocaban diferentes tipos de faldas, como la pollera, el guardapiés o el faldellín. En la década de 1630 triunfaron los inmensos e incómodos guardainfantes, así llamados porque servían a las damas para ocultar sus embarazos, según se decía. Aun así, el vestido femenino era más recatado que el masculino; el busto estaba aprisionado por una suerte de corsé llamado «cartón de pecho» que ocultaba las formas, y en 1639 se llegó a prohibir incluso el escote.
EL VESTIDO DE LOS HUMILDES
Pero no todo el mundo disponía de medios para seguir los requerimientos de la moda. Los trajes no eran baratos. Se podían comprar ya hechos, pero muchos preferían encargárselos a un sastre pese a la mala fama que tenía esta profesión. Eran constantes las quejas por la tardanza de los sastres en entregar las prendas, por el precio que cobraban y aún más por los engaños en la calidad del tejido utilizado. Los poetas recogieron estas críticas, y uno de ellos se preguntaba en una de sus composiciones: «Perdón: ¿Santo y sastre?»
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/29/mariana-of-austria-velazquez-c-1652-2_afd44f3e_230329105703_800x1456.jpg)
Mariana de Austria, esposa de Felipe IV. 1652. óleo por Velázquez. Museo del Prado, Madrid.
Los que no podían costearse galas y ornatos lujosos se contentaban con un vestido sencillo, compuesto de camisa amplia de lino o algodón, jubón terminado en pico con formas acuchilladas en las mangas, calzas cortas o bien a media pierna, bragueta y unas medias de lana que se sujetaban con jarreteras (una especie de ligas). Por su parte, las mujeres humildes y de clase media vestían faldas largas y sin adornos, combinadas con blusas o camisas sencillas. Normalmente se llevaba una pañoleta que cubría los hombros y se anudaba sobre el pecho. En épocas de frío, un manto de paño o lana proporcionaba algo de calor. Pese a su sencillez, hay que observar que el vestido popular no permaneció ajeno a las modas aristocráticas, que inspiraron muchos trajes regionales de la época moderna.
-
La historia de sinuhé: la añoranza de egipto de un exiliado
Durante el Reino Medio, la literatura egipcia vivió una época de esplendor. De este período data la que es considerada tal vez la primera novela de la historia, conocida como "La historia de Sinuhé".
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/28/fotograma-de-sinuhe-el-egipcio-pelicula-de-1954_1536bf30_00485_230328123342_1280x1055.jpg)
Fotograma de "Sinuhé el egipcio," película de 1954.
La mayoría de historiadores considera que la literatura egipcia alcanzó su apogeo durante el Reino Medio (1980-1760 a.C.), y su obra cumbre es, sin duda, la conocida como La historia de Sinuhé. Esta verdadera novela –que adopta la forma de una autobiografía– se usó como texto escolar para los aprendices de escriba y ha llegado hasta hoy gracias a diversos papiros que se han conservado, como los dos Papiros de Berlín, así como otros y diversos óstracos.
La trama de la Historia de Sinuhé es totalmente ficticia, pero la obra parte de un hecho real: el asesinato del faraón Amenemes I mientras su hijo Sesostris I se encontraba comandando las tropas egipcias en Libia.
MORIR LEJOS DE EGIPTO
El argumento es el que sigue: Sinuhé, un destacado miembro de la corte, huye del campamento real cuando escucha por casualidad a los traidores que hablan del asesinato del faraón. Para no ser acusado marcha al país de Retenu (Siria-Palestina), donde su pericia militar le granjea una elevada posición social, e incluso se casa y tiene hijos, y allí vivirá en paz y prosperidad durante muchos años. Pero Sinuhé pasa toda su vida añorando Egipto, adonde finalmente regresa cuando el faraón Sesostris I lo reclama.
Cuando el exiliado llega a su país natal es recibido con todos los honores. "No morirás en tierra extranjera, los asiáticos no te enterrarán; no se te colocará en la piel de un carnero y no se te hará un (simple) túmulo. Es un vagabundeo demasiado largo por la tierra. Piensa en la enfermedad y ven", le dice el faraón.
"No morirás en tierra extranjera, los asiáticos no te enterrarán", le dice el faraón Sesostris I a Sinuhé.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/03/28/estela-funeraria-del-noble-intef-que-lleva-inscritos-los-nombres-de-amenemat-i-y-su-hijo-sesostris-i-museo-egipcio-el-cairo_f7c2337e_230328123647_800x1060.jpg)
Estela funeraria del noble Intef que lleva inscritos los nombres de Amenemat I y su hijo Sesostris I. Museo Egipcio, El Cairo.
De hecho, para un egipcio el hecho de morir fuera de su tierra era lo peor que le podía ocurrir. Así que al regresar, Sinuhé logra la paz y puede aspirar a una vida eterna feliz. Porque el faraón le proporcionará una sepultura adecuada y le asegurará los ritos funerarios necesarios para el bienestar de su alma. "Se me construyó una pirámide de piedra en medio de las pirámides. Los canteros que construían tumbas la edificaron [...]. Me fueron asignados sacerdotes funerarios. Se constituyó para mí un dominio funerario, como ha de hacerse para un amigo de primer rango [...]. Estuve en el favor del rey hasta que llegó el día del tránsito".
Esta obra literaria inspiró una novela de gran éxito escrita por el finlandés Mika Waltari en 1945: Sinuhé, el egipcio. Aunque ambientada en el antiguo Egipto, no guarda ninguna relación con la antigua Historia de Sinuhé. La historia también se llevó al cine en 1954.
-
La Batalla de San Quintín
Para los franceses, fue una derrota terrible, que dejó diezmada a su nobleza guerrera. Felipe II, en cambio, vio en la batalla el inicio de un reinado triunfal y quiso erigir, para recordarla, el monasterio de El Escorial
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/02/14/asedio-de-san-quintin_5b270eba_230214161030_1280x804.jpg)
La derrota francesa. Este fresco de la sala de Batallas de El Escorial, pintado en 1585, reproduce los movimientos de los contendientes durante la batalla San Quintín.
Corría el año 1556. La guerra entre España y Francia, que había dominado los reinados de Carlos V y Francisco I, se había reanudado bajo sus sucesores, Felipe II y Enrique II. Este último seguía negándose a que su país estuviese rodeado por posesiones y perdiera influencia en Italia. Enseguida el conflicto se extendió por todos los escenarios posibles, desde Italia hasta los Pirineos, pasando por el norte de Francia y las provincias de los Países Bajos. Los combates decisivos se libraron en este último territorio. El plan del rey de España era invadir la Champaña desde Flandes y ocupar alguna plaza fuerte. En julio de 1557, cuarenta y dos mil hombres, bajo el mando de uno de sus más jóvenes generales, el duque de Saboya, penetraron en suelo francés. Era un ejército internacional compuesto de españoles, italianos, alemanes, borgoñones, saboyanos, húngaros y flamencos. A tres días de distancia le seguía el propio Felipe II con otro ejército de unos veinte mil hombres, en el cual había cinco mil ingleses que su esposa, la reina María Tudor de Inglaterra, le había cedido.
El duque de Saboya marchó con su ejército hacia la ciudad de Rocroi, pero sus poderosas fortificaciones le hicieron desistir de asaltarla. Por ello concluyó que era imprescindible proceder por sorpresa, antes de que la plaza elegida pudiese reforzar sus defensas. Así, tras un amago sobre Guisa, el 3 de agosto se lanzó, de madrugada y con suma rapidez, sobre otro objetivo: el estratégico enclave de Saint-Quentin (San Quintín), a orillas del río Somme. Comenzaba el asedio que daría lugar a una de las batallas más célebres de la historia militar española.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/02/14/istock-112139753_ace935d9_230214161113_800x1044.jpg)
San Lorenzo de El Escorial. Felipe II logro´ la victoria de San Quinti´n el di´a de san lorenzo de 1557. Para conmemorarla, el rey construyó este monasterio.
Los franceses, por su parte, no habían permanecido inactivos. Un ejército de veintiséis mil hombres, al mando del condestable Anne de Montmorency, había seguido las evoluciones de las fuerzas españolas. Montmorency esperaba atacar cuando aquéllas asediaran alguna ciudad, confiando en la victoria al coger a las fuerzas sitiadoras entre dos fuegos. Por de pronto, y antes de que el cerco sobre San Quintín fuese lo suficientemente estrecho, logró hacer llegar unos quinientos soldados de refuerzo, lo que dio ánimo a la guarnición de la ciudad. Sin embargo, al día siguiente el asedio era total y empezaron los bombardeos por parte de los atacantes.
Desde ese momento fue casi imposible introducir nuevos refuerzos en la plaza, la cual, dada la desfavorable correlación de fuerzas, parecía condenada. A Montmorency no le quedaba otra opción que marchar al encuentro del ejército del duque de Saboya y plantar batalla. Su plan consistía en cruzar el Somme al oeste de San Quintín, atravesar una zona pantanosa y avanzar sobre las líneas enemigas. Si lograba romper el sitio y reforzar la ciudad, los atacantes se verían en la obligación de retirarse o presentar combate en circunstancias adversas. Era una maniobra arriesgada, pero el general francés se sentía seguro de la victoria; era veterano de mil batallas y su oponente, un jovenzuelo inexperto.
ATAQUE POR SORPRESA
El grueso del ejército francés se puso en marcha la noche del 9 al 10 de agosto y, tras una agotadora marcha, llegó a las puertas de San Quintín al amanecer. Aparentemente, el ejército enemigo no había advertido su presencia y seguía imperturbable en sus ataques a la ciudad. Montmorency se sentía seguro: creía que la caballería flamenca del conde de Egmont había partido hacia el norte para recibir y escoltar a Felipe II, y que el único puente sobre el Somme no permitiría que el ejército del duque cruzase, con la rapidez necesaria, a la ribera por la que él avanzaba.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/02/14/ritratto-di-emanuele-filiberto-google-art-project_fbcaad25_230214161629_800x1386.jpg)
El duque de Saboya. Retrato por l’Argenta. siglo XVI. Galería Sabauda, Turín.
Pero la realidad era muy distinta. El astuto duque de Saboya había adivinado las intenciones de Montmorency y esa madrugada había enviado sigilosamente a la caballería de Egmont a la ribera por donde avanzaba el ejército galo. Además, había levantado otro puente lejos de los observadores franceses y había descubierto un vado. Todo ello permitiría que su ejército cruzase el río en muy poco tiempo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/02/14/leonard-limosin-portrait-of-anne-the-montmorency-wga13039_0978a790_230214171130_800x976.jpg)
El duque de Montmorency. El líder del ejército francés cometió el terrible error de subestimar al joven duque de saboya. Arriba, retrato de 1556. Museo del Louvre, París.
A las diez de la mañana, varios miles de franceses comenzaron a cruzar el río en barcas para atacar a los asaltantes de San Quintín. Su avance era lento y trabajoso, y los arcabuceros españoles que les esperaban en la otra orilla del río les infligieron muchas bajas. En ese momento, la infantería del ejército del duque de Saboya empezó a vadear el río lejos de la vista del general francés, por lo que éste no se percató de ello hasta que vio al enemigo avanzar hacia sus posiciones.
Cuando Montmorency ordenó a su caballería a ir al encuentro del enemigo, los jinetes franceses se vieron sorprendidos de espalda y de flanco por la caballería de Egmont, que estaba agazapada tras unas lomas desde hacía horas. La violencia que se desató sobre los galos sólo se vio superada por la sorpresa de ver que era casi todo el ejército enemigo el que cruzaba el río y se cernía a sobre ellos. Salvo las fuerzas necesarias para mantener el cerco San Quintín, el resto de efectivos había pasado a la otra orilla.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/02/14/bal_2c4bb3cf_4408590_230214162001_800x495.jpg)
Captura de un grupo de franceses durante la batalla. Grabado siglo XIX, colección privada.
Lo más grave para Montmorency era que, en ese momento, parte de su infantería se encontraba atrapada combatiendo en la otra ribera pantanosa o en medio de la operación de vadeo, por lo que no podía disponer de ella para frenar la ofensiva del duque de Saboya. Ahora, al general francés sólo le quedaba la opción de tratar de retirarse ordenadamente, por lo que mandó que, con toda rapidez, sus hombres reembarcasen y volviesen a cruzar el río hasta el punto de partida.
HACIA EL DESASTRE FRANCÉS
Tras agotadores esfuerzos, Montmorency pudo reagrupar a la mayoría de sus hombres e inició la retirada bajo la protección de su caballería, acosada a su vez por los jinetes de Egmont. Pero la marcha pronto se convirtió en una pesadilla.Tras la artillería, que avanzaba con lentitud, iban los carros con los víveres y la impedimenta, y luego la infantería tratando de apretar el paso. Estaban haciendo, en sentido inverso, el camino que tan agotadoramente habían recorrido la madrugada anterior, sólo que ahora estaban mucho más cansados pues no habían dormido ni apenas probado bocado, y además eran perseguidos.
El objetivo era alcanzar los bosques de Montescourt para protegerse y reorganizarse. Por su parte, el duque de Saboya sabía que no podía dejar escapar la presa y que debía obligar a Montmorency a presentar batalla. Para impedir el repliegue francés, el duque ordenó que parte de la caballería de Egmont avanzase por los flancos al ejército enemigo y le bloquease el camino ante los bosques. Unos dos mil jinetes se lanzaron a galope con ese objetivo, sin que la exhausta y desgastada caballería gala pudiese impedírselo. Media hora después, tras desbordar al ejército francés, ya estaban en su lugar formando una barrera entre el bosque y el ejército de Montmorency. De esta manera, a media tarde y tras tres horas de marcha, las fuerzas galas se encontraron con la desagradable sorpresa de que la retirada era imposible. No había otra opción que combatir.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/02/14/bal_cdb9efce_964780_230214162144_800x558.jpg)
Grabado de la batalla a las afueras de San Quintín por Carlos Mendoza. 1880, colección privada.
El general francés trató de convertir su caravana en un ejército formado en orden de batalla. Pero el cansancio de sus hombres, el estorbo que suponía desplazar carros y cañones, y el hostigamiento del enemigo, que venía pisándoles los talones, no lo permitían. Aun así, Montmorency despejó en lo posible el terreno, ubicó a lo que quedaba de su caballería en las alas, puso a sus cinco mil mercenarios alemanes al frente, y él se situó en el centro junto a sus veteranos gascones, que también formaron en la retaguardia. Para entonces sus efectivos ya se habían reducido a unos escasos y exhaustos veinte mil hombres.
La caballería de Egmont atacó de inmediato para no dar tiempo a que los franceses se organizasen mientras llegaba la infantería del duque. Los escasos jinetes galos fueron barridos, los carros y cañones capturados, y la infantería empezó a sufrir las acometidas de los reiters, jinetes alemanes que portaban varias armas de fuego y contra los que las picas no resultaban efectivas. Pronto las líneas francesas comenzaron a quebrarse y aparecer huecos. Por ellos se lanzaron los jinetes flamencos, que atacaron por la espalda a los defensores. En ese momento, los mercenarios alemanes de Montmorency, viendo que la resistencia era inútil, optaron por rendirse casi en bloque. Al comandante francés sólo le quedaban sus fieles gascones, con los que trató de abrirse paso.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/02/14/king-philipii-of-spain_4cbe5f52_230214162437_800x1603.jpg)
Felipe II con la armadura que llevó en San Quintín. Antonio Moro, 1557, Real Monasterio de el Escorial Madrid
Sin embargo, entonces llegó la infantería, que comprendía el grueso del ejército de Felipe II. El duque de Saboya ordenó atacar con ella, mientras la caballería de Egmont descansaba. Primero bombardeó con metralla a las formaciones defensivas francesas, en cuadro, y seguidamente lanzó contra ellas a sus hombres, encabezados por los dos experimentados tercios españoles de Alonso de Navarrete y de Alonso de Cáceres, que con sus descargas de arcabuces comenzaron a desbaratar los cuadros adversarios. Estas formaciones defensivas se rompieron pronto, y por los huecos irrumpió una oleada de infantes que comenzaron a matar a diestro y siniestro, mientras los gascones huían en desbandada.
El resultado fue una terrible carnicería, pues sólo se perdonaba a quien se presumía que, por su vestimenta, era un noble por el que se podía pedir rescate. Un médico francés, llegado para atender a los heridos unos días después, escribió: «Vimos más de media legua [más de dos kilómetros] de terreno cubierto por la muerte; y prácticamente ni nos detuvimos debido al hedor que despedían los hombres muertos y sus caballos». Murieron seis mil franceses, entre ellos unos trescientos miembros de lo más granado de la nobleza, como el duque de Enghien.
LA TOMA DE SAN QUINTÍN
Montmorency fue apresado, junto con unos siete mil hombres entre los que se encontraban numerosos nobles. Sólo unos cinco mil soldados pudieron escapar dispersándose en la confusión de la batalla. Los mercenarios alemanes presos fueron liberados, sin armas, y enviados a su casa con medio ducado cada uno, bajo la promesa de no coger las armas contra el rey de España en al menos seis meses. Unos cuantos españoles e ingleses que militaban entre los vencidos fueron ejecutados por traidores. En el bando del duque de Saboya, las bajas no llegaron a los mil hombres entre muertos y heridos.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/02/14/la-victoria-de-san-quintin_f76e5c84_230214162955_800x491.jpg)
La victoria de San Quintín, pintura al óleo de Augusto Ferrer Dalmau, 2022.
Esa noche partió un mensajero a Cambrai para informar a Felipe II de la rotunda victoria que había obtenido su ejército. A las pocas horas el rey partió eufórico con su ejército, y el día 13 por la mañana llegaba a San Quintín. Allí contempló el enorme botín capturado, felicitó efusivamente a los generales que habían logrado la victoria y envió a numerosos emisarios con las buenas nuevas, entre otros a su esposa, la reina María de Inglaterra, al duque de Alba –que estaba a punto de saquear Roma, pero que recibió la orden de pactar la paz con el papa– y a su padre, Carlos V, que estaba retirado en Yuste.
Ya sólo quedaba esperar la toma de San Quintín, que se produjo el 27 de agosto, tras un duro asalto. No hubo piedad para los defensores, que en su mayoría fueron pasados a cuchillo, y la ciudad sufrió un concienzudo saqueo en castigo por su resistencia. Un testigo comentaba que los mercenarios alemanes al servicio de Felipe «demostraron una crueldad nunca vista [...] las mujeres y los niños gritaban con tanto lamento que a cualquier cristiano se le hubiese partido el corazón». Esta vez el rey estuvo presente; de hecho, se puso por primera y única vez en su vida su lujosa armadura de batalla, con la que lo retrató Antonio Moro. Pero al ver la sangre derramada exclamó, a pesar de la rotunda victoria: «¿Es posible que de esto gustase mi padre?». Tres días después, Felipe II hizo su entrada solemne en San Quintín, dirigiéndose a la iglesia –totalmente expoliada– para dar gracias a Dios por la victoria.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/02/14/the-martyrdom-of-saint-lawrence-francesco-trevisani_cdd843db_230214162734_800x972.jpg)
Una victoria en el día de San Lorenzo. Martirio del santo por Francesco Trevisani, 1730, Iglesia de San Felipe Neri, Turín.
La prudencia del monarca, quizás excesiva, enseguida se dejó ver. En contra de la opinión de su padre renunció a marchar sobre París y decidió volver al refugio seguro de Flandes, tras dejar bien guarnecida la ciudad y sus aledaños. La guerra prosiguió durante 1558, y aunque Francia conquistó Calais –el último reducto inglés en el continente–, en verano sufrió otra apabullante derrota en Gravelinas. Meses después, en abril de 1559, se firmó la paz de Cateau-Cambrésis, que supuso la entrega a España y sus aliados de 198 enclaves. Entre las cláusulas de este tratado figuraba el matrimonio entre Felipe II, que acababa de enviudar de María Tudor, y la hija de Enrique II, Isabel de Valois. El Imperio español vivía sus años más gloriosos, que quedarían indisolublemente unidos al nombre de San Quintín.
-
Luis Coloma y el ratoncito pérez, el cuento que nació como un regalo para una reina
A finales del siglo XIX, Luis Coloma escribió por encargo de la reina María Cristina de Habsburgo un cuento protagonizado por un ratón, como regalo para el futuro Alfonso XIII con motivo de la caída de su primer diente. Lo que no podía imaginar es que, con el tiempo, su personaje se convertiría en un héroe para todos los niños .
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2019/04/09/el-ratoncito-perez-deja-dinero-o-algun-regalo-a-los-ninos-cuando-se-les-caen-los-dientes_2456f262.jpg)
El Ratoncito Pérez deja dinero o algún regalo a los niños cuando se les caen los dientes
Luis Coloma, o como es más conocido, el padre Coloma, no se hubiera imaginado a su muerte, el 14 de abril de 1915 (aunque algunas fuentes afirman que ocurrió el 10 de junio), que su creación más famosa, el Ratoncito Pérez, un roedor imaginario que vivía dentro de una lata de galletas en la confitería Prast, en el número 8 de la calle Arenal de Madrid, se convertiría, con el paso de las generaciones, en un mito infantil imperecedero.
A los doce años, Luis Coloma ingresó en la Academia Naval de San Fernando, aunque después la abandonó para licenciarse en Derecho en la Universidad de Sevilla. Con su título bajo el brazo, se trasladó a Madrid, donde ejerció como pasante y empezó a frecuentar los círculos literarios y tertulias políticas de la capital, además de colaborar en diversos periódicos.
EL DISPARO QUE CAMBIÓ SU VIDA
Pero un desafortunado suceso cambiaría su vida para siempre. En 1872 resultó herido de bala, aunque milagrosamente sobrevivió. Aún hoy se discute que ocurrió, si el disparo fue fortuito o no. Sea como fuere, a pesar de los pesimistas pronósticos de los médicos, Coloma se recuperó de un modo asombrosamente rápido. Por ese motivo, y pensando que Dios le había dado otra oportunidad, decidió dedicarse al sacerdocio e ingresar en la compañía de Jesús. Viajó al seminario de Châteaux de Poyanne, en Francia, donde al parecer fue ordenado sacerdote en 1874.
Herido de un disparo de bala, Luis Coloma se recuperó milagrosamente y decidió dedicarse al sacerdocio e ingresar en la compañía de Jesús
Años después, Coloma regresó a España, donde trabajó en distintos centros de enseñanza. En 1890 publicó Pequeñeces, una de sus obras más conocidas. En esta novela, Coloma, describe de un modo satírico a la alta sociedad madrileña de los años que precedieron a la Restauración Borbónica. A pesar del éxito, Pequeñeces no estuvo exenta de criticas, sobre todo las vertidas por los periodistas Manuel Martínez Barrionuevo y Mariano de Cavia precisamente por la feroz critica que Coloma hacía de la sociedad de su tiempo.
EL RATÓN QUE ACONSEJABA A UN MONARCA
Luis Coloma escribió crítica costumbrista, biografías y escritos de carácter histórico, pero sobre todo se le conoce por ser el autor del cuento infantil El Ratoncito Pérez, un antiguo relato de tradición oral que plasmó en forma de cuento en 1894. En ella dota a este entrañable personaje de una historia e identidad únicas.
En realidad, El Ratoncito Pérez fue un encargo de la reina regente María Cristina, que quería regalar un bonito cuento a su hijo, el futuro rey Alfonso XIII, con motivo de la caída de su primer diente. La historia habla del maravilloso viaje que el pequeño rey Buby –apodo cariñoso por el que la regente llamaba a su hijo en la intimidad– inicia de la mano del Ratoncito Pérez para conocer cómo vivían sus pequeños súbditos, algunos de ellos muy pobres, como el niño Gilito. Durante su periplo, Buby aprenderá valores tan importantes para un rey como la valentía, el cuidado de sus súbditos y la generosidad.
A Luis Coloma se le conoce por ser el autor del cuento infantil El Ratoncito Pérez, un antiguo relato de tradición oral que plasmó en forma de cuento en 1894 y en el que el roedor acompaña al pequeño monarca Buby por su reino
Desde el año 2008, los amantes del Ratoncito Pérez pueden visitarlo en la Casa Museo del Ratón Pérez, en Madrid. Un viaje que ningún niño debería perderse, y tampoco ningún adulto. Una bonita y nostálgica manera de recordar que, una vez, también fuimos niños.
-
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/04/12/hans-heinrich-thyssen-cordon_db34b2a7_550x546.png)
El Barón Thyssen, una vida dedicada al arte
Hans Heinrich Thyssen fue un aristócrata dueño de un gran imperio industrial, coleccionista y filántropo, que eligió España como sede de su magnífica colección de arte. Heredada de su padre, el barón ampliaría la colección hasta convertirla en una de las más importantes del mundo.
Heinrich von Thyssen-Bornemisza, considerado uno de los mayores coleccionistas y mecenas de arte del mundo, acabaría recalando en España junto con su magnífica colección de arte. Antes, varios países habían pugnado enconadamente por hacerse con este preciado trofeo. Conocido familiarmente como Heini, el barón Thyssen fue el heredero de una saga familiar que hizo de la afición al arte una forma de vida. Una pasión que le transmitió su padre y que el propio Heinrich Thyssen llegaría a superar con creces.
EL ARTE Y LAS MUJERES
La fortuna de la familia Thyssen, una de las más importantes del siglo XX, la inició el abuelo de Heinrich, August, que se dedicó a la fabricación de acero para la floreciente industria de armamento anterior a la Primera Guerra Mundial. De hecho, el abuelo del barón fue el primero de la familia en empezar a interesarse por el arte, aunque la pintura no fuera lo que más le atrajese. Durante la Exposición Universal de París de 1900, August Thyssen conoció al escultor Auguste Rodin, al cual encargó siete estatuas de mármol (cuatro de ellas, hoy se hallan en poder de Carmen Cervera). A la muerte del abuelo August, sería su primogénito, Friedrich, quien se quedaría con el negocio de la industria pesada, mientras que su otro hijo, Heinrich (el padre del barón), se instaló en Hungría, Holanda y Suiza e invirtió en diversos sectores (el emperador le había concedido el título de barón en 1907).
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/04/12/la-enorme-fortuna-de-la-familia-thyssen-que-heredo-el-baron-fue-una-de-las-mas-importantes-del-pasado-siglo-xx-su-abuelo-august-thyssen-sobre-estas-lineas-empezo-a-amasar-una-gran-cantidad-de-dinero-gracias_15bf3d35_800x1142.jpeg)
La enorme fortuna de la familia Thyssen que heredó el barón fue una de las más importantes del pasado siglo XX. Su abuelo August Thyssen, sobre estas líneas, empezó a amasar una gran cantidad de dinero gracias a la industria de armamento anterior a la Primer Guerra Mundial.
La fortuna de la familia Thyssen, una de las más importantes del siglo XX, la inició el abuelo de Heinrich, August, que se dedicó a la fabricación de acero para la floreciente industria de armamento anterior a la Primera Guerra Mundial.
Tras la muerte de su padre en 1947, el jovenHeinrich tomó las riendas de los negocios familiares y logró recuperar la colección que había empezado su abuelo años atrás. Su vida sentimental fue, sin embargo, un poco agitada. Su primera esposa sería la princesa Theresa Lippa, una mujer con mucho carácter, con la cual pasó cuatro años y que le fue infiel con su cuñado, el conde Ivy Batthány. Tras su divorcio, el barón Thyssen conoció a la modelo Nina Dyer. Su siguiente esposa fue una modelo británica llamada Fiona Campbell-Walte, cuyo matrimonio también terminó en fracaso. Su cuarta esposa sería la hija de un banquero brasileño llamada Denise Shorto. El matrimonio pronto hizo aguas, hasta que en su vida apareció la mujer que se convertiría en su gran amor: la española Carmen Cervera.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/04/12/la-vida-amorosa-del-baron-heinrich-thyssen-fue-muy-agitada-llego-a-casarse-hasta-cinco-veces-la-ultima-con-carmen-cervera-en-la-imagen-se-le-puede-ver-a-los-35-anos-cuando-contrajo-matrimonio-con_3e131e8d_800x1082.jpg)
La vida amorosa del barón Heinrich Thyssen fue muy agitada. Llegó a casarse hasta cinco veces, la última con Carmen Cervera. En la imagen se le puede ver en 1956, a los 35 años, cuando contrajo matrimonio con la modelo británica Fiona Campbell-Walte.
RESCATANDO LA HERENCIA
Convertido en mecenas, la primera tarea que se autoimpuso Heinrich fue la de reunir la pinacoteca familiar repartida ente sus hermanos, la cual se propuso recomprar. Sus hermanos impugnaron el testamento del padre porque Heinrich pretendía crean una fundación con las 525 obras que hasta aquel momento había logrado conseguir y que estaban expuestas en la mansión familiar, Villa Favorita, en Lugano (Suiza). Los hermanos del barón preferían disponer libremente de su herencia y vender las obras al mejor postor. Pero para Heinrich la colección iba mucho más allá; además de poseer un valor sentimental, el barón conocía en profundidad los tesoros familiares y el valor que estos tenían.
Convertido en mecenas, la primera tarea de Heinrich fue la de reunir la pinacoteca familiar repartida ente sus hermanos. Estos impugnaron el testamento porque Heinrich pretendía crean una fundación.
En su afán por recuperar la colección completa y ver cumplido el sueño de su padre, la fundación de una pinacoteca accesible al público que recibiría el nombre de Thyssen-Bornemisza, el barón se sumergió en el mundo del coleccionismo de arte. Al final se hizo con obras maestras de artistas como Holbein y Caravaggio, Duccio, El Greco, Rubens, Goya, Van Gogh, Kandinsky, Picasso, Mondrian y Lucio Fontana, entre otros (a principios de la década de 1990, la colección de Heinrich Thyssen constaba de más de 800 cuadros y su gran envergadura hacía imposible su correcta exposición en Suiza). Preocupado por el riesgo de que en un futuro sus herederos quisieran venderla y dispersarla, en la década de 1980 el barón planeó ampliar la galería de Villa Favorita y blindarla jurídicamente mediante una fundación. El anteproyecto fue encargado al arquitecto escocés James Stirling, pero las dudas sobre la viabilidad económica de un gran museo en Lugano, y la respuesta no demasiado entusiasta de las autoridades del país, llevaron al barón a buscar una nueva localización para su proyecto fuera de Suiza.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/04/12/sobre-estas-lineas-un-sonriente-baron-heinrich-thyssen-posa-para-la-fotografia-frente-a-la-obra-de-marc-chagall-la-casa-gris-durante-la-inauguracion-de-la-exposicion-de-su-coleccion-de-arte_3101a4ae_800x547.jpg)
Sobre estas líneas un sonriente baron Heinrich Thyssen posa para la fotografía frente a la obra de Marc Chagall "La casa gris" durante la inauguración de la exposición de su colección en el Museo de Arte de Múnich en agosto de 1988.
DESTINO FINAL
A partir de ese momento comenzó una dura pugna entre distintas naciones para convertirse en sede de la valiosa colección de arte del barón Thyssen. Varios países negociaron con Heinrich Thyssen para que su colección viajara a sus respectivos museos: tanto el príncipe Carlos como la primera ministra británica Margaret Thatcher volaron hasta Suiza para hacer una jugosa oferta al barón, el presidente Mitterand hizo lo propio en favor de Francia, la Fundación Getty ofreció mucho dinero para que Estados Unidos se quedara con la colección, y, por su parte, el gobierno suizo intentó bloquear la exportación de las pinturas para que se quedaran en Lugano. Finalmente fue España quien obtuvo el "premio gordo" y se hizo con los derechos de exponer esta valiosísima colección de arte (según Sotheby's, está valorada en 2.000 millones de dólares), primero con un contrato de alquiler de cinco millones de dólares al año, y un año después por un precio de compra muy ajustado: 350 millones de dólares. Ya lo dijo el barón en una ocasión: "Si soy feliz aquí (en España) y todo sale bien, el arreglo será permanente".
Comenzó una dura pugna entre distintas naciones para convertirse en sede de la valiosa colección de arte del barón Thyssen. Varios países negociaron con Heinrich Thyssen para que su colección viajara a sus respectivos museos
De este modo, la colección de arte del barón Thyssen llegó a España, y 700 de sus obras componen la exposición permanente del Museo Thyssen-Bornemisza, en Madrid, ubicado en el palacio de Villahermosa, y de otra sede, el Monasterio de Pedralbes, en Barcelona, con 60 obras (hoy en día se exponen en el Museo Nacional de Arte de Cataluña). A pesar del que los esfuerzos del gobierno español para que la colección recalara finalmente en España dieron sus frutos, no todos estuvieron de acuerdo con la manera en que se habían llevado a cabo las negociaciones. El barón fue blanco de algunas críticas, como las vertidas por el escritor Francisco Umbral, quien, en una columna de opinión publicada en un periódico español, dijo: ''Esto no fue un acto de generosidad, es sólo un crudo trato comercial''.
ALGUNAS DESAVENENCIAS
Un año después de vender su colección al Estado español, en la primavera de 1994 el barón Thyssen vio su salud muy mermada: tuvo que someterse a dos operaciones derivadas de algunos problemas cardíacos que llevaba arrastrando, y pocos meses después sufrió una grave apoplejía de la que ya no se recuperaría. Tras perder la movilidad de uno de sus brazos, Heinrich Thyssen tuvo que restringir sus apariciones públicas y su estado de ánimo se vio muy afectado por los sucesivos litigios familiares a los que tuvo que hacer frente a causa de la herencia, problemas que finalmente se resolvieron mediante un acuerdo, bautizado por los medios como "El Pacto de Basilea", que fue suscrito poco antes de su muerte en San Feliu de Guíxols (Girona) el 26 de abril del año 2000. Los restos de uno de los mecenas más importantes del siglo XX fueron trasladado al panteón familiar del castillo de Landsberg, situado en la cuenca del Ruhr, donde descansan para siempre.
-
El bigote que compartían chaplin y hitler
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/04/16-chaplin-library-of-congress_bc042cc2_230404013343_1280x1637.jpg)
Tal vez muchos no reconozcan al personaje de la foto histórica de hoy, pero se trata nada menos que de Charles Chaplin, uno de los actores de cine cómico más famosos de la historia. Sin embargo, aquí está casi irreconocible sin su característico bigote.
Y es que, de hecho, el bigote de Chaplin era postizo, una parte más de su vestuario, que incorporó al personaje del vagabundo o Charlot para darle un aire más cómico. Existía otra razón, y era que ese tipo de bigote (llamado “cepillo de dientes” o “sello de correos”) era muy popular en Estados Unidos a finales del siglo XIX, por lo que era representativo del hombre común.
Existe una teoría según la cual el propio Adolf Hitler, que también llevaba este tipo de bigote, lo habría copiado de Chaplin debido a que era un gran cinéfilo. Sin embargo, no es cierta: Hitler inicialmente llevaba un mostacho al estilo bávaro, pero durante la Primera Guerra Mundial sus superiores le ordenaron cortárselo para que pudiera ajustarse bien la máscara antigas; y al terminar el conflicto ya no volvió a la moda anterior.
La similitud de ambos bigotes resultó perfecta para que Chaplin parodiase al líder nazi en su película El gran dictador. Así, el estilo quedó asociado para siempre a Hitler y su popularidad cayó en picado, a pesar de haber sido distintivo también de uno de los personajes más queridos del cine.
-
Chankillo, el observatorio solar más antiguo de américa
El complejo arqueoastronómico de Chankillo, ubicado en la costa centro-norte de Perú, está formado por un conjunto de construcciones que se alzan en medio de un paisaje desértico. Según los investigadores, sus trece torres, situadas sobre la cresta de una colina, unidas a los elementos naturales, permitían la observación tanto de la salida como de la puesta del Sol durante todo el año.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/01/23/vista-aerea-del-complejo-arqueoastronomico-de-chankillo-peru_cd66a804_230123084930_1280x718.jpg)
Perú es uno de los países que atesora uno de los legados históricos y arqueológicos más impresionantes del mundo. La legendaria Machu Picchu, las fortalezas de Ollantaytambo y Sacsayhuamán, la ciudad de Cuzco, la ciudadela de barro de Chan Chan, las huacas del Sol y la Luna o las misteriosas líneas de Nazca son solo algunos ejemplos.
Pero entre los grandes desconocidos del país andino se encuentra el complejo arqueoastronómico de Chankillo, que está considerado por los expertos como el observatorio solar más antiguo de América. De hecho, las ruinas de Chankillo emanan una historia fascinante. Con su ancestral observatorio solar y su gran centro ceremonial de más de 2.300 años de antigüedad, el sitio arqueológico de Chankillo fue declarado Patrimonio Cultural de la Humanidad por la Unesco en 2021.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/01/23/ubicacion-geografica-del-complejo-arqueoastronomico-de-chankillo-en-peru_5ef95257_230123085227_800x494.jpg)
Ubicación geográfica del complejo arqueoastronómico de Chankillo, en Perú.
UNA UBICACIÓN ESTRATÉGICA
Situado en la provincia costera de Casma, en la región de Áncash, se cree que este espectacular tesoro arqueológico pudo haber estado habitado entre 500 y 200 a.C. por los sechín, un pueblo poco conocido, pero con una tecnología lo suficientemente sofisticada como para levantar el enorme complejo astronómico y ceremonial en tan solo 25 años. El sitio arqueológico cubre unos cuatro kilómetros cuadrados y está conformado por trece torres, que miden entre tres y siete metros de altura, construidas en piedra y barro, perfectamente alineadas de norte a sur sobre una colina. El lugar cuenta, al menos, con dos puntos de observación, uno orientado a amanecer y otro a la puesta de Sol.
Según las investigaciones arqueológicas llevadas a cabo en Chankillo, se piensa que el lugar pudo estar habitado entre 500 y 200 a.C.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/01/23/las-trece-torres-del-complejo-de-chankillo-vistas-desde-el-oeste_0628125b_230123085339_800x600.jpg)
Panorámica de las trece torres que aún se alzan en el complejo de Chankillo, vistas desde el oeste.
Esta estratégica ubicación permitía a los habitantes de Chankillo poder señalar con bastante exactitud los solsticios y los equinoccios, los cambios de estación y todos los movimientos cíclicos del astro rey. La precisión de sus observaciones astronómicas era tal que el margen de error se estima en tan solo uno o dos días, lo que demuestra sus avanzados conocimientos astronómicos. De hecho, una de las características que hace de este complejo algo único en el mundo es que, a diferencia de otros antiguos observatorios, las observaciones llevadas a cabo en Chankillo abarcaban todo el ciclo anual del Sol.
LAS TRECE TORRES DE CHANKILLO
Chankillo estuvo formado por un área administrativa, una residencial y una sagrada donde se alzaba un templo circular de unos 300 metros de largo rodeado por unas murallas concéntricas, resguardado en lo alto de la colina, y en cuyo interior se ha descubierto la representación antropomórfica de una divinidad con forma de araña y rasgos femeninos. Además del observatorio, en el complejo también se abrían un grupo de plazas y patios.
Pero, sin duda, lo más llamativo de Chankillo son sus trece torres, que forman una especie de horizonte dentado que se prolonga unos 300 metros y que, de manera coincidente, marca la salida y la puesta del Sol a lo largo de todo el año. Durante el solsticio de diciembre, el Sol se eleva por detrás de la torre situada más al oeste (la torre trece) y seis meses después, durante el solsticio de junio, se observa la salida del Sol a la izquierda de la primera torre.
Chankillo estuvo formado por un área administrativa, una residencial y una sagrada con un templo circular de unos 300 metros de largo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/01/23/vista-general-de-chankillo-con-el-templo-fortificado-en-primer-plano_4204c7f9_230123085436_800x600.jpg)
Vista general de Chankillo, con el templo fortificado en primer término.
De este modo, los sechín disponían de un preciso calendario gracias tanto a esa línea ficticia del horizonte como a las observaciones que realizaban desde las torres, que disponían de una estrecha escalinata que permitía el acceso a una terraza superior desde donde poder contemplar el firmamento.
EL ABANDONO DE CHANKILLO
De hecho, Chankillo debía de presentar un aspecto impresionante en su momento de máximo esplendor. Sus torres pintadas (todavía quedan restos de los pigmentos originales que se usaron en su decoración: amarillo, blanco y ocre), revocadas y ornamentadas debían de sugerir, a quien las contemplase, la idea de que se hallaba en un lugar imponente y sagrado.
Finalmente, Chankillo fue abandonado en el siglo I a.C. Pero ¿por qué se marcharon sus habitantes? A día de hoy todavía se desconoce la causa, aunque uno de los posibles motivos que los investigadores han aducido para explicar su abandono pudo ser la presión que empezó a ejercer en el territorio la emergente cultura chavín, instalada en una región que no tardaría en dominar. Más tarde serían los propios chavín quienes, a su vez, acabaron desapareciendo bajo la presión del pueblo mochica.
Tal vez Chankillo fue abandonado a causa de la presión que empezaba a ejercer la cultura chavín.
De hecho, todos estos conflictos bélicos fueron confirmados por los arqueólogos cuando desenterraron una serie de figurillas que representaban a unos guerreros armados con lanzas, porras y propulsores. A pesar de ello, aún existen muchos misterios por revelar en Chankillo, puesto que hasta la fecha los arqueólogos solo han podido estudiar un uno por ciento de este singular complejo astronómico.
-
Barbarroja, el temible pirata que gobernó en Argel
A principios del siglo XVI, Barbarroja entró al servicio del sultán otomano y protagonizó innumerables ataques contra navíos y ciudades cristianas, en busca de riquezas y esclavos.
TRANSCRIPCIÓN DEL PODCAST
Barbarroja, el célebre corsario de Argel, sembró el terror en el Mediterráneo occidental durante la primera mitad del siglo XVI. Él y su hermano mayor, Aruj, navegaron sin temor saqueando puertos y ciudades, y cargando sus galeras de infinitas riquezas y un número enorme de cautivos. Pero Hayreddín Barbarroja no fue un simple hombre de fortuna con patente de corso, sino un diestro guerrero con olfato político que se convirtió en valioso servidor del sultán otomano Solimán el Magnífico, desafió a todo un emperador, Carlos V, y fundó en Argelia un reino cosmopolita y próspero.
Hayreddín era hijo de un albanés que tras renegar del cristianismo se había asentado en Mitilene, en la isla griega de Lesbos, donde llevaba una vida modesta como alfarero junto a su mujer, viuda de un sacerdote griego. Aruj, el hermano mayor, fue el primero que se lanzó a la aventura del mar, quizás en la marina del Imperio otomano o tal vez en algún navío mercante o corsario. Pero en 1503 el barco en el que viajaba fue atacado y capturado por un galeón de la orden de los caballeros hospitalarios, entonces asentada en Rodas. Apresado, Aruj pasó dos años como galeote en un navío de los caballeros, hasta que logró escapar y pudo reunirse con su hermano Hayreddín. Ambos se establecieron entonces en la isla de Djerba, frente a Túnez; el lugar era una auténtica madriguera de corsarios, a los que se sumaron con entusiasmo.
Sus ataques contra galeras cristianas que surcaban la zona, especialmente españolas, les reportaron importantes ganancias y atrajeron la atención del señor musulmán de Túnez, con el que formaron una asociación. Su flota ascendía ahora a una docena de navíos, y con ellos Aruj y Hayreddín se atrevieron a atacar las plazas españolas del norte de África, como Bugía, donde Aruj perdió un brazo por un tiro de arcabuz.
EL BASTIÓN DE ARGEL
A estas alturas, Aruj soñaba con dejar de ser un simple corsario y convertirse él mismo en jefe de un Estado soberano de la costa norteafricana. La oportunidad le llegó en 1516, cuando el gobernador de Argel le pidió ayuda para expulsar a los soldados españoles del vecino Peñón de Argel. Aruj acudió presto, pero en vez de combatir a los españoles aprovechó la primera oportunidar para deshacerse del gobernador –se dijo que lo ahogó cuando estaba tomando el baño diario en su casa– y proclamarse señor de Argel, ante el alborozo de sus partidarios.
Con la toma inmediatamente posterior de Tenes y Tremecén, Aruj creó un poderoso reino en el norte de África. Era todo un desafío para la monarquía española de Carlos V, y la reacción no se hizo esperar. En 1518, una armada hispana partió de Orán y asaltó Tremecén, acorralando a Aruj. En su huida, éste se refugió en un corral de cabras, y allí un soldado español lo alcanzó con una lanza y lo decapitó.
En Argel, Hayreddín tomó el relevo de su hermano como jefe de los corsarios. Frente a la redoblada presión española, hizo gala de astucia política y decidió buscar la ayuda del sultán otomano. A cambio de la protección militar prestada por Constantinopla, que envió enseguida dos mil jenízaros, Argel se convirtió en una nueva provincia (sanjak) del Imperio otomano. De esta forma, Hayreddín pudo continuar en los años siguientes con la actividad corsaria y a la vez consolidar su Estado, conquistando nuevas plazas en Berbería, como Colo y Bona.
Pese a ello, la principal amenaza a su dominio seguía estando a las puertas mismas de Argel, en el Peñón ocupado por los españoles. En 1529, mientras Carlos V estaba en Italia para coronarse emperador y Solimán asediaba Viena, Hay-reddín se lanzó al asalto de la fortaleza cristiana. Tras 15 días consecutivos de bombardeos, la guarnición española, diezmada, hubo de rendirse. Las crónicas españolas cuentan que Barbarroja mandó matar a palos en su presencia al capitán del fortín, Martín de Vargas.
HÉROE DE LOS MUSULMANES
La fama de Hayreddín se extendió por todo el mundo musulmán del Próximo Oriente. Desde Levante llegaron a Argel corsarios experimentados en busca de fortuna, como Sinán el Judío o Alí Caramán. Del mismo modo, cuando el condotiero genovés Andrea Doria, a instancias de Carlos V, se adentró en el Mediterráneo oriental y consiguió capturar los puertos de Corón, Modón y Naupacto, en el Peloponeso, Solimán mandó llamar de inmediato a Hay-reddín. Éste se apresuró a atender la convocatoria. Para impresionar al sultán, abarrotó sus navíos con presentes de lo más suntuoso: tigres, leones, camellos cargados de sedas y paños de oro, vasos de plata y oro, y también doscientas mujeres destinadas al harén de Estambul, así como buen número de esclavos jóvenes. Solimán, sin duda complacido, nombró a Hayreddín gran almirante de la flota otomana.
Al mando de 80 galeras y 20 fustas, Barbarroja inició entonces una vigorosa campaña naval a lo largo y ancho del Mediterráneo. Tras reconquistar Corón y Naupacto, la armada de Hayreddín aterrorizó las costas de Italia. En Nápoles, tras intentar prender a la hermosísima condesa Julia Gonzaga, que logró escapar por muy poco, Hayreddín y sus hombres saquearon numerosos templos y sepulturas. Barbarroja amenazó incluso Roma, donde el papa Clemente VII agonizaba, abandonado por los cardenales que habían huido tras saquear el erario apostólico. Pero, en realidad, toda la correría de Hayreddín era una estratagema para distraer la atención de la cristiandad de su verdadero objetivo, Túnez, que tomó por sorpresa.
EL DUELO CON CARLOS V
Hizo colocar en los mástiles los estandartes de los barcos españoles hundidos el año anterior y penetró sin resistencia en el puerto
El éxito de Hayreddín fue breve, ya que Carlos V se puso al frente de una poderosa expedición que logró la reconquista de Túnez, tras semanas de duro asedio y cruentos combates. De vuelta en Argel, Barbarroja no se arredró y buscó una ocasión para desquitarse. Sin dilación se embarcó con rumbo a la isla de Menorca, base de la escuadra imperial española. Al llegar a Mahón hizo colocar en los mástiles los estandartes e insignias de los barcos españoles hundidos en Argel el año anterior, y de esta guisa penetró sin resistencia en el puerto. Al darse cuenta del engaño, la escasa guarnición intentó defender las murallas, pero se rindió al cabo de unos días bajo promesa de que se respetaran las vidas y los bienes de los habitantes. El pacto sirvió de poco. Barbarroja saqueó la ciudad y apresó, según las crónicas, a 1.800 personas para venderlas como esclavos.
En los años siguientes, Barbarroja, con una flota de 150 naves, siguió con sus razzias por las costas de los territorios cristianos del Mediterráneo, desde las islas griegas e Italia hasta la península Ibérica. En 1538 derrotó a una gran armada al mando de Andrea Doria cuando éste le había acorralado en el puerto otomano de Préveza, en Grecia, lo que dejó el Mediterráneo oriental en manos de los turcos. En 1541 también rechazó la gran expedición dirigida por Carlos V en persona contra Argel. Dos años más tarde Hayreddín emprendió otra de sus legendarias correrías. De nuevo saqueó las costas del sur de Italia, capturando cientos de esclavos. Tras tomar la fortaleza de Gaeta, cuentan las crónicas que se enamoró, ya septuagenario, de la hija del gobernador español, María la Gaitana, que se llevó consigo.
ACLAMADO EN ESTAMBUL
Desde Italia, Hayreddín se dirigió a Marsella y Tolón, donde fue acogido con todos los honores por las autoridades, en cumplimiento de la alianza entre Francia y el Imperio otomano, unidos por su rivalidad frente a Carlos V. Algunos navíos de Barbarroja recorrieron la costa española, saqueando diversas ciudades costeras, como Rosas, Cadaqués, Palamós y Villajoyosa.
En 1545, Barbarroja se retiró a Estambul, donde vivió el último año de vida, dictando serenamente sus memorias. Falleció el 4 de julio de 1546. Su tumba, el Mausoleo Verde (Yesil Turbe), construida por el famoso arquitecto Mimar Sinan, «el Miguel Ángel otomano», aún se alza en la orilla europea del Bósforo, en el barrio de Besiktas. Durante años, ninguna nave turca abandonó Estambul sin realizar una salva en honor a su más temido corsario al pasar ante su sepultura, donde se lee el siguiente epitafio: «Ésta es la tumba del guerrero de la fe, el almirante Hayreddín Barbarroja, conquistador de Túnez y Argel. Dios lo tenga en su misericordia».
-
Amor, maldiciones y conjuros, la brujería en la antigua roma
Los romanos eran muy aficionados a recurrir a la magia, a los conjuros e incluso al vudú para lograr sus deseos más inconfesables, como la muerte de un rival o el amor del ser querido.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/01/27/villa-ciceron-pompeya_9fa919fa_1280x975.jpeg)
Aurelia, hija adolescente de una familia patricia romana, le ha echado el ojo a Lucio, un joven con una prometedora carrera senatorial por delante. Siguiendo las instrucciones proporcionadas por una mujer de dudosa reputación, escribe en una tablilla de plomo un conjuro de amor para que Lucio corresponda a su amor y, en caso de no ser así, “que se le rompa el pene”. Al terminar, manda a una de sus esclavas de confianza a enterrarlo en un cruce de calles por el que él suele pasar a diario. Ahora solo queda esperar a que la brujería haga su efecto.
Esta podría ser una de los miles de tabillas de defixión (o de maldición) que los antiguos romanos solían usar para sus inconfesables prácticas de brujería. Aunque la magia formaba parte de la religión oficial y contaba con sus propios sacerdotes, a menudo la gente – independientemente de su estrato social – recurría a la brujería, que implicaba prácticas más directas y peligrosas que pedir amablemente un deseo a los dioses y sentarse a esperar que estuvieran de humor para concederlo. Por ese motivo, el estado desconfiaba y perseguía estas prácticas, aunque sin mucho éxito.
MAGIA OFICIAL Y MAGIA PROHIBIDA
La diferencia fundamental entre la magia oficial y la prohibida (aquella que llamaríamos brujería) estaba en el tipo de vínculo que se creaba con las fuerzas sobrenaturales. La primera formaba parte de las prácticas oficiadas por los sacerdotes del estado y era una forma de mediación con lo sobrenatural: en esta categoría podemos incluir la adivinación y las ofrendas a los dioses.
La adivinación, de raíces etruscas, era una forma de intentar prepararse para los acontecimientos conociéndolos por adelantado, y se realizaba mediante una variedad de ritos como observar el vuelo de los pájaros o las entrañas de un animal sacrificado. Las ofrendas consistían en pedir el favor de los dioses e intentar “comprarlos” mediante regalos o sacrificios, pero dichos dioses podían decidir no intervenir o, peor aún, hacerlo en su contra si no habían quedado satisfechos por las ofrendas. Otro tipo de magia que entraba dentro de lo permitido, aunque técnicamente debería haber sido considerada brujería, eran los amuletos, cuya función era ahuyentar el mal o proteger contra los conjuros malignos.
La diferencia fundamental entre la magia oficial y la prohibida (aquella que llamaríamos brujería) estaba en el tipo de vínculo que se creaba con las fuerzas sobrenaturales
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/01/22/fascina-galorromanos-en-el-museo-de-saint-remi-reims-francia_fe68cbf3_800x555.jpg)
Los fascina (plural de fascinum) eran amuletos en forma fálica, muy usados contra el mal de ojo.
La brujería también invocaba fuerzas sobrenaturales, pero en este caso trataba de forzar el uso de sus poderes mediante conjuros y rituales; la diferencia era, pues, que quien los conjuraba supuestamente podía conseguir de forma directa que sus propósitos se cumplieran. Esto lo convertía en un individuo potencialmente peligroso, especialmente por el hecho de que este tipo de magia solía estar ligada a divinidades o entes infernales. Por ese motivo, y porque era un tipo de magia individual que escapaba al control del estado, las autoridades prohibían su uso y perseguían a quienes la empleaban, a pesar de lo cual nunca consiguieron erradicar su práctica.
Para que un conjuro surtiera efecto, había que seguir un procedimiento concreto. Generalmente se acudía a las sagae, lo que llamaríamos hechiceras, que proporcionaban los ingredientes y las instrucciones necesarias o, si se trataba de una poción, la entregaban ya preparada. Las sagae eran muy mal vistas por la sociedad, aunque muchos hicieran uso de sus servicios, y solían vivir en barrios marginales y peligrosos; por lo que un romano o romana de bien enviaría a sus esclavos a encargarse del "recado".
Se trataba en su mayoría de mujeres extranjeras, generalmente griegas, egipcias o del Levante mediterráneo. Empezaron a ser habituales en Roma a finales de la época republicana y su número aumentó considerablemente bajo el Imperio. Las autoridades las veían con extrema desconfianza, ya que incluso los romanos de clase alta eran muy supersticiosos y temían que sus enemigos usaran sus poderes contra ellos: los dos dictadores del siglo I a.C., Sila y Julio César, promulgaron leyes que castigaban con la muerte a quien practicara magia para causar daño a otros; y varios emperadores persiguieron cualquier actividad sospechosa de brujería.
POCIONES, CONJUROS Y VUDÚ
La brujería comprendía tres tipos de conjuros: las pociones, que incluían cosas tan variadas como pócimas de amor, afrodisíacos y venenos; las tablillas de defixión, en las que se escribía una fórmula para pedir un resultado concreto; y las maldiciones, que se realizaban de forma similar a lo que llamaríamos vudú con unas figuras llamadas kolossoi en griego.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/01/22/kolossoi-griego-en-el-museo-del-louvre_52b31e51_590x888.jpg)
Las pociones se encontraban en una línea difusa entre la medicina y la magia: los médicos preparaban remedios que supuestamente podían mejorar la potencia sexual o despertar el deseo; incluso Plinio el Viejo, uno de los grandes naturalistas de la antigua Roma, los menciona, aunque señalando la gran carga de superstición que hay al respecto. Las recetas eran cuanto menos exóticas, con ingredientes como pelo de mula o caballitos de mar. Otras eran venenos, algunos de los cuales resultaban fulminantes y otros eran de acción lenta para hacerlos pasar por enfermedades.
Las tablillas de defixión eran un soporte para escribir conjuros. Se podían fabricar con muchos materiales, pero los preferidos eran la cera por la facilidad de escribir en ella y el plomo por ser un metal ligado al inframundo. En estas había que escribir una fórmula que constaba de tres partes: la invocación a las fuerzas sobrenaturales, la petición de un deseo y las consecuencias en caso de que este no se cumpla. Las más habituales tienen que ver con obtener el amor de otra persona y ofrecen una visión inquietante del deseo humano, ya que a menudo terminan augurando un destino horrible a la persona supuestamente amada si esta no les corresponde, como “que su esposa muera en la noche de la boda”, “que se le rompa el pene” o “que los perros la violen”. También se usaban mucho para lanzar maldiciones. Una vez terminadas, las tablillas debían ser enterradas en lugares considerados de fuerte poder mágico, como los cruces de caminos o junto a un pozo o una cueva, por su conexión con el mundo subterráneo.
Las tablillas debían ser enterradas en lugares considerados de fuerte poder mágico, como los cruces de caminos o junto a un pozo o una cueva
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/01/22/tablilla-de-maldicion-de-bath_e588b70a_800x533.jpg)
Tablilla de maldición de Bath
En esta localidad inglesa se han encontrado unas 130 tablillas de defixión, muchas referentes a robos producidos en las termas. Las víctimas desean al culpable cosas como "que sea maldecida su sangre y ojos y cada miembro, y sus intestinos sean carcomidos si ha robado mi anillo o ha estado al tanto del robo".
Los kolossoi eran estatuillas con forma humana fabricadas generalmente con barro, cera o metal. Procedentes del mundo griego, se empleaban para maldecir a alguien, perforándolas con agujas o clavos, pero podían ser usadas de varias maneras: por ejemplo, se podían enterrar junto con las tablillas de defixión, si el propósito de estas era maldecir a alguien, para potenciar su efecto; o como protección en la entrada de la casa, para que la desgracia cayera sobre los ladrones. Si su efecto iba dirigido a una persona en concreto, se pintaban sus iniciales y se mezclaba con el material de la figura algo que perteneciera a la víctima, como cabellos o un trozo de ropa.
Estas actividades persistieron mucho tiempo después de la introducción del cristianismo, para desesperación de la Iglesia, que las condenaba como prácticas del Diablo. Entre la población, la creencia en la magia siguió arraigada y, he hecho, a menudo las denuncias de brujería no procedían de las autoridades sino de la gente corriente, a raíz de hechos inexplicables como una epidemia o la muerte del ganado. Y ni siquiera el clero estaba libre de esas antiguas creencias: al fin y al cabo, ¿qué eran las reliquias, si no una versión cristianizada de los amuletos romanos?
-
Desentierran una extraña flauta medieval en inglaterra
Durante unos trabajos de excavación llevados a cabo en un yacimiento en el condado de Kent, en Inglaterra, un equipo de arqueólogos ha descubierto una extraña flauta fabricada con hueso de animal datada entre los siglos XII y XV. A pesar de su antigüedad, y de que al instrumento le falta la boquilla para poder soplar, el resto de la flauta se encuentra en perfectas condiciones de conservación.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/11/28/flauta-medieval-hecha-de-hueso-encontrada-durante-una-excavaciones-en-kent_79e2a265_741x486.jpeg)
Flauta medieval fabricada con hueso encontrada durante unas excavaciones arqueológicas en el condado de Kent.
Foto: Cotswold Archaeology
Durante los trabajos de excavación llevados a cabo en el yacimiento de Herne Bay (que abarca 61 hectáreas), al sur de Hillborough, en el condado de Kent, por un equipo de arqueólogos de Costwold Archaeology (empresa dedicada a ofrecer servicios profesionales de arqueología y patrimonio en el Reino Unido), ha tenido lugar un hallazgo insólito: una flauta medieval, del tipo conocido como "flauta de fipple", un instrumento que se sopla por un extremo y que en la actualidad incluye el flageolet, la flauta dulce y el silbato de hojalata.
El instrumento musical fue localizado en un pozo que se hallaba en el interior de un recinto rectangular que estaba rodeado por una zanja, junto a un estrato en el que también se descubrieron fragmentos de cerámica datada entre los siglos XII y XV, lo que podría ayudar a fecharlo. La singular flauta llamó especialmente la atención de los arqueólogos, que comprobaron que fue hábilmente tallada a partir de una tibia de oveja o de cabra y presenta cinco orificios para los dedos en la parte superior y un orificio en la parte posterior para el pulgar. Los investigadores creen que a esta flauta le falta, sin embargo, una boquilla para poder soplar, aunque por lo demás el instrumento está completo y se halla en perfectas condiciones.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/11/28/el-instrumento-ha-sido-tallado-con-cinco-orificios-para-los-dedos-en-la-parte-superior-y-un-orificio-para-el-pulgar-en-la-parte-posterior_cc8d14b1_666x419.jpeg)
El instrumento ha sido tallado con cinco orificios para los dedos en la parte superior y un orificio para el pulgar en la parte posterior.
Foto: Cotswold Archaeology
ALGUNOS EJEMPLOS RAROS
La flauta más antigua de la que se tiene constancia se fabricó con un hueso de buitre leonado hace unos 40.000 años, y también están las polémicas "flautas neandertales", como la que parece una flauta parcial hecha con hueso de oso que es 20.000 años más antigua (aunque no todos los investigadores están de acuerdo en que los neandertales tallasen este tipo de instrumentos y se inclinan a pensar que si estas "flautas" presentan agujeros es porque estos huesos fueron roídos por carnívoros).
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/11/28/recinto-donde-ha-sido-encontrada-la-flauta-fabricada-en-hueso_d4951006_800x533.jpeg)
Recinto donde ha sido encontrada la flauta fabricada en hueso.
Cotswold Archaeology
Sin embargo, existen lagunas en los registros arqueológicos entre las flautas prehistóricas y las que aparecieron por primera vez a principios de la Edad Media, las cuales siguen siendo extremadamente raras según los investigadores. En Gran Bretaña, por ejemplo, solo se han encontrado unos 120 ejemplos de estos objetos, que datan entre los siglos V al XVI, como la que se descubrió en 1964 en Keynsham Abbey, en el condado de Somerset, junto a una moneda acuñada a mediados del siglo XIV. También se han encontrado este tipo de flautas en Winchester, Hampshire; Flaxengate, Lincoln; Coppergate, York, y en Ipswich, Suffolk.
Existen lagunas en los registros arqueológicos entre las flautas prehistóricas y las que aparecieron por primera vez a principios de la Edad Media.
Precisamente por su rareza, los arqueólogos consideran que el hallazgo de esta flauta medieval es de un gran valor histórico y su estudio puede proporcionar más pistas sobre la vida cotidiana de las gentes que vivieron en aquel lejano período.
-
Los otros estragos de la peste negra: La caza de judíos en estrasburgo en 1349
Con la excusa del avance de la peste, dos mil judíos fueron quemados en la hoguera acusados de envenenar los pozos de la ciudad para acabar con la vida los cristianos
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/09/cuadro-de-la-ano-1894-que-representa-la-masacre-de-la-poblacion-judia-de-estrasburgo-en-el-ano-1349_bc492362_800x543.jpeg)
la Europa del siglo XIV se vio asolada por innumerables plagas, a cuál más mortífera, y por terribles guerras que recorrieron prácticamente todo el continente. En ese período, hacia el año 1347, sucedió algo que acabaría teniendo un alcance y una importancia excepcionales. Nos estamos refiriendo a las matanzas de judíos, un fenómeno muy habitual durante toda la Edad Media europea. La terrible peste que asoló Europa a partir de 1348, incrementaría aún más este tipo de actuaciones. Por ejemplo, el 9 de enero de 1349, la práctica totalidad de la población judía de Basilea fue masacrada, acusada de ser la causante de la plaga que se cernió sobre la ciudad. También en Alemania, Suiza y Francia se acusó a la población judía de envenenar la fuentes de agua y causar una gran mortandad entre los cristianos. Una de esas localidades fue Estrasburgo, en la actual Francia, donde el 14 de febrero de aquel mismo año marcaría un antes y un después para los judíos de la ciudad.
PESTE: EL MAL DEL ESTE
Corría el año 1349 y la peste extendía su manto de muerte y destrucción por toda Europa, exterminando a comunidades enteras. Entre los años 1347 y 1352, esta plaga mató a millones de personas. El historiador noruego Ole J. Benedictow estima que el 60% de la población europea sucumbió a causa de la terrible enfermedad. Hay sobrecogedores testimonios, por ejemplo, de la ciudad italiana de Florencia, donde "todos los ciudadanos hicieron poco más que llevar los cadáveres para ser enterrados […]. En cada iglesia cavaron profundas fosas hasta el nivel freático; y así los pobres que morían durante la noche eran atados rápidamente y arrojados a la fosa". Causada por una bacteria llamada Yersinia Pestis, la peste bubónica, llamada así por la inflamación de las ganglios linfáticos que produce en sus víctimas, la transmiten las pulgas que portan las ratas, un animal muy abundante en las ciudades medievales.
Entre los años 1347 y 1352, la peste mató a millones de personas. El historiador noruego Ole J. Benedictow estima que el 60% de la población europea sucumbió a causa de la terrible enfermedad.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/09/detalle-del-oleo-el-triunfo-de-la-muerte-del-pintor-belga-peter-brueghel_cfae1641_800x571.jpeg)
Detalle del óleo El triunfo de la muerte, del pintor belga Peter Brueghel el Viejo. Museo del Prado, Madrid.
Los orígenes de la peste bubónica o peste negra hay que buscarlos en Asia Central,desde donde llegaría al continente europeo. De hecho, el primer gran brote de peste que se desató en Europa tuvo lugar en la ciudad italiana de Mesina en el año 1347, y se extendió rápidamente por todas partes. Cuando la epidemia barrió el continente, la gente, aterrorizada, empezó a buscar al culpable de aquella desgracia, un "cabeza de turco" a quien cargar con las culpas. En aquella época, los judíos europeos, obligados a vivir hacinados en barrios superpoblados, también sufrían el azote de la peste negra, como sus vecinos cristianos, aunque con menos intensidad. Tal vez la moral judaica, que prohibía los excesos y obligaba a sus fieles a practicar abluciones y baños rituales de purificación, contribuyó a frenar la transmisión de la enfermedad.
EL JUDÍO, CULPABLE IDEAL
Así, los judíos europeos resultaron ser el chivo expiatorio perfecto y fueron acusados de propagar deliberadamente la enfermedad como modo de acabar con los cristianos. El historiador alemán Heinrich Graetz describe con precisión la atmósfera que se vivía en aquella época en Europa en su Historia de los Judíos: "Surgió la sospecha de que los judíos habían envenenado los arroyos y pozos, e incluso el aire, para aniquilar de un solo golpe a los cristianos de todos los países". De este modo, las comunidades judías fueron atacadas indiscriminadamente y de las aproximadamente 363 comunidades existentes en Europa en aquel momento, más de la mitad fueron asaltadas por turbas de exaltados que los culpaban de propagar la plaga. Por toda Europa se produjeron ataques: España, Italia, Francia, Países Bajos y Alemania persiguieron y asesinaron a los judíos de sus ciudades.
Las comunidades judías fueron atacadas indiscriminadamente y de las aproximadamente 363 comunidades existentes en Europa en aquel momento, más de la mitad fueron asaltadas por turbas de exaltados que los culpaban de ser los causantes de propagar la plaga.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/09/detalle-del-cuadro-el-triunfo-de-la-muerte-pintado-en-1562-por-pieter-brueghel-el-viejo_9ce1c4aa_438x599.jpeg)
Detalle del cuadro El triunfo de la muerte pintado en 1562 por Pieter Brueghel el Viejo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/09/miniatura-de-la-biblia-de-toggenburg-realizada-en-el-ano-1411_f2c07ce7_800x600.jpeg)
Miniatura de la Biblia de Toggenburg, realizada en el año 1411, que muestra a dos víctimas de la peste cubiertos de bubones.
Para echar más leña al fuego, Carlos IV, emperador del Sacro Imperio, promulgó un edicto por el cual todas las propiedades de los judíos asesinados por su supuesta implicación en la propagación de la plaga podían ser confiscadas por sus vecinos cristianos con total impunidad. Aquel edicto incendió aún más las calles, y las muertes de judíos se multiplicaron exponencialmente. En 1349, un grupo de señores feudales de Alsacia se reunió en la ciudad de Benfeld donde se firmó el llamado Decreto de Benfeld por el que se acusaba formalmente a los judíos de ser los causantes de la peste. También se les culpaba de asesinato y se pedía su inmediata expulsión de todas las ciudades. Pero Estrasburgo en un principio se resistió a aplicar dicho decreto para proteger a su comunidad judía, muy numerosa.
CRÍMENES Y SAQUEOS
A principios de 1349, la peste aún no había llegado a Estasburgo, pero sus habitantes esperaban temerosos que la letal enfermedad atacara en cualquier momento. El obispo de la ciudad, Berthold III, empezó a pronunciar airadas diatribas contra los judíos, que llegaron hasta los funcionaros de la ciudad, quienes en un principio hicieron oídos sordos. Finalmente, el 10 de febrero de 1349, una turba descontrolada derrocó al gobierno municipal e instituyó lo que bautizaron como "gobierno del pueblo", formado por miembros de los gremios locales y financiado por los nobles locales que esperaban quedarse con las posesiones de los judíos una vez estos fueran expulsados. Así las cosas, el viernes 13 de febrero de 1349 la suerte estaba echada para los judíos de Estrasburgo. Las familias se estaban preparando para celebrar el shabat cuando un grupo de hombres enardecidos los sacó a todos de sus casas con violencia y los encarcelaron bajo la acusación de asesinato. Los desconcertados judíos veían desde su encierro cómo se estaban levantando las piras donde, presumiblemente, iban a ser quemados si no, tal como les informaron, renegaban de su fe y se convertían al cristianismo.
Las familias se estaban preparando para celebrar el shabat cuando un grupo de hombres enardecidos los sacó a todos de sus casas violentamente y fueron encarcelaron bajo la acusación de asesinato.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/09/el-triunfo-de-la-muerte-cuadro-realizado-en-1446-por-un-autor-desconocido_a54f507b_718x599.jpeg)
El triunfo de la muerte, fresco en el palacio Abatellis de Palermo realizado en 1446 por un autor anónimo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/09/miniatura-del-pintor-pierart-dou-tielt-en-el-que-la-poblacion-de-tournai-entierra-a-las-victimas-de-la-peste-negra_1a560577_800x481.jpeg)
Miniatura del pintor Pierart dou Tielt en la que se muestra a la población de la ciudad de Tournai enterrando a las víctimas de la peste negra.
Con las primera luces del día de San Valentin, el 14 de febrero, una impaciente multitud se agolpaba en la plaza de la ciudad para presenciar las ejecuciones.En los calabozos, los niños más pequeños fueron arrancados de los brazos de sus padres para ser bautizados y criados como "auténticos cristianos". Al resto, si no se convertían, solo les esperaba la hoguera. Un cronista local llamado Jakob Twinger von Konigshofen describió de este modo la aterradora escena: "Quemaron a los judíos en una plataforma de madera en su cementerio. Había unos dos mil de ellos". Aquel acto de fe llevó horas, y, cuando terminó, la turba exaltada se lanzó sobre las cenizas aún humeantes para llevarse todo lo que hubiera quedado de valor tras la quema.
En la misma crónica, Von Konigshofen destaca que todo aquel horror respondía a una simple motivación económica: "Todo lo que se debía a los judíos fue cancelado [...]. El consejo tomó el dinero que los judíos poseían y lo dividió entre los trabajadores proporcionalmente. El dinero fue, en efecto, lo que mató a los judíos. Si hubieran sido pobres y si los señores feudales no hubieran estado endeudados, no habrían sido quemados". Aquellos terribles actos no solamente no tuvieron consecuencias, sino que, unos meses después, el propio emperador Carlos IV perdonó de manera oficial a toda la ciudadanía de Estrasburgo por la muerte de los judíos, así como por robar su dinero y quedarse con sus bienes.Al final, aquella terrible matanza, como tantas otras, caería en el olvido...
-
El extraño caso del “niño de bengala” que tenía dos cabezas
En el siglo XVIII nació en India un niño que no solo tenía dos cabezas, sino que cada una pensaba y sentía de modo independiente. Se trata del único caso conocido de un individuo que sobrevivió con craniopagus parasiticus, una malformación extremadamente rara.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/02/23/nino-con-dos-cabezas_c37e2032_230223155603_550x477.jpg)
En 1783, en una remota aldea de Bengala (India), nació un niño con dos cabezas, la segunda de las cuales crecía bocabajo sobre la primera. Padecía craniopagus parasiticus, una malformación extremadamente rara de la que, estadísticamente, se han documentado entre 2 y 3 casos por cada 5 millones de nacimientos. Lo más extraordinario del caso es que se trata del único individuo conocido que ha sobrevivido con dicha malformación.
¿MONSTRUOSA CURIOSIDAD O DIVINIDAD?
El niño, cuyo nombre se desconoce si es que alguna vez lo tuvo, llevó una vida más propia de una curiosidad de circo que de una persona. Para empezar, estuvo a punto de no vivir mucho: la matrona que asistió al parto, horrorizada al ver a la criatura con dos cabezas, la arrojó de inmediato al fuego, pero fue rescatada enseguida. La segunda cabeza sufrió quemaduras y le quedó una cicatriz en una oreja.
Los padres, que eran pobres, enseguida vieron que ese niño podía darles mucho dinero. Se mudaron a Calcuta, donde cobraban a la gente por ver y tocar al bebé, que era visto por algunos como una monstruosa curiosidad de la naturaleza y por otros como la encarnación de una divinidad hindú. La fama que alcanzó fue tan grande que los pudientes llegaban a pagar por exhibiciones privadas en sus casas, donde podían examinarlo ya fuese por interés científico o por mera curiosidad morbosa. Varios se ofrecieron incluso a comprárselo, pero los padres se negaron.
El niño vivió, si es que se puede decir así, hasta los 4 años, cuando murió a causa del mordisco de una cobra. Médicos y coleccionistas ofrecieron grandes sumas de dinero para quedarse con el cuerpo, pero los padres eran muy religiosos y decidieron enterrarlo. Esto no impidió que un agente comercial británico con pocos escrúpulos desenterrase el cadáver y lo examinase. Regaló el cráneo a un capitán de la Compañía de las Indias Orientales y este, a su vez, lo entregó a Everard Home, cirujano y coleccionista de curiosidades. Hoy en día el cráneo se exhibe en la colección del Museo Hunterian de Glasgow.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/02/23/nino-con-dos-cabezas-craneo_f84f0b7b_230223155639_800x1123.jpg)
Craneo del "niño de Bengala", conservado en el Museo Hunterian.
Museo Hunterian
DOS CABEZAS INDEPENDIENTES
Cuando el doctor Home diseccionó el cadáver del niño, se quedó sorprendido al comprobar que cada cabeza tenía un cerebro completo. Los cráneos estaban unidos por la coronilla, faltándoles el hueso parietal. La segunda cabeza era parcialmente funcional: tenía la mandíbula pequeña y bajo ella empezaba a formarse lo que debería haber sido el cuello, en el cual encontró unas masas que deberían haber sido los pulmones y el corazón.
Home recogió testimonios de personas que habían visto al niño en vida, entre las cuales se encontraban algunos médicos británicos residentes en la India. Según estos testimonios, la segunda cabeza reaccionaba a los estímulos de forma independiente a la primera: cuando el niño lloraba o reía, la segunda cabeza no siempre hacía lo mismo; ambas pedían de mamar por separado; y podían dormirse o despertarse individualmente. Pero lo más inquietante es que la segunda cabeza dormía con los ojos abiertos, lo cual según los médicos se debía a que estos no reaccionaban a la luz.
El doctor Hope hizo público el caso del “niño de Bengala” en 1790 y acompañó su estudio con dibujos y descripciones detalladas. Se trató del primer caso conocido de una malformación que hoy se conoce como craniopagus parasiticus.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/02/23/nino-con-dos-cabezas-dibujo-medico-2_dd079bed_230223155707_800x798.jpg)
Niño con dos cabezas dibujo médico 2
Ilustración de "An Account of a Child with a Double Head", de Everard Home.
UNA DE LAS MALFORMACIONES MÁS RARAS QUE EXISTEN
Craniopagus parasiticus es una malformación derivada de la separación fallida de dos embriones que habrían debido convertirse en gemelos. El proceso de división del óvulo fecundado no llega a completarse y los dos fetos se desarrollan pegados, pero uno de ellos solo llega a desarrollar la cabeza, que queda pegada al cráneo del feto “huésped”. Se trata de una malformación extremadamente rara: estadísticamente se dan 2 o 3 casos entre 5 millones de bebés.
En toda la historia se han documentado alrededor de una docena de casos, el último de ellos en 2021. De estos, solo cuatro han sobrevivido al nacimiento, mientras que los demás nacieron muertos o murieron a las pocas horas. El primero y más notable fue el niño de Bengala, que al sobrevivir hasta los cuatro años permitió además observar que la cabeza “parásita” era independiente de la “huésped”.
Los otros casos conocidos se han dado en el siglo XXI. En los dos primeros, se procedió por recomendación médica a sacrificar la cabeza “parásita” y extirpar el segundo cráneo: el primero de ellos, una niña dominicana nacida en 2003, no sobrevivió a la operación; el segundo, una niña egipcia nacida en 2004, sí sobrevivió pero murió catorce meses después de la operación, pocos días antes de cumplir dos años, debido a una infección del cerebro. El caso más reciente, un bebé nacido en Rumanía en 2021, murió pocas horas después del parto.
La operación es extremadamente arriesgada porque las arterias de los cerebros están tan mezcladas que resulta muy difícil controlar la hemorragia. Algunos doctores han sugerido que cortar el suministro de oxígeno a la cabeza “parásita” – sacrificándola antes de extirparla – puede aumentar las posibilidades de supervivencia de la otra.
-
Los otros estragos de la peste negra: la caza de judíos en estrasburgo en 1349
Con la excusa del avance de la peste, dos mil judíos fueron quemados en la hoguera acusados de envenenar los pozos de la ciudad para acabar con la vida los cristianos
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/09/cuadro-de-la-ano-1894-que-representa-la-masacre-de-la-poblacion-judia-de-estrasburgo-en-el-ano-1349_bc492362_800x543.jpeg)
La Europa del siglo XIV se vio asolada por innumerables plagas, a cuál más mortífera, y por terribles guerras que recorrieron prácticamente todo el continente. En ese período, hacia el año 1347, sucedió algo que acabaría teniendo un alcance y una importancia excepcionales. Nos estamos refiriendo a las matanzas de judíos, un fenómeno muy habitual durante toda la Edad Media europea. La terrible peste que asoló Europa a partir de 1348, incrementaría aún más este tipo de actuaciones. Por ejemplo, el 9 de enero de 1349, la práctica totalidad de la población judía de Basilea fue masacrada, acusada de ser la causante de la plaga que se cernió sobre la ciudad. También en Alemania, Suiza y Francia se acusó a la población judía de envenenar la fuentes de agua y causar una gran mortandad entre los cristianos. Una de esas localidades fue Estrasburgo, en la actual Francia, donde el 14 de febrero de aquel mismo año marcaría un antes y un después para los judíos de la ciudad.
PESTE: EL MAL DEL ESTE
Corría el año 1349 y la peste extendía su manto de muerte y destrucción por toda Europa, exterminando a comunidades enteras. Entre los años 1347 y 1352, esta plaga mató a millones de personas. El historiador noruego Ole J. Benedictow estima que el 60% de la población europea sucumbió a causa de la terrible enfermedad. Hay sobrecogedores testimonios, por ejemplo, de la ciudad italiana de Florencia, donde "todos los ciudadanos hicieron poco más que llevar los cadáveres para ser enterrados […]. En cada iglesia cavaron profundas fosas hasta el nivel freático; y así los pobres que morían durante la noche eran atados rápidamente y arrojados a la fosa". Causada por una bacteria llamada Yersinia Pestis, la peste bubónica, llamada así por la inflamación de las ganglios linfáticos que produce en sus víctimas, la transmiten las pulgas que portan las ratas, un animal muy abundante en las ciudades medievales.
Entre los años 1347 y 1352, la peste mató a millones de personas. El historiador noruego Ole J. Benedictow estima que el 60% de la población europea sucumbió a causa de la terrible enfermedad.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/09/detalle-del-oleo-el-triunfo-de-la-muerte-del-pintor-belga-peter-brueghel_cfae1641_800x571.jpeg)
Detalle del óleo El triunfo de la muerte, del pintor belga Peter Brueghel el Viejo. Museo del Prado, Madrid.
Los orígenes de la peste bubónica o peste negra hay que buscarlos en Asia Central,desde donde llegaría al continente europeo. De hecho, el primer gran brote de peste que se desató en Europa tuvo lugar en la ciudad italiana de Mesina en el año 1347, y se extendió rápidamente por todas partes. Cuando la epidemia barrió el continente, la gente, aterrorizada, empezó a buscar al culpable de aquella desgracia, un "cabeza de turco" a quien cargar con las culpas. En aquella época, los judíos europeos, obligados a vivir hacinados en barrios superpoblados, también sufrían el azote de la peste negra, como sus vecinos cristianos, aunque con menos intensidad. Tal vez la moral judaica, que prohibía los excesos y obligaba a sus fieles a practicar abluciones y baños rituales de purificación, contribuyó a frenar la transmisión de la enfermedad.
EL JUDÍO, CULPABLE IDEAL
Así, los judíos europeos resultaron ser el chivo expiatorio perfecto y fueron acusados de propagar deliberadamente la enfermedad como modo de acabar con los cristianos. El historiador alemán Heinrich Graetz describe con precisión la atmósfera que se vivía en aquella época en Europa en su Historia de los Judíos: "Surgió la sospecha de que los judíos habían envenenado los arroyos y pozos, e incluso el aire, para aniquilar de un solo golpe a los cristianos de todos los países". De este modo, las comunidades judías fueron atacadas indiscriminadamente y de las aproximadamente 363 comunidades existentes en Europa en aquel momento, más de la mitad fueron asaltadas por turbas de exaltados que los culpaban de propagar la plaga. Por toda Europa se produjeron ataques: España, Italia, Francia, Países Bajos y Alemania persiguieron y asesinaron a los judíos de sus ciudades.
Las comunidades judías fueron atacadas indiscriminadamente y de las aproximadamente 363 comunidades existentes en Europa en aquel momento, más de la mitad fueron asaltadas por turbas de exaltados que los culpaban de ser los causantes de propagar la plaga.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/09/detalle-del-cuadro-el-triunfo-de-la-muerte-pintado-en-1562-por-pieter-brueghel-el-viejo_9ce1c4aa_438x599.jpeg)
Detalle del cuadro El triunfo de la muerte pintado en 1562 por Pieter Brueghel el Viejo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/09/miniatura-de-la-biblia-de-toggenburg-realizada-en-el-ano-1411_f2c07ce7_800x600.jpeg)
Miniatura de la Biblia de Toggenburg, realizada en el año 1411, que muestra a dos víctimas de la peste cubiertos de bubones.
Para echar más leña al fuego, Carlos IV, emperador del Sacro Imperio, promulgó un edicto por el cual todas las propiedades de los judíos asesinados por su supuesta implicación en la propagación de la plaga podían ser confiscadas por sus vecinos cristianos con total impunidad. Aquel edicto incendió aún más las calles, y las muertes de judíos se multiplicaron exponencialmente. En 1349, un grupo de señores feudales de Alsacia se reunió en la ciudad de Benfeld donde se firmó el llamado Decreto de Benfeld por el que se acusaba formalmente a los judíos de ser los causantes de la peste. También se les culpaba de asesinato y se pedía su inmediata expulsión de todas las ciudades. Pero Estrasburgo en un principio se resistió a aplicar dicho decreto para proteger a su comunidad judía, muy numerosa.
CRÍMENES Y SAQUEOS
A principios de 1349, la peste aún no había llegado a Estasburgo, pero sus habitantes esperaban temerosos que la letal enfermedad atacara en cualquier momento. El obispo de la ciudad, Berthold III, empezó a pronunciar airadas diatribas contra los judíos, que llegaron hasta los funcionaros de la ciudad, quienes en un principio hicieron oídos sordos. Finalmente, el 10 de febrero de 1349, una turba descontrolada derrocó al gobierno municipal e instituyó lo que bautizaron como "gobierno del pueblo", formado por miembros de los gremios locales y financiado por los nobles locales que esperaban quedarse con las posesiones de los judíos una vez estos fueran expulsados. Así las cosas, el viernes 13 de febrero de 1349 la suerte estaba echada para los judíos de Estrasburgo. Las familias se estaban preparando para celebrar el shabat cuando un grupo de hombres enardecidos los sacó a todos de sus casas con violencia y los encarcelaron bajo la acusación de asesinato. Los desconcertados judíos veían desde su encierro cómo se estaban levantando las piras donde, presumiblemente, iban a ser quemados si no, tal como les informaron, renegaban de su fe y se convertían al cristianismo.
Las familias se estaban preparando para celebrar el shabat cuando un grupo de hombres enardecidos los sacó a todos de sus casas violentamente y fueron encarcelaron bajo la acusación de asesinato.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/09/el-triunfo-de-la-muerte-cuadro-realizado-en-1446-por-un-autor-desconocido_a54f507b_718x599.jpeg)
El triunfo de la muerte, fresco en el palacio Abatellis de Palermo realizado en 1446 por un autor anónimo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/02/09/miniatura-del-pintor-pierart-dou-tielt-en-el-que-la-poblacion-de-tournai-entierra-a-las-victimas-de-la-peste-negra_1a560577_800x481.jpeg)
Miniatura del pintor Pierart dou Tielt en la que se muestra a la población de la ciudad de Tournai enterrando a las víctimas de la peste negra.
Con las primera luces del día de San Valentin, el 14 de febrero, una impaciente multitud se agolpaba en la plaza de la ciudad para presenciar las ejecuciones.En los calabozos, los niños más pequeños fueron arrancados de los brazos de sus padres para ser bautizados y criados como "auténticos cristianos". Al resto, si no se convertían, solo les esperaba la hoguera. Un cronista local llamado Jakob Twinger von Konigshofen describió de este modo la aterradora escena: "Quemaron a los judíos en una plataforma de madera en su cementerio. Había unos dos mil de ellos". Aquel acto de fe llevó horas, y, cuando terminó, la turba exaltada se lanzó sobre las cenizas aún humeantes para llevarse todo lo que hubiera quedado de valor tras la quema.
En la misma crónica, Von Konigshofen destaca que todo aquel horror respondía a una simple motivación económica: "Todo lo que se debía a los judíos fue cancelado [...]. El consejo tomó el dinero que los judíos poseían y lo dividió entre los trabajadores proporcionalmente. El dinero fue, en efecto, lo que mató a los judíos. Si hubieran sido pobres y si los señores feudales no hubieran estado endeudados, no habrían sido quemados". Aquellos terribles actos no solamente no tuvieron consecuencias, sino que, unos meses después, el propio emperador Carlos IV perdonó de manera oficial a toda la ciudadanía de Estrasburgo por la muerte de los judíos, así como por robar su dinero y quedarse con sus bienes.Al final, aquella terrible matanza, como tantas otras, caería en el olvido...
-
Los gabinetes de curiosidades, un mundo mágico y misterioso
Surgidos durante el Renacimiento, justo cuando se ponía el énfasis en la búsqueda del conocimiento y en los descubrimientos, los llamados gabinetes de curiosidades, reunidos por burgueses, nobles y reyes, se convirtieron en lugares donde admirar desde animales exóticos a antiguas piezas arqueológicas, autómatas o incluso las mejores obras de arte. En la actualidad, su herencia sigue vigente en los actuales museos de historia natural de todo el mundo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/14/presentacion-del-gabinete-de-arte-de-pomerania-obra-del-artista-aleman-anton-mozart-museo-de-artes-decorativas-berlin_9b052240_230414100046_1280x1085.jpg)
Presentación del gabinete de arte de Pomerania, obra del artista alemán Anton Mozart. Museo de Artes Decorativas, Berlín.
A lo largo del Renacimiento, en pleno apogeo de las humanidades, empezaron a proliferar por toda Europa los llamados "cuartos de maravillas", también conocidos como Cabinets de Curiosités en Francia, Wunderkammern en Alemania y Austria, Cabinets of Curiosities o Wonder Chambers en Inglaterra y Kunstkammer en Dinamarca. En España se los llamaba generalmente "gabinete de curiosidades", o también "gabinete de arte y maravilla" o "sala de rarezas". De hecho, estos gabinetes eran unas estancias donde, en su afán por superarse unos a otros, los nobles y burgueses europeos de los siglos XVI, XVII y XVIII coleccionaban y exponían infinidad de objetos exóticos llegados de todos los rincones del mundo.
Antecesoras de los actuales museos de historia natural, en aquellas singulares y exclusivas salas podían contemplarse objetos extraños, muchos de los cuales presentaban unas indudables connotaciones religiosas y mágicas, cosas tan sorprendentes como viales con sangre de dragón, cuernos de unicornio, corderos tártaros (Agnus scythicus), una planta con forma de cordero originaria de Asia Central, o raíces de Baara (una raíz que, como la legendaria mandrágora, tenía forma humana y propiedades mágicas).
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/14/gabinete-de-un-particular-cuadro-pintado-por-el-artista-flamenco-frans-francken-el-joven-en-1625-museo-de-historia-del-arte-viena_b2f8cb12_230414102928_800x597.jpg)
Gabinete de un particular, cuadro pintado por el artista flamenco Frans Francken el Joven en 1625. Museo de Historia del Arte, Viena.
UNA NUEVA VISIÓN DEL CONOCIMIENTO
Así, a diferencia de las colecciones medievales, que lo que pretendían era ensalzar el poder económico, aunque también religioso y mágico, de su poseedor, lo que pretendían los nuevos gabinetes de curiosidades era sumergir al espectador en una especie de microcosmos que englobaba todo lo que se conocía hasta el momento. En realidad constituían una especie de "enciclopedia" cuyo principal propósito era reunir y difundir el conocimiento y el saber que se había logrado acumular hasta entonces.
Los nuevos gabinetes de curiosidades pretendían sumergir al espectador en un micrcosmos que englobaba todo lo que se conocía hasta el momento.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/14/camara-de-arte-y-curiosidades-cuadro-pintando-por-el-artista-flamenco-frans-francken-el-joven-en-1636-museo-de-historia-del-arte-viena_ee4ae334_230414102602_800x744.jpg)
Ca´mara de arte y curiosidades, cuadro pintando por el artista flamenco Frans Francken el joven en 1636. Museo de Historia del Arte, Viena.
De hecho, los nuevos gabinetes de curiosidades se convirtieron en un puente entre lo natural y lo artificial, y en ellos se incluían cuatro grandes categorías: Naturalia (la parte que abarcaba diversos objetos naturales, tanto minerales como animales y vegetales), Artificialia (que incluía obras de arte, antigüedades y todo tipo de aartefactos fabricados o modificados por el hombre), Exótica (plantas, animales, piedras y demás especímenes exóticos) y Scientifica, que agrupaba los instrumentos científicos, autómatas o dispositivos ópticos como los zograscopios (un dispositivo óptico que sirve para mejorar la sensación de percepción de profundidad obtenida a partir de una imagen plana).
PRECEDENTES DE LA EDAD MODERNA
Como hemos apuntado, tanto burgueses como nobles y reyes competían en poseer el "contenedor de maravillas" más completo y extraordinario. Los de algunos monarcas fueron de una gran complejidad, como el reunido por el emperador Rodolfo II de Habsburgo, uno de los más famosos; también destaca la Cámara de Arte y Curiosidades del castillo de Ambras, construida por el archiduque Fernando II de Austria, o el Kunstkamer, un colosal museo de curiosidades naturales creado por el zar Pedro I el Grande en San Petersburgo entre 1719 y 1727.
Otros muy destacables son el del anticuario y alquimista inglés Elias Ashmole, que acabó donando a la Universidad de Oxford en 1677, o algunos creados por ricos burgueses durante el siglo XVII, como el del mercader alemán Johann Dimpfel, de Ratisbona, o el que reunió la familia barcelonesa Salvador en la trastienda de su botica barcelonesa. Aunque, sin lugar a dudas, de todos ellos el más más famoso tal vez sea el reunido por el jesuita alemán Athanasius Kircher.
Entre estos "contenedores de maravillas" destacan el del emperador Rodolfo II de Habsburgo y la Cámara de Arte y Curiosidades del castillo de Ambras.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/14/retrato-de-athanasius-kircher-pintado-por-el-artista-holandes-cornelis-bloemaert-museo-nacional-germanico-nuremberg_5fd1ba27_230414100912_800x1249.jpg)
Retrato de Athanasius Kircher pintado por el artista holandés Cornelis Bloemaert. Museo Nacional Germánico, Núremberg.
Conocido como Theatrum Mundi, el gabinete de curiosidades de Athanasius Kircher constituyó el precedente de las colecciones científicas que vendrían después. Ubicado en las instalaciones del Colegio Romano, su gabinete se enriqueció con artículos de gran valor etnoantropológico y de lo más variados: objetos arqueológicos, mapas topográficos, instrumentos musicales e incluso una colección de conchas que inspirará al mismísimo Borromini la creación de la cúpula de la iglesia de Sant’Ivo alla Sapienza, en Roma.
Asimismo, el gabinete del jesuita incluía máquinas, autómatas y diversos experimentos llevados a cabo por el propio Kircher en diversas disciplinas: óptica, química, magnetismo o acústica. En otro orden de cosas, el gabinete de Kircher también trazaría una línea entre el pueblo llano (iletrado) y los eruditos, que, según el sentir de la época, eran quienes estaban realmente capacitados para comprender el funcionamiento de todas aquellas máquinas, ya que constituían la "élite de la cultura".
OBJETOS DE TODO TIPO
Muchos de estos gabinetes eran en sí mismos un espejo del carácter de su propietario, tanto en lo que concernía a su contenido como en la decoración de la propia estancia. Por ejemplo, a finales del siglo XVI, el estrecho estudio de Francisco I de Médicis en el Palazzo Vecchio de Florencia contenía aproximadamente veinte armarios situados en el centro de la sala con un escritorio y una silla, mientras que las paredes y el techo estaban decorados con pinturas de tema religioso, mitológico y científico, todo ello relacionado con el innegable gusto por la mitología y la alquimia de Francisco.
Por su parte, en el caso del científico italiano Ulisse Aldrovandi, su gabinete constituyó un auténtico aparador de su obra más importante, Monstrorum Historia, un libro a medio camino entre los bestiarios medievales y los modernos tratados de teratología (disciplina científica que, dentro de la zoología, estudia a las criaturas que no entran dentro de la normalidad). Aldrovani incluyó en él ilustraciones que abarcaban desde deformidades reales a auténticas quimeras.
Muchos de estos gabinetes eran en sí mismos un espejo del carácter de su propietario.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/14/retrato-de-rodolfo-ii-en-traje-de-vertumno-cuandro-pintando-por-arcimboldo-en-1591-castillo-skokloster-estocolomo_37ec5a3f_230414102840_800x992.jpg)
Retrato de Rodolfo II en traje de Vertumno, cuadro pintando por Arcimboldo en 1591. Castillo Skokloster, Estocolmo.
Pero si hay dos colecciones que destacan por su originalidad y complejidad son las ya mencionadas del emperador Rodolfo II en Praga y de Fernando II del Tirol, tío del anterior, en el castillo de Ambras, en Innsbruck. En el caso de Rodolfo II, llamado el "emperador alquimista" por su pasión por esta disciplina, solo unos pocos elegidos podían tener el honor de acceder a su "cámara de las maravillas". Rodolfo llegó a acumular todo tipo de artefactos relacionados con el mundo de la magia y la adivinación, joyas de incalculable valor, raíces de mandrágora, extraños artilugios que perseguían el movimiento perpetuo, esculturas, bronces y pinturas de grandes artistas, como Tiziano, Rafael, Durero o Arcimboldo. Esta impresionante colección puede verse hoy en día en el el Museo de Historia del Arte de Viena.
ANTECESORES DE LOS MUSEOS
Por su parte, la colección del archiduque Fernando II fue una de las más interesantes. En torno al Ferdinandeum, el actual Museo Estatal del Tirol, Fernando formó una de las bibliotecas más importantes de su época: contenía 4.000 libros encuadernados en piel, además de una impresionante colección de objetos, dividida en dieciséis grandes armarios de madera noble, que se guardaba en cajas ordenadas por colores según su contenido. Junto a una espectacular sección de "monstruosidades" se exhibía también el famoso e inquietante retrato de Vlad Tepes, el tenebroso príncipe de Valaquia que inspiró al escritor irlandés Bram Stoker para escribir su famosa obra Drácula. Actualmente, la pintura se expone en el castillo de Ambas, en Innsbruck.
La del archiduque Fernando II del Tirol fue una de las colecciones más interesantes e importantes de su época.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/14/retrato-de-vlad-iii-realizado-por-un-artista-anonimo-copia-de-un-original-expuesto-en-la-camara-de-arte-y-curiosidades-del-palacio-de-ambras-innsbruck_f69b5d6b_230414100542_800x969.jpg)
Retrato de Vlad III realizado por un artista anónimo. Copia de un original expuesto en la Cámara de Arte y Curiosidades del Palacio de Ambras, Innsbruck.
A lo largo de los siglos XVIII y XIX, muchos de estos gabinetes de curiosidades fueron reconvertidos en museos. Este sería el caso, por ejemplo, del Real Gabinete de Historia Natural en Madrid, convertido en 1818 en el Real Museo de Ciencias Naturales (el actual Museo Nacional de Ciencias Naturales). Asimismo, en París se conservan cinco estanterías de lo que había sido el gabinete de curiosidades del financiero y coleccionista francés Joseph Bonnier de la Mosson, que actualmente se conservan en el Museo Nacional de Historia Natural de Francia, en París y que hoy en día se exponen a los "curiosos" de manera gratuita. De hecho, estas nuevas instituciones públicas, los museos, marcaron el inicio de la democratización del conocimiento. Y aunque la institucionalización de las colecciones terminaría por hacer desaparecer los gabinetes de curiosidades como tales, no cabe duda de que su legado aún sigue vigente.
-
El verdadero Robinson Crusoe
En el siglo XVIII, Alexander Selkirk pasó cuatro años solo en una isla en medio del Pacífico. Su historia pudo inspirar a Daniel Defoe para escribir su novela sobre el célebre náufrago.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/02/05/captura-de-pantalla-2021-02-05-a-las-95920_623bfff9_550x583.png)
muchos de nosotros hemos leído en nuestra infancia o adolescencia las aventuras de Robinson Crusoe, el famoso náufrago creado por el escritor británico Daniel Defoe. Pero la mayoría desconoce la verdadera historia en la que tal vez se basó el autor inglés para escribir una de las novelas más emblemáticas de la literatura de aventuras. Y es que, al parecer, la historia de Crusoe se inspira en las vivencias de un marino escocés que sí existió en realidad, llamado Alexander Selkirk.
DE OFICIO, PIRATA
Alexander Selkirk nació en 1676 en la localidad escocesa de Lower Largo, un pequeño pueblo pesquero situado en la región de Fife, a orillas del mar del Norte. Se sabe muy poco de su juventud, tan solo que era el séptimo hijo de un zapatero que a los diecisiete años tuvo que hacerse a la mar tras ser acusado de conducta inmoral durante una misa. En sus primeros años como marino sirvió en diversos barcos corsarios. Sus viajes lo llevaron hasta el Pacífico durante la guerra de Sucesión española. El 11 de septiembre de 1703, Selkirk se unió a la expedición comandada por el capitán William Dampier, quien a veces actuaba como bucanero y corsario, a bordo de la nave Cinque Ports,capitaneada por el teniente Thomas Stradling.
Este óleo de Jean-Antoine Gudin representa el abordaje de un navío español frente a la costa de las Bahamas. Los piratas y corsarios fueron una de las grandes amenazas que enfrentó el Imperio español en sus dominios caribeños durante el siglo XVIII.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/02/05/este-oleo-de-jean-antoine-gudin-representa-el-abordaje-de-un-navio-espanol-frente-a-la-costa-de-las-bahamas-los-piratas-y-corsarios-fueron-una-de-las-grandes-amenazas-que-enfrento-el-imperio-espanol_ce9a8f59_800x752.jpg)
Sus primeros años como marino sirvió en diversos barcos corsarios que lo llevaron hasta el Pacífico durante la guerra de Sucesión española.
La tripulación del Cinque Ports saqueó el puerto de Santa María, en Panamá, y tras ello la nave puso rumbo al archipiélago de Juan Fernández, situado a 600 kilómetros de Chile, donde fondeó en una isla llamada Más a Tierra. Allí se desató una discusión entre el propio Selkirk y Thomas Stradling. Selkirk afirmaba que la nave necesitaba una buena reparación antes de continuar el viaje, mientras que Stradling opinaba que no era necesario. Convencido de que el barco corría un grave peligro de hundirse, Selkirk pidió quedarse en tierra firme, a pesar de que el lugar era una isla desierta. Stradling no intentó persuadirlo.Pidió a la tripulación que proveyera a Selkirk con algunos elementos básicos para su supervivencia (un mosquete, pólvora, un cuchillo, un hacha, unas manta y una Biblia), y ordenó dejarlo en tierra.
EN COMPLETA SOLEDAD
Durante los cuatro años que Selkirk pasó solo en la isla, se alimentó básicamente de pescado y de la carne y la leche de las cabras que vivían en libertad en el interior de la isla. Con las herramientas que le dejaron, Selkirk construyó dos cabañas y confeccionaba su propia ropa con la piel de los animales que cazaba. En la isla, Selkirk tuvo que enfrentarse a muchas situaciones peligrosas, entre ellas, y no la menor, la presencia de los barcos españoles que fondeaban allí. Una vez no pudo evitar ser descubierto y fue perseguido, aunque logró escapar. Si hubiera sido capturado por los españoles muy posiblemente hubiera sido condenado a muerte por su condición de corsario escocés.
Durante los cuatro años que Selkirk pasó solo en la isla, se alimentó básicamente de pescado y de la carne y la leche de las cabras que vivían en libertad en el interior de la isla.
Cuatro años después, el 2 de febrero de 1709, llegaron a la isla dos fragatas, la Duke y la Duchess, al mando del futuro gobernador de las Bahamas, Woodes Rogers. El piloto era un antiguo conocido de Selkirk, William Dampier. Cuando las fragatas atracaron en el archipiélago de Juan Fernández para aprovisionarse, vieron con asombro que venía a recibirles un hombre que vestía pieles de cabra y al cual le costaba mucho expresarse. Selkirk se dio a conocer, y le informaron de que el Cinque Ports había naufragado y los supervivientes, entre los que se encontraba el capitán Stradling, habían sido capturados y hechos prisioneros por los españoles. Un sorprendido Rogers declaró: "Uno puede ver que la soledad y el retiro del mundo no es un estado de vida tan insufrible como la mayoría de los hombres. imagínense, especialmente cuando a la gente se la llama justamente o se la lanza inevitablemente, como lo fue este hombre ".
Ilustración de la nave escocesa Duke que en 1709 llegó a la isla Juan Fernández encontrando a Alexander Selkirk tras cuatro años de absoluta soledad.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/02/05/ilustracion-de-la-nave-escocesa-duke-que-en-1709-llego-a-la-isla-juan-fernandez-encontrando-a-alexander-selkirk-tras-cuatro-anos-de-absoluta-soledad_546326cb_800x567.jpg)
Selkirk fue rescatado y retomó su antiguo "oficio" de corsario a las órdenes de Woodes Rogers. Uno de sus "golpes" más sonados lo dio en Guayaquil (Ecuador), cuando se hizo con el oro y las joyas que varias mujeres adineradas escondían entre sus ropas mientras intentaban escapar de la ciudad sitiada. Selkirk también participó en la captura del galeón español Nuestra Señora de la Encarnación y Desengaño, al cual renombraron como Bachelor. Actuó como maestro de navegación de este galeón al mando del capitán Thomas Dover. A bordo del Duke, Selkirk logró asimismo completar un viaje alrededor del mundo a través del cabo de Buena Esperanza.
¿REALIDAD O FICCIÓN?
La increíble historia de Willam Selkirk corrió como la pólvora y llegó a oídos del escritor Daniel Defoe. En 1719, Defoe publicó La vida y las sorprendentes aventuras de Robinson Crusoe, novela que fue recibida con gran entusiasmo por el público. Pero ¿realmente se basó Defoe en la vida de Selkirk para escribir su novela? Una de las mayores expertas en literatura inglesa del siglo XVIII, Paula Backscheider, profesora de la Universidad de Auburn y autora del libro Daniel Defoe: His Life (Daniel Defoe: su vida) no lo cree así. En su obra, la autora considera que es incorrecto considerar a Selkirk como una de las fuentes principales de Robinson Crusoe. De hecho, Backscheider afirma que existen diferencias entre los casos de ambos personajes:Selkirk vivió en una isla localizada en un archipiélago del Pacífico y Defoe sitúa la isla donde naufraga el protagonista de su novela en el Caribe. En Robinson Crusoe, el protagonista permanece en la isla veintiocho años y no totalmente solo, sino en compañía de un indígena al que llamará Viernes. Selkirk, por su parte, permaneció cuatro años en su isla en absoluta soledad. Además, Selkirk decide quedarse en la isla por voluntad propia, y el protagonista de Defoe es un náufrago.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/02/05/primera-edicion-de-la-vida-y-las-sorprendentes-aventuras-de-robinson-crusoe-de-daniel-defoe-en-1719_2207820b_618x534.jpg)
Sea como fuere, el 13 de diciembre de 1721, William Selkirk, el "Robinson Crusoe" de la vida real, murió víctima de la fiebre amarilla mientras llevaba a cabo una patrulla contra los piratasa bordo del HMS Weymouth. Su cuerpo, como marcaba la tradición marinera, fue lanzado al océano.
En 1966, y como homenaje a esta increíble historia, el gobierno chileno rebautizó la isla Más a Tierra como isla Robinson Crusoe y a la isla vecina como isla de Alexander Selkirk (a pesar de que que ésta nunca fuera visitada por el marino escocés). En febrero de 2005 tuvo lugar una excavación arqueológica en la isla Robinson Crusoe,cerca del Mirador de Selkirk, lugar donde se cree que vivió el famoso náufrago. Allí se localizóparte de un instrumento náutico datado a finales del siglo XVII o principios del XVIII. Tal vez constituyó una de las pocas pertenencias que los hombres del Cinque Ports dejaron a Selkirk cuando se hicieron a la mar y lo dejaron allí...
-
No, ningún papa ordenó exterminar a los gatos en la edad media
Un bulo popular afirma que la peste negra se debió en parte al exterminio de gatos promovido por la Iglesia, pero dicha persecución nunca sucedió.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/01/16/gato-en-roma_bac2cfb1_230116164133_1280x853.jpg)
Entre los muchos mitos sobre la Edad Media, uno de los más populares es el que afirma que durante aquella época la Iglesia promovió la matanza de gatos por considerarlos agentes del Diablo. Esto, a su vez, habría facilitado la propagación de la peste negra por parte de las ratas. La realidad, sin embargo, es muy distinta: ningún papa ordenó el exterminio de los gatos y, según un estudio reciente, el número de gatos se mantuvo estable e incluso pudo crecer durante aquella época.
¿A qué se debe esta falsa creencia? ¿Qué problema tenía, supuestamente, la Iglesia con los gatos y en particular con los de color negro? ¿Y que es lo que sucedió en realidad? Sorprendentemente, un mito tan popular tiene su origen en un solo fragmento de una bula papal enviada a una única ciudad en toda Europa.
UN INQUISIDOR CON MUCHA IMAGINACIÓN
El responsable original de este supuesto odio a los gatos fue Conrado de Marburgo, un clérigo de la ciudad homónima en Alemania, por entonces parte del Sacro Imperio Romano. Ejerció como inquisidor a principios del siglo XIII y rápidamente se ganó una fama terrible por su crueldad: consideraba cualquier acusación como una prueba de herejía, torturaba a los acusados y no atendía a ningún razonamiento para probar su inocencia. Quienes caían en sus manos solo podían arrepentirse de sus supuestos pecados y confiar en que les perdonase la vida, al precio de denunciar a supuestos cómplices para que el inquisidor pudiera perseguirlos también.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/01/16/konrad-von-marburg_95b61cff_230116170850_800x955.jpg)
Konrad von Marburg
Conrado de Marburgo en el detalle de una vidriera de la iglesia de Santa Isabel (Marburgo).
Una de sus obsesiones era la persecución de las sectas satánicas que, a su entender, proliferaban por todo el imperio. Tanto era así que, cuando el papa Gregorio IX fue elegido en 1227, le escribió una serie de cartas en las que denunciaba los supuestos ritos satánicos que realizaba una secta luciferina de Maguncia. Los describía con gran número de detalles, algunos totalmente inverosímiles, seguramente con la intención de asustar al papa para que considerase cuán necesario era su trabajo como inquisidor. En una de estas cartas describe un rito iniciático de la secta: después de un banquete, aparece la estatua de un gato negro con la cola erguida, que cobra vida y se pone a caminar hacia atrás; los asistentes, entonces, le besan las nalgas y después se entregan a una orgía.
Al margen de cuánto se creyese las detalladas descripciones de Conrado de Marburgo, el papa pensó cuanto menos que la amenaza de la herejía existía. En 1233 publicó la bula Vox in Rama, dirigida al rey alemán Enrique VII, en la que le ponía en guardia sobre las supuestas actividades heréticas que se realizaban en Maguncia y reproducía las cartas del inquisidor; el rey, a su vez, la envió a las autoridades de la ciudad. Pero ni la bula, ni el papa, ni el propio inquisidor pedían en ningún momento exterminar a los gatos.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/01/16/gatos-manuscritos-medievales-1_18e394e1_230116164315_800x535.jpg)
Gatos manuscritos medievales
Gatos en un bestiario del siglo XIII. Los gatos aparecen muy a menudo en los manuscritos medievales, lo que no hace pensar que fueran animales denostados.
LA AUSENCIA DE GATOS NO FAVORECIÓ LA PESTE NEGRA
Resulta bastante inverosímil imaginar que dicha bula, que además fue enviada solo a Maguncia o, como mucho, a otros territorios bajo la jurisdicción de Enrique VII, diera origen a una matanza generalizada de gatos en toda Europa hasta el punto de diezmar su población. Más extraño aún sería que tuviese relación con la peste negra: esta se produjo más de 100 años después de la publicación de Vox in Rama y, además, la epidemia causó estragos también en los territorios no sujetos a la autoridad del papa, como el Imperio Bizantino, Egipto y Asia.
Los gatos no fueron perseguidos durante la Edad Media, al contrario: su popularidad como mascotas creció.
Ningún registro histórico da fe de que se produjeran persecuciones de índole religiosa o de otro tipo contra los gatos durante la Edad Media europea. Más bien era al contrario: cuando una ciudad sufría una plaga de roedores la solución habitual era traer gatos y soltarlos por las calles para que acabaran con el problema. Además, mantenían a raya a los animales que dañaban los cultivos y no eran caros de mantener, ya que al contrario que los perros, cazaban su propio alimento. La persecución de gatos durante la Edad Media tiene algo de verdad, pero de forma puntual y por razones distintas: el hambre. Durante las hambrunas y especialmente los asedios a las ciudades, cuando la comida empezaba a escasear, los gatos callejeros eran cazados como alimento.
También eran apreciados como animales de compañía desde hacía siglos y esto no cambió a raíz de las cartas delirantes del inquisidor alemán. Es más, un estudio reciente sobre la expansión del gato doméstico por Europa apunta a que la popularidad de estos animales como mascotas se mantuvo e incluso creció durante el Medievo. Para desmentir del todo su supuesta asociación con el Diablo, basta decir que incluso en los monasterios solía haber gatos, como demuestran las manchas de tinta con forma de pata encontradas en las páginas de algunos manuscritos: una prueba de que su manía de pasearse por encima de los objetos de sus dueños viene de lejos.
-
EL KETCHUP SE VENDÍA EN LA DÉCADA DE 1830 COMO MEDICINA
(https://www.autopista.es/uploads/s1/10/54/68/39/en-el-siglo-xix-el-ketchup-curaba-la-indigestion_1_1000x575.jpeg)
En el siglo XIX, el ketchup curaba la indigestión.
Fuera el ibuprofeno. En la década de 1830, cuando se trataba de medicina popular, el ketchup estaba de moda. En 1834, un médico de Ohio llamado John Cook lo vendió como una cura para la indigestión. No se popularizó como condimento hasta finales del siglo XIX.
-
(https://st1.uvnimg.com/dims4/default/40fbe35/2147483647/thumbnail/1024x576%3E/quality/75/?url=https%3A%2F%2Fuvn-brightspot.s3.amazonaws.com%2Fassets%2Fvixes%2Fbtg%2Fcuriosidades.batanga.com%2Ffiles%2F9-grandes-curiosidades-de-la-historia-que-quiza-no-conocias-3.jpg)
El primer parto con anestesia
En La Biblia puede leerse: «Parirás con dolor», pero gracias a la ciencia, ya no tiene que ser así. En 1847 se realizó el primer parto utilizando anestesia. La madre estaba tan agradecida que el nombre de su hija fue Anestesia, aunque claro, no sabemos si la hija estaba agradecida por llevar tan peculiar nombre.
-
Perros de guerra, el soldado más fiel y más antiguo
Desde tiempos remotos, el perro ha realizado diversos servicios para sus amos humanos, desde vigilar el ganado a ser su más fiel amigo. Pero el perro también ha actuado como un valiente soldado, a veces muy temido, en los numerosos conflictos bélicos que han sacudido la historia humana desde la Antigüedad hasta nuestros días.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/13/mosaico-romano-con-escena-de-caceria-hallado-en-argelia_68868d04_1280x968.jpg)
En toda la historia, los perros han sido empleados por los seres humanos para llevar a cabo muy diversos menesteres. Algunos han sido utilizados como efectivos guardianes, otros como valientes exploradores, algunos como certeros rastreadores y, los más fuertes y peligrosos, como temidos perros de combate. El tipo de entrenamiento que recibían estos animales variaba mucho dependiendo de sus características físicas y de las funciones que debían realizar. Algunas razas tenían una mejor complexión física para desempeñar acciones de ataque y defensa, mientras que otras poseían un olfato privilegiado que les facultaba para seguir rastros o desempeñar trabajos de guardia. De este modo, la función del perro en los conflictos bélicos se adaptó a las necesidades de las distintas civilizaciones a lo largo del tiempo.
EN EGIPTO Y GRECIA
En el antiguo Egipto, es muy posible que el uso del perro fuera introducido por los hicsos procedentes del Próximo Oriente cuando se establecieron en el país del Nilo, hacia 1530 a.C. Existen testimonios que confirman el uso bélico del perro durante el reinado de Tutankamón (h. 1334-1325 a.C.). Siglos después, el ejército del rey lágida Ptolomeo II (285-246 a.C.) llegó a utilizar 2.500 perros en sus efectivos. Para los egipcios, el perro era un animal divino (Anubis, el dios de la momificación, tenía forma de cánido), lo que fue aprovechado por el rey persa Cambises II en la batalla de Pelusio, en 525 a.C. Sabiendo de la importancia de este animal en el mundo egipcio, se dice que el persa atacó con unas fuerzas compuestas, además de por soldados, por numerosos perros, que usó como defensa contra la infantería egipcia, y además decoró unas armaduras con la imagen de la diosa gata Bastet (también adorada por los egipcios), lo que al parecer provocó la reticencia de los soldados egipcios a golpear contra aquella desconcertante defensa.
https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/13/tutankhamon-arremete-contra-sus-enemigos-acompanado-de-perros-de-combate-arqueta-hallada-en-su-tumba-museo-egipcio-el-cairo_b8a9beaf_795x537.jpg
Tutankhamón arremete contra sus enemigos acompañado de perros de combate. Arqueta hallada en su tumba. Museo Egipcio, El Cairo.
En la batalla de Pelusio, el rey persa Cambises utilizó fuerzas compuestas por numerosos perros y decoró unas armaduras con la imagen de la diosa gata Bastet, lo que provocó la reticencia de los egipcios a atacar.
Persas, griegos y macedonios también se beneficiaron de los servicios de los perros en sus guerras. El moloso, un can con un hocico corto y un cuello poderoso, al igual que sus mandíbulas, fue una raza adiestrada para la lucha. Procedente de Persia, este tipo de perro ya aparece en algunos relieves del palacio del rey asirio Asurbanipal en Nínive. A mediados del siglo VII a.C., demostraron ser un arma fundamentalen la guerra entre las ciudades jonias de Éfeso y Magnesia del Meandro. Se cuenta que cada soldado iba al combate acompañado por su perro de ataque, al que soltaba para romper las líneas enemigas. También durante las guerras médicas, en el siglo V a.C., los ejércitos del rey persa Jerjes utilizaron este tipo de perros para desorganizar las compactas formaciones de los hoplitas griegos. Asimismo, según algunos autores, el rey macedonioAlejandro Magnoposeía un perro de combate llamado Periles o Peritas.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/12/mosaico-pella-perro-alejandro-magno_3e8abe24_462x450.jpg)
El mosaico de Pella, del siglo IV a.C., muestra a los que posiblemente sean Alejandro Magno y Efestión participando en una caza acompañados por un perro que contribuye a reducir la presa.
LOS MOLOSOS
Lo romanos usaron a los perros molosos como vigilantes de rebaños, en los almacenes y en las villas, y las legiones romanas lo incorporaron también como animal de combate. Como impedimenta de protección estos perros llevaban cotas de malla y collares de afiladas púas. Eran unos canes gigantescos, que en algunos casos podían pesar más de 80 kilos. Marco Terencio Varrón describe cómo debe ser un moloso: "Debe tener una cabeza grande, orejas caídas, los hombros y el cuello gruesos, patas anchas, un ladrido profundo y ser de color blanco con el fin de reconocerlo más fácilmente en la oscuridad [....]. Debe llevar un collar de cuero tachonado de clavos para proteger el cuello".
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/13/perro-guardian-mosaico-de-una-casa-romana-de-pompeya_074d7d62_800x533.jpg)
Perro guardián. Mosaico de una casa romana de Pompeya.
Los molosos eran unos canes gigantescos y fueron usados como vigilantes de rebaños, almacenes y en las villas, y las legiones romanas lo incorporaron como animal de combate.
De la eficacia de sus servicios y de la inteligencia de estos perros se hace eco Plutarco en esta anécdota: "Cincuenta perros y una exigua guarnición defendían la ciudadela de Corinto. Los soldados aprovechando la festividad de Afrodita se emborracharon, cosa que aprovecharon los enemigos para tomar posición y matar a todos los perros. Sólo uno consiguió escapar y avisar a los ciudadanos de Corinto, que, alertados por los ladridos del can, enviaron refuerzos al fuerte y lo recuperaron, salvando a la guarnición". Como premio, al animal se le concedió un collar de plata en el que se grabó el título de Salvator. Asimismo, Marco Pomponio Mato sofocó hacia 231 a.C. una revuelta en Cerdeña y utilizó perros para dar caza a los rebeldes. Pero a veces eran los romanos quienes sufrían los embates de una jauría de perros enemigos, como le ocurrió al cónsul Quinto Fabio Máximo Alobrógico cuando fue atacado por el ejército canino del rey arverno Bituito en el año 120 a.C.
EN LA CONQUISTA DE AMÉRICA
El perro también jugó un papel importante en la península ibérica durante la Reconquista (772-1492), pues ya existía una raza característica de Castilla: la que hoy denominamos alano español, un perro fornido de más de medio metro de altura y unos cuarenta kilos de peso que además era veloz. Descendiente de una mezcla de varias razas de perros de presa, cuya introducción se atribuye tradicionalmente a los vándalos o alanos, éste es el perro que jugaría un papel importante en la conquista de América.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/12/_626568b5_791x695.jpg)
El grabado sobre estas líneas representa una escena de la Conquista española de América en la que aparece Vasco Núñez de Balboa ordenando el ataque de sus perros sobre los nativos.
El alano español es un perro fornido de más de medio metro de altura y unos cuarenta kilos de peso, descendiente de una mezcla de varias razas de perros de presa, que además era veloz.
Por ejemplo, Bartolomé Colón, el hermano del Almirante, se llevó a doscientos hombres para la campaña contra los caribes y una escolta similar de perros, lo que acredita la importancia que se daba a estos animales como arma de combate. Con su sola presencia sembraban el terror entre las filas enemigas. Siempre iban en primera línea de combate acompañando a los ballesteros, por delante de los arcabuceros y muchas veces atacaban conjuntamente con la caballería. Algunos tuvieron actuaciones heroicas, como Becerrillo, un alano español que murió de un flechazo intentando salvar a su amo, el capitán Sancho de Arango. Estos perros iban protegidos con tiras de cuero en el lomo y llevaban unas potentes protecciones de fieltro. A todo esto se añadían grandes collares dentados y un durísimo entrenamiento. Sus amos cobraban una soldada adicional por cada perro.
UNIDADES CANINAS MODERNAS
Durante la Primera Guerra Mundial, las razas caninas utilizadas para las operaciones militares fueron diversas: el airdale terrier, el pastor alemán alsaciano, el rottweiler o el schnauzer gigante tuvieron que acostumbrarse al ruido de los morteros y los obuses en unas condiciones terribles, ya que sus dueños no podían prácticamente proporcionarles una alimentación adecuada. En cambio, en los campos de adiestramiento recibieron una dieta sana y un buen método de ejercicios. Francia fue el primer país que pretendió utilizar a los perros en las maniobras de infantería, aunque nunca pudo desarrollar el proyecto por falta de financiación. Serían los alemanes y los rusos los primeros en utilizar a los perros en primera línea de combate, empezando por adiestrarlos en tareas de mensajería, aunque estaba prohibido manifestarles cariño ni acariciarlos.
las razas caninas utilizadas para las operaciones militares fueron diversas: el airdale terrier, el pastor alemán alsaciano, el rottweiler o el schnauzer gigante.
Los alemanes establecieron dos escuelas caninas que podían albergar a más de dos mil perros, donde eran entrenados como centinelas, guardianes o mensajeros. Incorporados en una nueva unidad llamada K-9, los animales recibían entrenamiento como cualquier otro miembro de la infantería, de la Lutwaffe (la fuerza aérea) o de las divisiones acorazadas Panzer. La división canina alemana intervino en los frentes de Francia, Rusia, Países Bajos, Italia, Polonia, Noruega y en el Norte de África, donde sirvieron a las órdenes del Afrika Korps del mariscal Rommel.
RECONOCIMIENTO A LOS SERVICIOS PRESTADOS
Durante la Segunda Guerra Mundial varios perros destacaron por sus actuaciones en ambos bandos, como un pastor alemán llamado Bob que llegó a localizar a más de dieciséis soldados heridos que tras un bombardeo se arrastraban perdidos en el campo de combate. Cuando Bob descubría a un soldado herido, se echaba a su lado para que el herido pudiera coger algo de lo que llevaba en un botiquín adosado en su lomo. En el bando aliado sirvió Rob, que como paracaidista salto más de veinte veces para desempeñar misiones secretas. Otro caso es el de Ricky, que a pesar de estar herido siguió llevando a cabo sus labores como detector de minas. Otros perros como Belleza, Peter, Irma, Jet o un pequeño fox terrier llamado Beauty resultaron fundamentales para localizar supervivientes durante los bombardeos alemanes en Londres.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2020/11/12/dickin-medal-antis-dog_abfb07dc_800x606.jpg)
Este pastor alemán llamado Antis recibió una medalla Dickin en reconocimiento por los servicios prestados durante la Segunda Guerra Mundial junto a su propietario, que luchó en la Royal Air Force británica.
Perros como Belleza, Peter, Irma, Jet o un pequeño fox terrier llamado Beauty resultaron fundamentales para localizar supervivientes durante los bombardeos alemanes en Londres.
Para premiar tanta valentía y fidelidad se creó en 1943 la medalla Dickins, galardón que a día de hoy sigue vigente y que pretende rendir tributo a aquellos animales que con su esfuerzo, y en muchos casos con su vida, han ayudado al ser humano en épocas de conflicto. En Londres se alza un monumento conmemorativo que recuerda no sólo a los perros premiados con esta medalla, sino a todos aquellos animales anónimos (caballos, mulas, palomas, etc.) que, según ha recordado Jilly Cooper, presidenta de la PDSA (Dispensario Popular para los Animales Enfermos, por sus siglas en inglés), "sin tener idea de porque habían sido arrastrados a los conflictos de los hombres, actuaron solamente movidos por la lealtad y el afecto".
-
Betty Broadbent, la mujer más tatuada del mundo
Pionera del tatuaje femenino, Betty Broadbent desafió las normas y los estereotipos de belleza que debían cumplir las mujeres en los años treinta. Conocida como la "Venus Tatuada", Betty, que trabajó como artista circense, entendió los tatuajes como una forma de autoafirmación, convirtiéndose en un modelo a seguir para las mujeres que en el futuro decidieron tatuar completamente sus cuerpos.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/12/08/foto-de-betty-durante-su-estancia-en-australia_bddfb7f6_550x718.jpeg)
A lo largo de la historia siempre ha habido alguien que, de un modo u otro, decide romper con los estereotipos imperantes en su época y convertirse en un pionero. Esta actitud suele allanar el camino a otros que deciden seguir sus pasos a la hora de transgredir las normas. Este es el caso de Betty Broadbent, más conocida como la "Venus tatuada", una mujer que decidió adelantarse a su tiempo y transformar su cuerpo en un auténtico lienzo. De este modo, Betty fue la precursora de muchas otras mujeres que verían en el tatuaje una pasión y una manera de liberarse de los convencionalismos sociales que las constreñían.
Lee sin límites la revista Historia National Geographic por solo 3€/mesEmpieza ahora
UNA DECISIÓN IMPORTANTE
Betty nació en Filadelfia el 1 de noviembre de 1909, y su fascinación por los tatuajes empezó muy temprano, cuando apenas tenía catorce años. Betty trabajaba como niñera para una familia acomodada de Atlantic City cuando, durante uno de sus días de descanso, y mientras paseaba por el famoso paseo marítimo de la localidad, se topó de bruces con Jack Red Cloud y su espectáculo callejero. Jack se exhibía por las calles de las ciudades mostrando su cuerpo tatuado a cambio de unas monedas.En ese momento, Betty quedó absolutamente fascinada por el cuerpo tatuado de aquel hombre, del que apenas se atisbaba un resquicio de piel sin decorar.
Mientras paseaba por el famoso paseo marítimo de Atlantic City, Betty se topó de bruces con Jack Red Cloud y su espectáculo callejero. Jack se exhibía por las ciudades mostrando su cuerpo tatuado a cambio de unas monedas.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/12/08/betty-brioadbent-la-venus-tatuada-durante-una-sesion-fotografica_1c0142ac_800x600.jpeg)
Betty Broadbent, la "Venus tatuada", durante una sesión fotográfica.
Tras charlar un rato con él, Betty, entusiasmada, le pidió que le presentara a su tatuador, puesto que ella también quería que su cuerpo se convirtiera en un hermoso lienzo decorado. Pero Jack advirtió a Betty de que antes de dar ese paso debía estar totalmente segura de lo que iba a hacer. Jack le dijo muy en serio que aquella decisión era fundamental puesto que una vez hecho ya no había vuelta atrás. A pesar de la advertencia, Betty decidió gastar todos sus ahorros en un viaje a Nueva York para conocer al amigo de Jack, el famoso tatuador Charlie Wagner. Conocido como "Chas" Wagner, este artista neoyorquino se convirtió en una leyenda no solo por patentar un nuevo modelo de máquina de tatuar (lo que facilitaba el trabajo al tatuador y hacía el proceso menos doloroso), sino también por tatuar totalmente el cuerpo de muchos enamorados de la tinta durante la primera mitad del siglo XX.
TATUAJES DE TODO TIPO
Durante mucho tiempo, los tatuajes habían estado reservados única y exclusivamente a los hombres, aunque no a todos. A principios del siglo XX se creía que los tatuajes eran cosa de marineros o de convictos. Pero a pesar de que aquel tipo de arte no cuadraba con la estética femenina imperante en la época, el cuerpo de Betty llegaría a lucir más de 327 tatuajes en 1927, aunque no todos realizados por "Chas" Wagner. En la piel de Betty también dejaron su huella otros artistas del tatuaje como Joe Van Hart, Tony Rhineager y Roja Gibbons. Betty lució tatuajes de lo más variopinto, como la cara de Charles Lindbergh en una pierna y la de Pancho Villa en la otra. Uno de sus tatuajes más famosos era el de un águila que se extendía de hombro a hombro y que, según la revista australiana Pix, requirió de unas seis sesiones para terminarlo. En su espalda, bajo las alas del águila, Betty mostraba las caras de la Virgen María y del Niño Jesús.
Betty lució tatuajes de lo más variopinto, como la cara de Charles Lindbergh en una pierna y la de Pancho Villa en la otra. Uno de sus tatuajes más famosos era el de un águila que se extendía de hombro a hombro.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/12/09/imagen-de-betty-broadbent-tomada-el-4-de-abril-de-1938_10879303_482x600.jpeg)
Imagen de Betty Broadbent tomada el 4 de abril de 1938.
En una entrevista ofrecida al periódico The Daily Telegraph, sorprendentemente Betty aseguró que desconocía que los tatuajes fueran permanentes, y más tarde, cuando se le preguntó al respecto, Betty aseguró que "dolió mucho, pero valió la pena". Una vez logró lucir un cuerpo tatuado, a Betty no le fue difícil encontrar trabajo. Así pues, en 1927, se uniría al circo Ringling Brothers y Barnum and Bailey’s donde adoptó el papel de la "Dama Tatuada" (aunque al final el público la bautizó como la "Venus Tatuada"). Betty siempre iniciaba sus actuaciones saliendo al escenario envuelta en una túnica de terciopelo, y cuando el maestro de ceremonias la presentaba con el característico y clásico: "Y ahora, damas y caballeros, la dama que está diferente", Betty dejaba caer la túnica y revelaba su cuerpo ceñido en un bañador para que el público pudiera admirar sus tatuajes a placer.
RECATADA A PESAR DE TODO
Con todo, Betty quería mostrarse al público como una mujer seria y respetable. De hecho, nunca enseñó más piel de la que tapaba su bañador y evitó contar historias extravagantes como por ejemplo que era una nativa exótica que había sido capturada en su país. A pesar de que tampoco quería que la llamaran por su nombre artístico, Betty lo acabó aceptando porque, de hecho, eso era lo que deseaba el publico que iba a verla. Con el paso del tiempo, cuando mostrar el cuerpo femenino empezó a no ser tan escandaloso, Betty se hizo tatuar también los muslos por el reconocido tatuador Bert Grimm, y decidió acortarse el traje de baño para que el público asistente a sus espectáculos los pudiera contemplar bien.
Betty se hizo tatuar también los muslos por el reconocido tatuador Bert Grimm, y decidió acortarse el traje de baño para que el público asistente a sus espectáculos los pudiera contemplar bien.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/12/09/foto-de-betty-broadbent-tomada-en-una-sesion-de-fotos-en-australia_46533a64_650x895.jpeg)
Foto de Betty Broadbent tomada en una sesión de fotos en Australia.
Tras varios años de trabajar como atracción de circo, Betty decidió aportar algo nuevo a su espectáculo. La artista estaba muy familiarizada con los demás números circenses y decidió actuar como amazona en el espectáculo del Salvaje Oeste del actor Harry Carey. De hecho, Betty quería innovar puesto que temía que al final el público se aburriera de verla hacer siempre mismo. Más tarde Betty, con la intención de dar más visibilidad a las mujeres, participó en un concurso de belleza televisado en la Feria Mundial de 1939 en Nueva York. A pesar de que no ganó el premio, su participación al menos sirvió para que la sociedad empezara a ver a las mujeres tatuadas no como una simple curiosidad circense, sino como algo que ya empezaba a normalizarse.
DE TATUADA A TATUADORA
Tras participar en el concurso de belleza de la Feria Mundial, Betty llevó su espectáculo a Nueva Zelanda y Australia, donde siguió actuando como la "Dama Tatuada" en varios circos independientes. A su regreso a Estados Unidos, Betty volvió a ser la atracción principal tanto del Circo Cole Brothers como del Circo Sells Floto. Pero Betty fue más allá. Así, cuando terminaba la temporada de actuaciones trabajaba como tatuadora en un local de Market Street, una de las calles de ocio más importantes de San Francisco ("cuando termine mi trabajo me dedicaré a hacer tatuajes. Tatúo jinetes con caballos, boxeadores con emblemas de pelea, nombres de amantes, flores en las piernas", dijo en una entrevista). De todos modos, Betty siguió actuando como la "Venus Tatuada" bastante tiempo después de que la mayoría de atracciones circenses del mismo tipo desapareciera por completo del mundo del espectáculo.
Cuando terminaba la temporada de actuaciones, Betty trabajaba como tatuadora en un local de Market Street, una de las calles de ocio más importantes de San Francisco.
Se dijo que Betty se retiró a los 58 años, en 1967, añorando las giras y todo lo que aquel mundillo de la farándula había significado para ella. Al final, dedicada en cuerpo y alma al mundo del tatuaje, Betty fue la primera persona en entrar a formar parte del Salón de la Fama del Tatuaje en agosto de 1981, y tras una vida llena de aventuras y de éxitos allí donde actuaba, y de pasar sus últimos años trabajando como tatuadora en su casa de Florida, Betty Boradbent, la mujer más tatuada del mundo, murió el 28 de marzo de 1983 mientras dormía, a la edad de 74 años.
-
¿Cuál es el origen del día del trabajador y por qué EE.UU no lo celebra el 1 de mayo?
El Día del Trabajador tiene su origen en mayo de 1886, en Chicago. Sin embargo, mientras muchos países lo celebran el día 1 de este mes, Estados Unidos lo hace el primer lunes de septiembre. Y, aunque parezca un error, existe una razón.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/27/chicago-1906_0a846602_230427113952_1280x1000.jpg)
Cuatro trabajadores fundiendo arrabio en la Fundición Iroquois, Calumet Harbor, South Chicago (1906).
El 1 de mayo -o Primero de Mayo- se celebra el Día del Trabajador en gran parte del mundo. Una fecha en la que los trabajadores suelen aprovechar para salir a la calle a reclamar y reivindicar, con mayor o menor vehemencia, sus derechos laborales.
Aunque Estados Unidos fue escenario de los acontecimientos que dieron origen al Día del Trabajador, existe un aparente desajuste entre el relato histórico y la fecha elegida: los estadounidenses no festejan el Día del Trabajador el 1 de mayo, sino que lo hacen el primer lunes de septiembre y lo denominan 'Labor Day'.
En este sentido, el origen de esta celebración, que ha dado la vuelta al mundo e incluso se celebra en países africanos y asiáticos, tiene lugar en Chicago, en su época de máximo desarrollo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/27/1mayo-alemania_2444f036_230427172214_800x533.jpg)
1 mayo-alemania
Manifestaciones del 1 de mayo en Eilenburg, Alemania (1982).
¿POR QUÉ SE CELEBRA EL DÍA DEL TRABAJADOR?
Previo al inicio de la Segunda Revolución Industrial, Chicago empezó a emerger como centro del desarrollo industrial norteamericano. Uno de los principales factores que llevó a la capital de Illinois a despuntar fue su apuesta por la innovación en los medios de transporte. En este contexto, y como punto de inflexión en su exponencial crecimiento, apareció la línea de ferrocarril Galena and Chicago Union Road, que permitió tanto a habitantes de la periferia como a extranjeros trasladarse al núcleo urbano en busca de trabajo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/28/chicago-grandtsation_97b08bf7_230428105300_800x574.jpg)
Interior de la Grand Central Station, Chicago, Cook County, IL.
En estos años, la población de Illinois se triplicó. Eso requirió de la construcción de una mejor infraestructura que fuese acorde con el modelo de industrialización que se perseguía. Pero para poder invertir en ello, el estado se hundió en préstamos que desataron una fuerte crisis económica. Fue en ese momento cuando los trabajadores comenzaron a expresar su descontento por las condiciones laborales que tenían, las cuales, en su mayoría, se basaban en jornadas de hasta 16 horas con sueldos precarios.
A causa de la incorporación del ferrocarril, Illinois triplicó su población en apenas una década: de 160.000 a 480.000 habitantes, aproximadamente.
De ahí en adelante, Chicago y otras grandes ciudades de Estados Unidos vivieron un período de duras huelgas en las que se pedía a las instituciones que todos los gremios fueran incluidos en la Ley Ingersoll, aprobada por el presidente Andrew Johnson en 1868, la cual establecía la jornada laboral de ocho horas.
No fue hasta 1884 cuando la Federación de Sindicatos y Organizaciones Gremiales de EEUU y Canadá instó a los trabajadores a realizar la jornada de 8 horas a partir del 1 de mayo de 1886. Y, en efecto, esta decisión fue apoyada tanto por los sindicatos anarquistas como por la Noble y Sagrada Orden de los Caballeros del Trabajo ("Knights of Labor"), una asociación que luchaba por los derechos de los trabajadores pero que rechazaba la huelga como mecanismo de presión.
Llegado el día marcado por la Federación de Sindicatos, algunas empresas redujeron la jornada laboral sin necesidad de huelga, pero otras continuaron con la misma dinámica y, como consecuencia, el 4 de mayo de 1886 se inició la conocida revuelta de Haymarket: una manifestación que tuvo como resultado la encarcelación y la condena a muerte de 8 sindicalistas anarquistas, a quienes se les conoce como "los mártires de Haymarket".
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/28/chicago_4c973f2e_1886_230428105508_800x379.jpg)
Representación de la huelga del 4 de mayo en Chicago (1886).
Mientras tanto, en Europa los trabajadores también anhelaban mejorar sus condiciones laborales. No en vano, para entonces en Inglaterra ya se había fundado la Primera Internacional (1864), y en España, en 1890, se dio la primera huelga en las minas de la Fábrica de Mieres, en Asturias.
El 4 de mayo de 1886 se inició la conocida revuelta de Haymarket: una manifestación que tuvo como resultado la encarcelación y la condena a muerte de 8 sindicalistas anarquistas.
Y así fue como en 1889, inspirada por la determinación de los "mártires de Haymarket", Francia instauró oficialmente el 1 de mayo como el Día del Trabajador. Conmemoración a la que progresivamente fueron adscribiéndose otros países, entre los cuales no figura Estados Unidos.
¿POR QUÉ ESTADOS UNIDOS NO CELEBRA EL 1 DE MAYO?
El hecho de que en EEUU se celebre el 'Labor Day' el primer lunes de septiembre no es un error, ni tampoco una elección azarosa. Y para comprender esto hace falta viajar en el tiempo hasta antes de las revueltas de Haymarket. Concretamente, a 1882.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/28/workers-eeuu_e623ef24_1324860256_230428112336_800x533.jpg)
Esta vez en Nueva York, el 5 de septiembre de 1882 tuvo lugar un acontecimiento significativo para los trabajadores: los Caballeros del Trabajo, ese sindicato que apostaba por medidas de presión más moderadas, celebró una convención y un desfile por la ciudad. Debido al éxito que tuvo, el evento -al que luego se unieron otras asociaciones de trabajadores- se siguió organizando en los años posteriores.
Más tarde, el presidente Grover Cleveland, al detectar que no todos los trabajadores se sentían identificados con los acontecimientos sucedidos en Chicago en mayo de 1886, eligió la fecha del desfile -que corresponde con el primer lunes de septiembre- para celebrar el 'Labor Day'.
-
Magda Goebbels, la admiradora más fanática de adolf hitler
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/06/10/bundesarchiv-bild-146-1973-034-56-magda-goebbels_f2f51b0a_504x792.jpeg)
La esposa de Joseph Goebbels fue el paradigma de la madre perfecta para el nazismo. Su fanatismo la llevó a suicidarse ingiriendo cianuro junto a sus hijos para poner fin a su
"Es mejor que mis hijos mueran a que vivan en la vergüenza y el oprobio. Nuestros hijos no tienen lugar en una Alemania como la que habrá después de la guerra". Dicho y hecho, Magda Goebbels preparó a sus seis hijos, cinco niñas y un niño, para la muerte. Ella y su marido, el ministro de propaganda del Reich, Joseph Goebbels, ocultos junto con Adolf Hitler en el búnker de Berlín,indicaron al dentista de las SS, Helmut Kunz, que inyectase morfina a los pequeños para dormirlos y poder así introducirles una ampolla de cianuro entre los dientes. La secuencia exacta de los acontecimientos no está clara, pero el resultado final fue la muerte de los seis pequeños. Después, sus padres también acabaron con sus propias vidas. Esta es la historia de una mujer que ha pasado a la posteridad como una madre despiadada, una especie de moderna Medea que, en este caso, fue capaz de asesinar a sus hijos "por su bien".
¿HIJA DE UN JUDÍO?
Johanna Maria Magdalena nació el 11 de noviembre de 1901 y fue hija de Auguste Behrend, una criada, y al parecer del ingeniero Oskar Ritschel. La pareja se divorció en 1905 y la madre de Magda contrajo segundas nupcias en 1908 con Richard Friedlander, un rico comerciante judío de Berlínal que había conocido una década antes y que según una investigación llevada a cabo en 2016 fue el verdadero padre de Magda (si eso fuese cierto, por las venas de la futura esposa de Joseph Goebbels correría sangre judía). Magda pasó su infancia en una internado religioso de Bélgica,que empleaba unos métodos de educación muy severos, lo que contribuyó a que la joven desarrollase una fuerte personalidad. Al estallar la Primera Guerra Mundial, Magda estudiaba en Berlín, y en esa época curiosamente llegó a sentirse muy atraída por la filosofía budista y defendió la cultura de la no violencia.
Magda pasaría su infancia en una internado de Bélgica, que empleaba unos métodos de educación muy severos, lo que contribuyó a que la joven desarrollase una fuerte personalidad.
De vuelta del internado, Magda conoció a un atractivo y elegante multimillonario alemán llamado Günther Quandt. Él era un viudo de treinta y ocho años y ella, una jovencita de diecinueve. La pareja se enamoró al instante y 4 de enero de 1921 se casaban en la tranquila ciudad de Bad Godesberg. El matrimonio tuvo un hijo, Harald, ese mismo año. Pero Magda pronto se dio cuenta de su error. La joven se dio de bruces con la realidad de estar atrapada en un matrimonio aburrido, en una familia ultraconservadora y además comprobó con incredulidad que su flamante esposo era un hombre frío y adicto al trabajo.Decepcionada, Magda conoció entonces a un estudiante de origen judío y líder de un grupo sionista llamado Chaim Vitaly Arlosoroff, con quien mantuvo una relación sentimental. Fue el primer acercamiento de Magda al sionismo. Al final, su marido Günther, enfurecido por la infidelidad de su esposa, la acabó echando de casa en 1929.
METAMORFOSIS NAZI
Gracias a la generosa pensión que le pasaba su exmarido, Magda pudo trasladarse a vivir junto a su hijo Harald a una bonita casa en Berlín. Pero en el verano de 1930 la vida de Magda cambiaría para siempre.Joseph Goebbels, el ministro de propaganda nazi, acudía al Palacio de los Deportes de Berlín para pronunciar un discurso. Magda, que por aquel entonces se había convertido en una influyente y rica mujer de la sociedad berlinesa, que buscaba entretenerse de la mejor manera posible, decidió asistir al acontecimiento sin saber queaquello supondría un antes y un después en su vida. Las encendidas soflamas del ministro de propaganda nazi calaron tan profundamente en Magda que tras el acto se afilió al partido y se convirtió en poco tiempo en una de las dirigentes nazis más importantes de su distrito.
El Ministro de propaganda de Hitler era conocido por los encendidos discursos que pronunciaba, donde desplegaba sus habilidades oratorias. Cuando Magda acudió a uno de ellos, se quedó tan prendada de sus palabras que al salir se afilió al Partido nazi.
Foto: Cordon Press
Tras escuchar el discurso de Joseph Goebbels, Magda se afilió al partido y se convirtió en poco tiempo en una de las dirigentes nazis más importantes de su barrio.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/06/10/el-ministro-de-propaganda-de-hitler-era-conocido-por-los-encendidos-discursos-que-pronunciaba-donde-desplegaba-sus-habilidades-oratorias-cuando-magda-acudio-a-uno-de-ellos-se-quedo-prendada-del_89f0a745_800x1203.jpeg)
Magda empezó a actuar como voluntaria en la sede del partido nazi y acabó siendo secretaria del subjefe del distrito. Fue entonces cuando conoció personalmente a Goebbels, con quien empezó a colaborar archivando todos sus artículos periodísticos. Magda rápidamente se sintió atraída por el jerarca nazi, un hombre con poco atractivo físico (era bajito y arrastraba un pie al caminar), pero del que Magda se enamoró perdidamente. Por su parte, Goebbels también se sintió fascinado por ella, y llegó a escribir en su diario personal: "Hemos hecho un voto solemne el uno al otro: cuando hayamos conquistado el Reich, nos convertiremos en marido y mujer. Soy muy feliz".
FE CIEGA EN HITLER
Si la adoración que sentía Magda por Joseph Goebbels era ciega, cuando conoció a Adolf Hitler su entusiasmo no tuvo límites; ambos forjarían una profunda relación y Magda entró a formar parte del pequeño, pero selecto, grupo de amistades femeninas de Hitler. El füher incluso actuó como padrino de boda del novio cuando la pareja contrajo matrimonio el 19 de diciembre de 1931. Tras su matrimonio, los Goebbels se mudaron a una exclusiva mansión situada en la Reichskanzlerplatz, que con el tiempo se convertiría en el centro de las fiestas y veladas de la burguesía berlinesa y en el núcleo operativo del líder del Tercer Reich. En los años siguientes, la pareja tuvo seis hijos a los que bautizaron con nombres que comenzaban con la inicial del apellido de su "adorado" líder, la "H": Helga, Hildegard, Helmut, Holdine, Hedwig y Heidrun. Magda fue asimismo la primera mujer en ganar la Cruz de Honor de la Madre Alemana, un galardón que suponía convertirla en un modelo para el resto de madres alemanas que deberían seguir, a partir de entonces, su ejemplo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/06/10/magda-goebbels_84256f24_800x566.jpeg)
Magda y Joseph Goebbels avanzan tomados del brazo el día de la celebración de su boda. Tras ellos, puede verse a Adolf Hitler, que ejerció de padrino del novio.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/06/10/magda-y-joseph-goebbels-avanzan-tomados-del-brazo-el-dia-de-la-celebracion-de-su-boda-tras-ellos-puede-verse-a-adolf-hitler-que-ejercio-de-padrino_71768c8e_800x606.png)
Al convertirse en el modelo de madre alemana que Hitler quería para el Tercer Reich, a lo largo de la vida de Magda fueron difundidas muchas imágenes rodeada de niños, en este caso junto a cinco de sus hijos.
Magda fue la primera mujer en ganar la Cruz de Honor de la Madre Alemana, un galardón que suponía convertirla en un ejemplo para el resto de madres alemanas que deberían seguir, a partir de entonces, su ejemplo.
Pero no todo en la vida de la pareja más famosa de Alemania podía ser perfecto. Una vez salió a la luz una relación extramarital de Goebbels con una joven actriz checa de veintidós años, algo que afectó profundamente a Magda, a pesar de que ella también había tenido algunos escarceos amorosos. Magda Goebbels se sentía muy segura en su relación con el führer, así que no dudó en pedirle que le dejara divorciarse de su esposo. Pero lo que ella no había previsto es que aquella decisión supondría un escándalo y una mancha en la imagen que desde el gobierno se quería dar del nacionalsocialismo, y que sobre todo supondría una deshonra para la imagen del ministro de propaganda. Hitler simplemente dijo: "NO". Aquella tajante respuesta tomó por sorpresa a Magda, que, desconcertada, se dio cuenta de quién tenía la sartén por el mango tanto en Alemania como en su vida.
FIEL HASTA EL FINAL
Desde 1942, Magda la salud de Magda empezó a deteriorarse. Sufría una severa neuralgia, un trastorno que le afectaba el rostro, que le producía agudos espasmos nerviosos que le había dejado paralizada media cara.Magda era entonces una mujer física y mentalmente enferma, con problemas cardíacos y graves episodios de depresión, que no tuvo en ese momento inconveniente en aceptar las ideas del partido en lo que a los judíos se refería, que acabarían desembocando en la infame Solución Final. La esposa de Goebbels las aceptó sin rechistar cegada por su devoción hacia su marido y hacia Adolf Hitler.
Desde 1942, Magda sufría una neuralgia, un trastorno severo que le afectaba el rostro, producido por agudos espasmos nerviosos que le había paralizado media cara.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/06/10/tras-acabar-con-sus-vidas-mediante-el-cianuro-magda-y-joseph-goebbels-habian-ordenado-que-sus-cuerpos-fueran-quemados-para-que-nadie-pudiera-profanar-los-cadaveres-en-la-imagen-se-puede-ver_472d4063_800x590.jpeg)
Tras acabar con sus vidas, Magda y Joseph Goebbels habían ordenado que sus cuerpos fueran quemados para que nadie pudiera profanar los cadáveres. Sus restos calcinados yacen junto a los de dos de sus hijos.
El final de Magda Goebbels es bien conocido. Instalada junto a su marido en el búnker de Hitler, decidió acabar sus días junto a los hombres que habían marcado su vida: su marido y el führer. El 1 de mayo de 1945, y tras rechazar en varias ocasiones la posibilidad de huir, o al menos de que lo pudieran hacer sus seis hijos, Magda Goebbels ingirió el mismo cianuro mortal que había utilizado para envenenar a los pequeños,mientras su marido, el ministro de propaganda del caído Tercer Reich, Joseph Goebbels, se pegaba un tiro. Un final digno de la más cruel y atroz tragedia griega.
-
La máquina de escribir se pone a la venta
En 1874, Christopher Sholes desarrolló un aparato para imprimir palabras sobre un papel que permitía redactar documentos de manera clara, limpia y mucho más rápida que a mano.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/21/recreacion-de-una-antigua-oficina-con-un-antiguo-modelo-de-maquina-de-escribir_7937c66f_489723940_230421153908_1280x855.jpg)
La idea de un sistema de escritura mecanizada que superara los límites de la escritura a mano surge en el siglo XVI. Algunos de los primeros prototipos estaban destinados a personas ciegas, como el dispositivo de "escritura táctil" ideado en 1575 por el impresor y editor veneciano Francesco Rampazetto. En 1808, Agostino Fantoni fabricó otra máquina para su hermana ciega, la condesa Carolina Fantoni da Fivizzano, que así pudo escribir sus tórridas cartas de amor en la intimidad.
Lee sin límites la revista Historia National Geographic por solo 3€/mesEmpieza ahora
Durante el siglo XIX, decenas de inventores trabajaron sobre estas ideas. Los modelos eran muy diversos, desde el "címbalo escribano" de Ravizza (1856), parecido a un piano y que introdujo por primera vez el uso de palancas para marcar las letras, a la bola de escritura del reverendo danés Malling-Hansen (1865), que fue la primera en lograr cierto éxito comercial.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/21/la-bola-de-escribir-de-hansen-inventada-en-1865-grabado-que-muestra-un-modelo-de-1870_20a1786c_230421154048_800x596.jpg)
La "bola de escribir" de Hansen, inventada en 1865. Grabado que muestra un modelo de 1870.
EL MODELO DEFINITIVO
La máquina de escribir que ha llegado hasta nuestros días la debemos a Christopher Latham Sholes, editor, periodista, inventor y político estadounidense. Junto con dos amigos también inventores, Carlos Glidden y Samuel W. Soule, Sholes elaboró un primer prototipo muy tosco que fue patentado el 23 de junio de 1868. Soule y Glidden abandonaron el proyecto, pero Sholes se asoció con el empresario James Densmore, que quedó entusiasmado al ver una carta escrita con el prototipo y ofreció a Sholes ayuda financiera para continuar.
Sholes y Densmore se dedicaron a mejorar su máquina e introdujeron numerosos retoques. Los trabajos se fueron alargando y en varios momentos el propio Sholes estuvo a punto de abandonar, pero Densmore le convenció para que continuara. En 1873, cuando creyeron tener el prototipo definitivo, vendieron los derechos a una empresa que podía fabricar muchas unidades y construir mecanismos eficientes con piezas intercambiables, la compañía de armas y máquinas de coser Remington de Nueva York.
Sholes y Densmore se dedicaron a mejorar su máquina e introdujeron numerosos retoques.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/21/una-joven-escribe-a-maquina-con-el-modelo-de-sholes-y-glidden-grabado-de-1872_24765fcb_230421154222_800x822.jpg)
Una joven escribe a máquina con el modelo de Sholes y Glidden. Grabado de 1872.
En julio de 1874 salió al mercado el primer millar de unidades de esas Remington. Las teclas accionaban palancas dispuestas en semicírculo que marcaban las letras sobre una cinta impregnada de tinta. La máquina contaba con un carro que se movía de derecha a izquierda cada vez que se apretaba una tecla y un rodillo donde se colocaba el papel. El retroceso del carro se conseguía mediante un pedal similar al de las máquinas de coser. Sholes también ideó la disposición del teclado QWERTY, que ha perdurado hasta nuestros días –supuestamente para prevenir atascos en la máquina, pero nadie lo sabe con certeza–. Inicialmente solo tenía letras mayúsculas.
EL PIONERO MARK TWAIN
Uno de los primeros en gastarse los 125 dólares de la época en ese artefacto –mucho más de lo que costaría hoy un ordenador personal potente– fue el escritor Mark Twain, que se jactaba de ser "la primera persona en el mundo" en usar el artilugio para elaborar un manuscrito literario. Aunque se quejaba de que le costaba adaptarse a ella, Twain intuía las "virtudes" de la máquina: "Imprime más rápido de lo que puedo escribir, puedo inclinarme hacia atrás en mi silla mientras trabajo y apila una tremenda cantidad de palabras en una página". Asimismo, el creador de Tom Sawyer apreciaba que "no deja manchas de tinta" y, "por supuesto, ahorra papel".
"Imprime más rápido de lo que puedo escribir, puedo inclinarme hacia atrás en mi silla mientras trabajo y apila una tremenda cantidad de palabras en una página", decía Twain.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/21/cartel-que-anuncia-una-maquina-de-escribir-remington-de-1892_95a179dc_230421154640_800x1155.jpg)
Cartel que anuncia una máquina de escribir Remington de 1892.
Los problemas de ese primer modelo se fueron solucionando. El mecanógrafo ahora veía la línea que estaba redactando mientras escribía y combinaba de manera fácil mayúsculas y minúsculas. Las ventas, al principio escasas, comenzaron a subir hasta convertir aquella máquina en un elemento cotidiano en las oficinas y casas de todo el mundo.
-
Se cree que los vikingos llegaron a áfrica mucho antes que los navegantes portugueses
Durante la Edad Media, los vikingos, un grupo de exploradores, comerciantes y guerreros procedentes del norte de Europa, surcó los mares en busca de nuevas tierras que conquistar y de grandes riquezas. Sus viajes los llevaron hasta América del Norte y hasta la lejana África, un continente que, hasta hace poco, se creía que habían explorado primero los portugueses.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/12/20/una-flota-vikinga-emprendiendo-el-viaje-en-medio-del-tempestuoso-mar_0585b11c_221220153215_1280x720.jpg)
Una flota vikinga emprende el viaje en medio de un mar tempestuoso.
Durante siglos, se creyó que el primer explorador en llegar a las costas de África fue el navegante portugués Bartolomé Díaz en el siglo XV. Sin embargo, al parecer, unos exploradores procedentes del norte de Europa que se habían establecido en las Islas británicas, Islandia, Groenlandia y tan al oeste como Vinlandia (en Canadá), ya habían llegado a África mucho antes que el explorador portugués. Estos eran nada más y nada menos que los vikingos.
Los vikingos navegaron por vía fluvial a través de Ucrania y Rusia, donde fundaron el reino de Kievan Rus. Aventurándose hacia el sur por el mar Caspio y el mar Negro, lograron incluso a apostarse ante las murallas de Constantinopla, la capital del Imperio bizantino, a la que pusieron en jaque. Asimismo, alrededor del año 859 d.C., los vikingos ya habían establecido los primeros contactos con las culturas africanas.
LOS VIKINGOS EN EL NORTE DE MARRUECOS
En el Libro de caminos y reinos, un texto de geografía del siglo XI (un texto fragmentado y que ha dado pie a numerosas interpretaciones), el geógrafo, botánico e historiador hispanoárabe Abu Abdullah al-Bakri describe a los vikingos como majus, un término utilizado para definir a los paganos y a los adoradores del fuego. Otras fuentes afirman que en el año 844 d.C. una gran flota vikinga se dirigió a la península ibérica y atacó el Reino de Asturias, el Emirato de Córdoba y territorios del Califato Omeya en Orihuela, Baleares y Rosellón.
Abu Abdullah al-Bakri describe a los vikingos como "majus", un término para definir a los paganos.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/12/20/una-flota-de-drakkar-vikingos-en-alta-mar_cdd644e7_221220153344_800x533.jpg)
Una flota de drakkars vikingos navega en alta mar.
Según parece, tras estos ataques, la flota vikinga, liderada por el jefe Hastein y su protegido, Björn Ironside, hijo del rey vikingo Ragnar Lodbrok, dirigió su mirada hacia el emirato de Nekor, al norte de Marruecos, a finales del siglo IX. Los vikingos desembarcaron en la costa africana y viajaron hasta la ciudad de Nekor, descrita como uno de los mayores centros culturales árabes en la región del Rif. La ciudad fue saqueada durante ocho días y, según algunos textos, muchos de sus habitantes fueron tomados como esclavos mientras que en otros se afirma que Hastein compró blámenn, que significa "hombres azules", posiblemente tuaregs, para venderlos en los mercados de esclavos de Irlanda.
EL ADN DE UNOS RATONES DA LA PISTA
El asalto de Nekor es también mencionado por la crónica de Abdullah al-Bakri que lo describe así: "Majūs, que Dios los maldiga, llegaron a Nakūr en el año 244 (858–859). Tomaron la ciudad, la saquearon y esclavizaron a sus habitantes, excepto a los que se salvaron huyendo. Entre sus prisioneras estaban Ama al-Raḥmān y Khanūla, hijas de Wakif ibn-Mu'tasim ibn-Ṣāliḥ. Muḥammed los rescató. Los Majūs se quedaron ocho días en Nakūr". La misma historia está registrada por otros escritores, incluido el historiador andalusí del siglo por Ibn al-Qūṭīya, autores posteriores como Ibn Idhārī e Ibn Khaldūn, e incluso aparece una versión en la Crónica cristiana de Alfonso III de finales del siglo IX.
"Majūs, que Dios los maldiga, llegaron a Nakūr en el año 244 y esclavizaron a su población", cuenta Abdullah al-Bakri.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2022/12/20/un-drakkar-vikingo-navegando-en-busca-de-nuevas-rutas_fd2bfef3_221220153520_800x1137.jpg)
Un drakkar vikingo navega en busca de nuevas rutas.
Pero los arqueólogos no habían hallado ninguna evidencia que respaldase la incursión vikinga en Nekor. Sin embargo, un estudio llevado a cabo en 2008, y que se publicó en la revista Proceedings of the Royal Society B, analizó los restos óseos de roedores de la isla de Madeira, no muy lejos de la costa africana, y los resultados sugieren que estos ratones podrían haber sido transportados en un barco vikingo que colonizó la isla entre 903 d.C. y 1036 d.C. El artículo también demostró las similitudes en el ADN mitocondrial de los roedores de Madeira con los de Escandinavia y el norte de Alemania, aunque, sin embargo no coincidían con los ratones analizados en Portugal. ¿Son estos ratones la prueba definitiva de la veracidad de esta épica historia?
-
15 curiosidades que tal vez no sabías sobre los rodajes de star wars
¿Sabías que Mark Hamill se ganó una bofetada por tratar a Alec Guiness con demasiado respeto? ¿O que Harrison Ford fue llamado al set no como actor, sino como carpintero? Estas son algunas curiosidades sobre los rodajes de la franquicia Star Wars.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/03/mbdstwa-fe032_45329e22_230503122519_1280x874.jpg)
Hace mucho tiempo (o realmente no tanto), en una galaxia lejana, muy lejana (el desierto de Túnez, en verdad), George Lucas empezó a filmar una epopeya espacial titulada Star Wars, conocida en español como La guerra de las galaxias. No tenía demasiada fe en ella, pero terminó por convertirse en una de las franquicias más importantes de la historia del cine. Su producción está llena de anécdotas, algunas de las cuales resultan bastante insolentes.
POR QUÉ LA PRIMERA PELÍCULA ES “EPISODIO IV”
Hasta el estreno de El Imperio contraataca en 1980, la que hoy se titula Episodio IV: Una nueva esperanza era conocida, simplemente, como Star Wars o La guerra de las galaxias. Mucho se ha especulado sobre si George Lucas tenía en mente la historia de las precuelas desde el principio y, en tal caso, por qué eligió empezar con el cuarto episodio. La realidad es que no era del todo así, pero hay algo de verdad en ello.
La historia original de Lucas incluía muchas ideas que abarcaban toda la trilogía original y algunos elementos de las precuelas, incluyendo el ascenso del emperador Palpatine y la persecución de los Jedi. Lo que sucedió fue que, simplemente, había demasiadas ideas para desarrollarlas en una película e incluso en tres. Lo que hizo, por lo tanto, fue tomar la primera parte de la historia, eliminar todo lo que no consideraba esencial e introducirlo como backstory; de ahí las referencias a eventos de las precuelas como la Antigua República, el surgimiento de Darth Vader o las Guerras Clon.
Otro motivo fue que, de todo el material original de Lucas, el que eligió para dar forma a La guerra de las galaxias era el que mejor podía funcionar como una película independiente. Hay que considerar que el propio Lucas no tenía nada claro si su producto tendría éxito y si podría hacer una continuación; por eso, de entre todas las películas de la saga, la original es la que tiene una trama más autoconclusiva.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/28/star-wars-poster-original-1977_45fe148d_230428193730_800x1210.jpg)
Poster original de Star Wars para su estreno en 1977.
Tom Chantrell / 20th Century Fox
LA CLASE DE PRIMARIA Y EL ELEFANTE QUE PARTICIPARON COMO EXTRAS
El Valle de la Muerte, en California, fue una de las localizaciones escogidas para el desértico planeta de Tatooine por sus impresionantes paisajes, en particular por sus cañones. Una de las razas nativas del planeta son los jawas, de pequeña estatura y rostro perennemente cubierto por una tosca capa. Bajo dichas capas se encontraban un grupo de niños de una escuela primaria que participaron como extras, sin imaginarse que formarían parte de una de las películas más míticas de la historia.
Los niños no fueron los únicos extras inesperados: también había una elefanta asiática llamada Mardji, alquilada al parque Marine Land Africa de San Francisco, a la cual disfrazaron con pieles y una gran máscara con cuernos para encarnar a un bantha, una criatura que parece un buey almizclero sobredimensionado. El animal, con toda seguridad, no estuvo tan contento como los niños de formar parte del elenco de una leyenda del cine.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/28/24-star-wars-servicio-de-parques-nacionales-de-eeuu_452a3c16_230428180533_800x533.jpg)
24 Star Wars (Servicio de Parques Nacionales de EEUU)
Servicio de Parques Nacionales de EEUU
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/28/curiosidades-star-wars-1-cortesia-del-servicio-de-parques-nacionales-de-eeuu_57dcd552_230428180545_800x534.jpg)
Cortesía del Servicio de Parques Nacionales de EEUU
LA BOFETADA DE ALEC GUINNESS A MARK HAMILL
Cuando se rodó Una nueva esperanza, Mark Hamill, que interpretaba a Luke Skywalker, era un actor joven y bastante desconocido. Por el contrario, Alec Guinness, que interpretaba al viejo Obi-Wan Kenobi, era ya un veterano que contaba con una larga filmografía a sus espaldas, varios premios e incluso el título de Caballero.
Mark Hamill sentía un gran respeto por el actor y por su porte y no sabía cómo debía tratar a un compañero de rodaje de tal calibre. Decidió ir sobre seguro pero pecó de exceso, llamándolo continuamente “Sir Alec”. Hasta que un día, el veterano actor le propinó una bofetada y le dijo: “Quiero que me llamen por mi nombre, no por mi título”. Hamill se lo tomó con humor y preguntó: “Vale, ¿entonces cómo debería llamarle, Gran Al?” (Big Al, uno de los apodos de Al Capone). A partir de ese incidente las cosas fluyeron la mar de bien entre los dos actores, puesto que a Guinness le encantaba el humor irreverente de Hamill.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/03/mbdstwa-ec011_30cb3f18_230503121620_800x500.jpg)
Everett Collection
EL POLÉMICO “BIKINI DORADO” DE CARRIE FISHER…
Al pensar en Carrie Fisher como la princesa Leia, casi seguro que nos viene a la mente uno de estos dos atuendos: su túnica blanca en Una nueva esperanza… o el “bikini dorado” que lucía al principio de El retorno del Jedi, cuando aparece como esclava del jefe del crimen Jabba el Hutt. Este segundo atuendo es uno de los más populares entre fans que se visten del personaje, pero Carrie Fisher, que interpretaba a Leia, literalmente lo odiaba.
La primera razón es evidente: la actriz detestaba que su personaje fuera sexualizado de aquella manera, más aún cuando ella se consideraba activamente feminista. Esta opinión era compartida por algunos de sus compañeros de rodaje, como Harrison Ford, pero George Lucas no dio su brazo a torcer e incluso le pidió que perdiera peso para el rodaje de El retorno del Jedi, lo cual no hizo sino incrementar la aversión de Fisher por su atuendo.
La segunda razón era la incomodidad del traje en sí: la versión original era de metal, se le clavaba en la piel y resultaba muy incómodo vestirlo y aún más actuar con él, especialmente en las escenas de acción: de hecho, para estas se fabricó otra versión con caucho de uretano y algunas de las escenas fueron rodadas por su doble, Tracey Eddon. Carrie Fisher describió su bikini dorado como “lo que las supermodelos vestirían en el séptimo círculo del infierno”.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/28/carrie-fisher-y-doble-2_3552e339_230428185307_800x554.jpg)
Carrie Fisher (mirando a cámara) y su doble Tracey Eddon durante el rodaje de El retorno del Jedi.
Autor desconocido
… Y EL ORIGEN DE SU PEINADO EN FORMA DE “ENSAIMADAS”
Otro de los elementos visuales más característicos de la princesa Leia son sus vistosos peinados; y entre ellos, ninguno es más curioso que los moños con forma de “ensaimadas” con las que aparece por primera vez en Una nueva esperanza. Se han propuesto muchas teorías sobre la referencia que tomó George Lucas, desde unas guerrilleras mexicanas hasta la escultura íbera conocida como la Dama de Elche.
Sin embargo, basándonos en el archivo fotográfico de Lucas, lo que inspiró el peinado fueron las mujeres de la etnia hopi, un pueblo nativo que vive en Arizona. Este peinado, conocido como flor de calabaza, es propio de las mujeres solteras y se realiza mediante unos arcos de madera en los que se enrolla el cabello. El peinado fue elegido, aparentemente, porque Lucas no quería que Leia tuviese una imagen de princesa típica, así que optó por un estilo que la diferenciase.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/03/mmdstwa-fe006-2_867f3bd2_230503123354_800x568.jpg)
©20th Century Fox Film Corp. All rights reserved./courtesy Everett Collection
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/28/mujer-hopi-edward-s-curtis_c074e51f_230428183431_800x1121.jpg)
Mujer hopi con el peinado "flor de calabaza".
Edward S. Curtis (CC)
HARRISON FORD NO IBA A SER HAN SOLO: LLEGÓ AL SET COMO CARPINTERO
Resulta difícil pensar en otro actor más adecuado que Harrison Ford para encarnar al insolente Han Solo. Pero curiosamente, Ford ni siquiera era una opción cuando se realizó el casting para el personaje; y el propio actor llegó a sentir bastante antipatía por este papel.
Cuando se realizó el casting para Una nueva esperanza, Ford fue convocado pero no para una audición, sino para realizar unos trabajos de carpintería, ya que complementaba con este trabajo su bajo salario como actor. En un encuentro en el set, George Lucas le propuso leer algunas partes del guión como Han Solo, pero no con la intención de que encarnase al personaje sino como réplica en las audiciones de los actores que se presentaban para otros papeles. Pero resultó que a Lucas le gustó más que los candidatos que se habían presentado, así que le dio el papel a él.
A pesar de ser uno de los personajes que lanzaron su carrera cinematográfica, Harrison Ford llegó a sentir bastante antipatía por el personaje de Han Solo e incluso quería que este muriese en El retorno del Jedi. De hecho, el actor es conocido por su poca simpatía hacia los fans en comparación con otras estrellas de Star Wars: para él fue otro trabajo de juventud y nunca ha llegado a compartir la pasión que tanta gente siente por ese personaje que a él le resultaba antipático.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/03/mbdstwa-fe037_eb7d40ba_230503121927_800x1087.jpg)
© 20th Century Fox Film Corp. All rights reserved./courtesy Everett Collection
HAN DISPARÓ PRIMERO Y OTROS CAMBIOS EN EL GUIÓN ORIGINAL
La trilogía original ha sufrido muchos cambios desde su estreno en los cines. Algunos datan de sus primeras distribuciones en formato doméstico, mientras que el estreno de la trilogía de las precuelas llevó a varias modificaciones más. Algunos de los cambios son técnicos: por ejemplo, las escenas de batallas en las primeras películas se rodaron con maquetas ya que aún no existían los medios para producirlas digitalmente.
Otros tenían un efecto más importante en el guión, como la famosa escena de Una nueva esperanza en la que Han Solo dispara primero al cazarrecompensas Greedo, y que en versiones posteriores fue alterada haciendo que Solo disparase después de que el otro abriera fuego, dando una imagen menos negativa del personaje.
Las escenas eliminadas sí aparecen en las versiones noveladas de las películas. Algunas incluían momentos clave de la trama, como Luke Skywalker construyendo su espada de luz.
La aparición de la trilogía de las precuelas motivó la modificación de algunas escenas más. La más famosa es seguramente el final de El retorno del Jedi en el que el actor Sebastian Shaw, quien encarna a Anakin Skywalker en la película, es sustituido por un joven Hayden Christensen (el actor que interpretó al mismo personaje en las precuelas). Estos cambios no gustaron a una parte de los fans que había visto la trilogía original en sus primeras versiones.
La distribución de las películas en formato DVD supuso el primer contacto de mucha gente con numerosas escenas que fueron eliminadas para el cine, dejando algunos cabos sueltos. La que se llevó la palma fue La venganza de los Sith, con algunas escenas cortadas de gran relevancia, como el hecho de que Obi-Wan Kenobi conocía la relación de su aprendiz con la senadora Amidala. De haber incluido todo lo previsto en el guión original, esta película habría alcanzado más de cuatro horas de metraje. De hecho, las precuelas tuvieron que cortar por lo sano elementos decisivos para la trama como las Guerras Clon, para las cuales se creó una serie de animación de 133 episodios.
DARTH VADER FUE INTERPRETADO EN LA TRILOGÍA ORIGINAL POR CUATRO ACTORES DISTINTOS…
Darth Vader es uno de los villanos más icónicos de la historia del cine. Pero en la trilogía original, detrás de su máscara se encontraban tres actores distintos: David Prowse, un actor y culturista, encarnaba físicamente a Vader con sus imponentes dos metros de altura. Pero George Lucas decidió volver a grabar todas las frases del personaje con la voz de James Earl Jones, ya que no le gustaba el acento de Prowse y quería una voz más oscura para el personaje. Este cambió no se supo hasta el estreno de la primera película y no le hizo demasiada gracia a Prowse.
Tuvo aún más motivo para enfadarse con el estreno de El retorno del Jedi, cuando por fin se ve el rostro de Vader sin la máscara, ya que Lucas decidió sustituirlo por Sebastian Shaw. Prowse siempre consideró que Lucas lo había tratado injustamente por ello. En 2015, un documental titulado I am your father habló de su historia y le concedió la oportunidad de recrear la escena en la que Luke le quita el casco.
Hubo un cuarto actor que interpretó a Vader, de hecho: en las escenas de combate de El retorno del Jedi fue sustituido por Bob Anderson, doble de acción y coreógrafo de escena, ya que Prowse no era muy hábil con la espada de luz y golpeaba elementos del atrezzo.
CONTINUA EN SIGUIENTE POST
-
… Y SOLO DOS ACTORES SABÍAN LA VERDAD SOBRE EL PERSONAJE
Uno de los momentos más cruciales de la saga es cuando, en El Imperio contraataca, se revela la verdadera identidad de Darth Vader. George Lucas quería mantener este secreto a toda costa y por ello ninguno de los actores fue informado de ello… salvo dos.
La escena fue rodada con una frase falsa, en la que Darth Vader le dice a Luke: “Obi-Wan mató a tu padre”. Esta frase fue sustituida en el proceso de edición con la mítica “No, yo soy tu padre” con la voz de James Earl Jones. Pero el actor pensaba que se trataba de una mentira que Vader decía para confundir a Luke y, según él, se sorprendió tanto como los espectadores.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/03/msdstwa-fe092_e469b1c4_230503123536_800x521.jpg)
©20th Century-Fox Film Corporation, TM & Copyright/courtesy Everett Collection
El otro actor que sabía la verdad era Mark Hamill (Luke Skywalker), que fue informado justo antes de rodar la escena, para asegurarse que su reacción iba a ser la adecuada ante la revelación. Por aquel entonces Jones aún no había grabado la frase, por lo que Hamill era el único que sabía la verdad aparte del propio Lucas y del director Irvin Kershner, quien le advirtió: “Si esto se filtra, sabremos que habrás sido tú”.
Hamill tuvo que mantener el secreto durante más de un año, algo que le generaba mucha intranquilidad: "Me volví paranoico porque soy muy malo guardando secretos. Hablo en sueños, así que era bastante peligroso [...]. En el screening [pase con la película ya montada], Harrison se giró hacia mí y me dijo: Joder, chaval, esto no me lo dijiste".
LOS MEDIOS RUDIMENTARIOS PERO EXITOSOS DE LA PRIMERA TRILOGÍA
La trilogía original se filmó con un presupuesto relativamente bajo y los medios técnicos de la época, lo cual estimuló la inventiva del equipo de grabación. George Lucas quería una película con efectos especiales como nunca antes se hubieran visto, para lo cual tuvo que crear su propia empresa: Industrial Light & Magic, que hizo uso de todos los recursos posibles.
El más usado fueron, sin duda, las maquetas movidas mediante hilos que se utilizaron para las escenas en las que las naves vuelan por el espacio o cuando hay explosiones. Para las máquinas de asalto imperiales, así como para algunas criaturas alienígenas, se usó la técnica del stop motion, haciendo 24 fotografías por segundo y pasándolas a toda velocidad para hacer que se movieran.
Otro gran hito fue el muñeco de Yoda, el venerable maestro Jedi que aparece en la trilogía original antes de que la animación por ordenador permitiera crearlo digitalmente. El resultado fue mejor del que esperaba el propio Lucas, que había llegado a considerar usar un mono amaestrado para dar vida al personaje.
Pero tal vez el más desconocido sea el modo en que se filmaron las famosas introducciones en las que unas letras amarillas se deslizan hacia el infinito por un fondo negro. En la trilogía original, estas fueron realizadas filmando placas con el texto escrito colocadas en el suelo, y el efecto de desplazamiento se logró moviendo la cámara longitudinalmente a lo largo del modelo. Era difícil y llevaba mucho tiempo lograr un efecto de desplazamiento suave, motivo por el cual las primeras distribuciones en otros idiomas conservaban la secuencia en inglés doblada a la lengua correspondiente.
LA APUESTA DE 40 MILLONES DE DÓLARES ENTRE GEORGE LUCAS Y STEVEN SPIELBERG
Una nueva esperanza fue un gran éxito de taquilla, algo que sorprendió al propio George Lucas. Durante la producción de la película se detuvo a visitar a su amigo, el también director Steven Spielberg, que en aquel momento estaba rodando Encuentros en la tercera fase. Lucas no estaba muy animado respecto a su proyecto e incluso varios de sus amigos directores le habían hecho críticas poco alentadoras, pero al compartir sus ideas con Spielberg, este se mostró convencido de que tendría un gran éxito. Fue entonces cuando hicieron una apuesta: cada uno regalaría al otro un 2,5% de los ingresos que ganasen con sus respectivas películas.
Lucas tenía claro que iba a salir ganando con la apuesta, ya que Spielberg venía de lograr un gran éxito con Tiburón en 1975. Y ciertamente Encuentros en la tercera fase fue un éxito, pero ni de lejos el mismo que Una nueva esperanza. Gracias a aquella apuesta Spielberg ganó unos 40 millones de dólares, que utilizó para invertir en un proyecto que los uniría a ambos, Spielberg como director y Lucas como productor: la primera película de Indiana Jones, En busca del arca perdida.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/03/shutterstock-editorial_cc536bc9_5872441b_230503122211_800x1209.jpg)
Lucas (izquierda) y Spielberg (derecha) en el rodaje de "En busca del arca perdida".
EL ESPECIAL HORRENDO QUE NADIE QUERÍA RECORDAR
Cada cual tiene sus propias entregas preferidas y odiadas de Star Wars. Pero hay una en la que unánimemente todo el mundo coincide que fue un desastre, incluidos los propios actores que participaron. Se trata del casi mítico Star Wars Holiday Special, un especial de televisión emitido en noviembre de 1978.
La trama se sitúa entre Una nueva esperanza y El Imperio contraataca, que entonces se encontraba en fase de preproducción. Resulta difícil describir este producto, una heterogénea mezcla de programas de bajo presupuesto que incluía números musicales, títeres, fragmentos animados, anuncios publicitarios y cosas demasiado extrañas para ser descritas fielmente con palabras.
Debido a la recepción extremamente mala que tuvo, el especial nunca fue reemitido ni distribuido en formato doméstico, y los actores involucrados prefieren correr un tupido velo cuando se menciona esa mancha negra en sus carreras. Aun así puede ser encontrado fácilmente en internet, a riesgo del espectador que se atreva a mirarlo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/03/tbdstwa-ec004_d33a0cce_230503122338_800x1135.jpg)
Mark Hamill (Luke Skywalker) y Kenny Baker (R2-D2) en el rodaje del infame Holiday Special
(c) Lucasfilm, Ltd./Courtesy: Everett Collection
EL ACTOR QUE SUFRIÓ BULLYING Y REGRESÓ TRIUNFALMENTE 20 AÑOS DESPUÉS
La cara más oscura de Star Wars es el bullying que han sufrido varios de sus actores, generalmente debido a que sus personajes no fueron bien recibidos. Entre estos se encuentran Jake Lloyd, que encarnaba al joven Anakin Skywalker en La amenaza fantasma; o el caso más reciente de Kelly Marie Tran, que hacía el papel de Rose Tico en Los últimos Jedi.
Uno de los casos más notorios fue el de Ahmed Best, cuya interpretación de Jar Jar Binks en la trilogía de las precuelas casi lo llevó al suicidio debido a la reacción extremadamente hostil de parte del público hacia su personaje. El actor llegó a recibir amenazas de muerte, consideró suicidarse y decidió no volver a participar en Star Wars ni en otra superproducción.
Best, sin embargo, ha tenido un regreso triunfal en la actual serie The Mandalorian, en la que interpreta al Maestro Jedi Kelleran Beq. Anteriormente, ya participó en un programa televisivo de la franquicia llamado El desafío del Templo Jedi, un concurso infantil estrenado en 2020 en el que los participantes deben superar diversas pruebas para convertirse en Jedi.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/04/28/ahmed-best_118ef047_230428194343_800x954.jpg)
Ahmed Best en la Big Apple Convention en Manhattan, 2010. Fue la primera vez que el actor acudía a una convención de Star Wars.
Luigi Novi (CC)
EL CURIOSO ORIGEN DEL MEME “I HAVE THE HIGH GROUND!”
Star Wars ha sido una fuente inagotable de memes. Uno de los más famosos se refiere a una escena de La venganza de los Sith en la que Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor) lucha contra su aprendiz Anakin Skywalker (Hayden Christensen) y en un determinado momento, exclama: “I have the high ground!” (“la altura me da ventaja!” en la versión española). Esta frase tiene su origen en una curiosa anécdota entre McGregor, Christensen y Nick Gillard, coordinador de dobles en las escenas de acción.
Fue Gillard quien explicó la anécdota: “Cada noche cenábamos en un restaurante que estaba situado en lo alto de una colina. Podías caminar hasta allí por la carretera o bien tomar un atajo por un camino escarpado. Yo siempre tomaba la ruta más directa por este camino, pero Hayden odia las pendientes. Eso me hizo pensar en el terreno elevado y que si ponía a Anakin en una pendiente, Obi tendría una oportunidad”.
Desde el estreno de la película el meme ha sido muy popular entre los fans, quienes bromeaban con el hecho de que, en La amenaza fantasma, el propio Obi-Wan sobrevivió a una situación en la que su oponente (Darth Maul) contaba con la ventaja de la altura, de modo que resultaba irónico que considerase que su posición le favorecía.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/03/mcdstwa_8e60f524_FE058_230503122436_800x341.jpg)
Escena de La venganza de los Sith.
©copyright Twentieth Century-Fox Film Corporation. All rights reserved/Courtesy Everett Collection
PERSONAJES SECUNDARIOS DE ÉXITO INESPERADO
Una de las producciones recientes más aclamadas de la franquicia es The Mandalorian, que sigue las aventuras de un cazarrecompensas perteneciente a una etnia guerrera conocida como mandalorianos. Su trama se entrelaza con la de otra serie, El libro de Boba Fett, centrada en otro personaje introducido en El Imperio contraataca que viste la armadura y el casco característicos de esta cultura.
Resulta curioso que dos de los proyectos actuales de la franquicia tengan su origen en un personaje secundario que, cuando apareció por primera vez, ni siquiera tenía nombre. El nombre de Boba Fett no fue pronunciado hasta El retorno del Jedi, e incluso entonces su aparición es secundaria. El éxito entre los fans fue del todo inesperado, lo que llevó a su aparición en novelas, cómics y, finalmente, la creación de una serie de televisión centrada en él y otra en los mandalorianos.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/03/tcdmand-g5137_2cdba472_230503122453_800x335.jpg)
©Disney+/Lucasfilm / Courtesy Everett Collection
No es el único caso de personajes que obtienen un éxito inesperado, pues varios de los proyectos actuales de la franquicia se basan en personajes introducidos en un principio como secundarios. Es el caso de las series Andor y de la inminente Ahsoka, basada en uno de los personajes más queridos de las series animadas Las Guerras Clon y Rebels, y que se estrenará en agosto de este año.
-
El diamante koh-i-noor y otras joyas “malditas”
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/02/joyas-malditas-koh-i-noor-franz-xaver-winterhalter-royal-collection_f06408ff_230502162730_550x703.jpg)
Joyas malditas Koh i Noor (Franz Xaver Winterhalter, Royal Collection)
Retrato de la reina Victoria con el diamante Koh-i-Noor engarzado un broche.
Las historias de tesoros y reliquias malditas son indudablemente atractivas: a lo largo de la historia, varias joyas se han ganado esta fama, que a menudo es bastante infundada y fruto de la exageración. He aquí la historia de cinco famosas joyas supuestamente malditas.
EL DIAMANTE KOH-I-NOOR
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/02/joyas-malditas-koh-i-noor-pa-cordon-press_47e7f316_230502162054_800x1264.jpg)
Joyas malditas Koh i Noor (PA, Cordon Press)
Con 105,6 quilates, es uno de los diamantes tallados más grandes del mundo y la pieza central de la corona de la reina madre Isabel, madre de la difunta Isabel II y abuela del actual monarca Carlos III; así como de las anteriores Coronas Imperiales del Reino Unido. Lo peculiar de su supuesta maldición es que solo afecta a los hombres.
El Koh-i-Noor formaba parte del Trono del Pavo Real, un trono incrustado de joyas en el que se sentaban los emperadores mogoles de la India. El trono fue tomado como botín de guerra por Nader Shah, emperador de Persia, que en 1740 invadió el Imperio Mogol; el shah se quedó con el diamante y le dio su nombre, que en persa significa “montaña de luz”. La joya pasó de mano en mano entre diversos reyes asiáticos hasta llegar a manos de una dinastía real del Punjab, en la India.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/02/joyas-malditas-koh-i-noor-the-crystal-palace-and-its-contents_9e1b3f7d_230502162132_800x364.jpg)
Joyas malditas Koh i Noor (The Crystal Palace, and its contents)
El Koh-i-Noor en el catálogo de una exposición en el Crystal Palace de Londres.
The Crystal Palace, and its contents
Es en esa época cuando se origina su supuesta maldición, ya que desde los tiempos de Nader Shah todos los hombres que lo llevaron perdieron el trono (algunos de ellos incluso fueron asesinados), incluyendo al último de ellos, el maharajá Gulab Singh, soberano del principado de Jammu y Cachemira. Una leyenda dice que solo un dios o una mujer pueden llevarlo impunemente, y tal vez por ello, cuando cayó en manos británicas se convirtió en un ornamento exclusivo de las reinas, fueran gobernantes o consortes.
Cuando la Compañía Británica de las Indias Orientales se anexionó el Punjab en 1849, el brazalete en el que estaba incrustado Koh-i-Noor fue cedido a la reina Victoria como parte del tratado de dominio británico. Pero su aspecto tosco no gustaba al príncipe Alberto, marido de la reina, que ordenó que lo tallasen de nuevo y lo incrustaran en un broche. A pesar de eso, Victoria manifestó en más de una ocasión su incomodidad por llevar aquella joya tras saber por uno de sus asistentes indios que era un botín de guerra.
Tras la muerte de Victoria, el Koh-i-Noor fue incrustado en la Corona Imperial británica fabricada en 1902 para la reina Alejandra, consorte de Eduardo VII; y de esta pasó a otras dos coronas sucesivas: la de la reina María en 1911 y la de la reina madre Isabel en 1937. La actual reina consorte Camila también llevará esta corona, pero sin el Koh-i-Noor: la decisión se debe a que el diamante es un símbolo del pasado imperial del Reino Unido y con seguridad suscitaría polémicas.
EL DIAMANTE HOPE
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/02/joyas-malditas-diamante-hope-museo-smithsonian_655b0036_230502162142_800x741.jpg)
Joyas malditas Diamante Hope (Museo Smithsonian)
Museo Smithsonian
Este diamante de 46 quilates y color azul profundo, expuesto en el Museo Smithsonian de Washington, tiene el dudoso honor de ser considerado “la joya más maldita del mundo”, incluso más que el Koh-i-Noor: varios de sus propietarios a lo largo de la historia han coleccionado, supuestamente, una larga lista de desdichas, desde la bancarrota hasta la muerte; algo irónico, ya que su nombre significa “esperanza”.
El diamante, que originalmente era mucho más grande, procede de la India: según la leyenda, era el ojo de la estatua de una diosa india y fue robado por un sacerdote, que fue capturado y torturado hasta la muerte. La joya fue adquirida o robada por un mercader francés llamado Jean-Baptiste Tavernier, que la llevó a Francia en 1666. Por aquel entonces el diamante tenía entre 110 y 115 quilates, pero el mercader lo talló de nuevo y lo vendió al rey Luis XIV a cambio de dinero y un título de nobleza.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/02/joyas-malditas-diamante-hope-francois-farges_80f197a2_230502162515_800x2034.jpg)
Joyas malditas Diamante Hope (François Farges)
Ilustración del diamante Hope como parte de un broche de los reyes franceses.
François Farges
El diamante formó parte de las joyas de la corona francesa y pasó a ser conocido como el Diamante Azul por su color intenso, que procede de las impurezas de boro que contiene. Desapareció durante la Revolución Francesa y reapareció en Londres en 1812. Allí fue comprado por el coleccionista y banquero Henry Philip Hope, del cual recibió su nuevo nombre, y de él pasó de mano en mano entre diversos coleccionistas y gente rica atraída por el hecho de poseer un diamante de los reyes franceses.
Su fama de joya maldita procede sobre todo de una de sus propietarias, la rica heredera estadounidense Evelyn Walsh McLean, que pareció haber sufrido una maldición después de adquirir el diamante en 1911: su hijo murió en un accidente de coche; su hija, por una sobredosis de pastillas para dormir; su esposo huyó con su amante y su fortuna; el periódico de su familia quebró, y ella misma se convirtió en alcohólica y murió al cabo de poco. Sus joyas fueron vendidas para pagar sus deudas de su patrimonio y el diamante Hope pasó por otros propietarios, hasta que el Museo Smithsonian lo compró en 1958.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/02/joyas-malditas-evelyn-walsh-library-of-congress_1b61eb8b_230502162227_800x571.jpg)
Joyas malditas Evelyn Walsh (Library of Congress)
Evelyn Walsh McLean
Library of Congress
Hay que decir que la prensa jugó un papel importante a la hora de publicitar la supuesta maldición del diamante, ya que cuando McLean lo había comprado los periódicos hablaron bastante de la mala suerte que había traído a sus propietarios anteriores y especialmente a la reina María Antonieta, que murió en la guillotina, como si este destino fuera atribuible a una joya concreta entre las muchas que poseía y no al polvorín que era Francia en aquellos tiempos.
EL RUBÍ DEL PRÍNCIPE NEGRO
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/02/joyas-malditas-rubi-del-principe-negro-the-crown-jewels-of-england_2a3e4899_230502162535_800x889.jpg)
Joyas malditas Rubí del Príncipe Negro (The Crown Jewels of England)
The Crown Jewels of England
El nombre de por sí ya parece el título de una novela de aventuras, y el periplo de esta joya lo confirma. Pero en su historia no es joya todo lo que reluce, empezando por su nombre, ya que no se trata de un rubí: es una espinela roja, una gema muy apreciada en la Edad Media por su parecido con el rubí, aunque de menos valor.
La espinela, de 170 quilates, es la pieza más grande y vistosa que adorna la parte frontal de la Corona Imperial de los monarcas del Reino Unido, así como una de las joyas más antiguas de esta. Ha estado en poder de la monarquía británica desde el siglo XIV.
Según la leyenda, la joya fue arrebatada del cadáver del sultán de Granada por el rey de Castilla Pedro el Cruel. Poco después, uno de los hermanos de Pedro le quiso disputar el trono y el rey contrató como guardaespaldas a Eduardo de Woodstock, primogénito del rey inglés Eduardo III, ofreciéndole la espinela como pago por sus servicios: este hombre pasaría a la historia como “el príncipe negro”, por su mala reputación y porque su armadura y escudo eran de este color; de ahí el nombre de la joya.
Terminado su trabajo, Woodstock regresó a Inglaterra y años más tarde murió de una misteriosa enfermedad que supuestamente contrajo al recibir la joya; pero nada especialmente raro para alguien que se dedicaba a la guerra. La joya fue transmitida en herencia por los reyes de Inglaterra, varios de los cuales murieron o estuvieron a punto de morir en batalla: de nuevo, nada raro para un rey en la Edad Media.
Esta majestuosa joya sigue formando parte de la Corona Británica. La Reina Isabel II la ha lucido en multitud de ocasiones. Algunas de ellas quedan reflejadas en la edición especial Isabel II, un álbum que contiene fotografías exclusivas del archivo de National Geographic y todos los detalles de la vida pública y privada de la reina. Consíguelo gratis con la suscripción en formato papel + digital de la revista Historia National Geographic y descubre cómo la monarca con el reinado más largo del Reino Unido lucía esta y otras de sus joyas más icónicas en sus compromisos oficiales.
EL OJO DE BRAHMA O DIAMANTE NEGRO DE ORLOV
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/02/joyas-malditas-orlov-negro-museo-de-historia-natural-de-londres_b6441aef_230502162557_800x558.jpg)
Joyas malditas Orlov Negro (Museo de Historia Natural de Londres)
Museo de Historia Natural de Londres
La leyenda de este diamante negro guarda bastante parecido con la del Hope: supuestamente era el ojo de una estatua del dios hindú Brahma y fue robado por un clérigo jesuita, lo cual hizo caer una maldición sobre la joya. Aun así, los expertos ponen en duda esta leyenda ya que en la India no se han encontrado grandes yacimientos de diamantes negros, que adquieren este color a causa de impurezas de grafito y solo se encuentran en cantidades significativas en África central y Brasil.
Sea como fuere, el diamante fue adquirido por un comerciante de diamantes estadounidense llamado J.W. Paris, que se suicidó en 1932 tirándose desde un rascacielos: su muerte, más que a una maldición, es perfectamente atribuible a los problemas económicos por los que pasaba en la época de la Gran Depresión. En la década de 1940 el diamante pasó a manos de dos princesas, Leonila Galitsine-Bariatinsky y Nadia Vygin-Orlov, de la cual procede el segundo nombre de la joya. Ambas repitieron el patrón de Paris y se suicidaron tirándose desde un edificio.
Posteriormente, el diamante fue comprado por Charles F. Winson, quien ordenó a un joyero cortarlo en tres piezas distintas para “romper” la maldición y lo engarzó en un broche formado por 108 diamantes, junto con un collar de 124 diamantes. La pieza fue comprada por el comerciante Dennis Petimezas en 2004 y ha sido exhibida en los museos de Historia Natural de Londres y de Nueva York.
EL DIAMANTE BLANCO DE ORLOV
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/02/joyas-malditas-orlov-blanco-elkan-wijnberg-armeria-del-kremlin_b2148f8c_230502162611_800x511.jpg)
Joyas malditas Orlov Blanco (Elkan Wijnberg, Armería del Kremlin)
Elkan Wijnberg / Armería del Kremlin
Las joyas “malditas” parecen tener una predilección por la familia Orlov: junto con el Diamante Negro había otro, el Diamante Blanco, cuya mala suerte supuestamente también les perseguía. Y, cosa nada sorprendente, su leyenda también afirma que servía como ojo de la estatua de una diosa hindú: a estas alturas, ha quedado claro que quitar ojos a las estatuas de divinidades es una mala idea.
El Diamante Blanco de Orlov es una joya de 180 quilates que la zarina Catalina la Grande recibió como regalo de uno de sus amantes, el conde Grigori Grigorievich Orlov, como símbolo de su devoción por ella. Orlov fue el cabecilla del golpe de Estado que en 1762 derrocó al esposo de Catalina, Pedro III, y la colocó a ella en el trono. La nueva emperatriz hizo engarzar el diamante en un cetro encargado expresamente para la joya, en el cual permanece y que actualmente se encuentra en exposición en la Armería del Kremlin, en Moscú.
Sin embargó, el conde cayó en desgracia y la emperatriz lo apartó de su lado. Más que a una maldición, ello puede atribuirse a las repetidas infidelidades de Orlov y a la animadversión que sentían por él otros consejeros de Catalina. En cualquier caso, tras un periodo de exilio el conde volvió a Moscú en 1782, pero murió al año siguiente. La leyenda dice que la maldición del Diamante Blanco hizo que se volviera loco, pero una explicación más razonable es el hecho de que padecía demencia.
-
¿Cuál es el origen del día de la madre y por qué no se celebra el mismo día en todo el mundo?
El Día de la Madre es una celebración prácticamente internacional, pero cada país lo celebra en días distintos. Te contamos por qué sucede esto y cuál es el origen del homenaje a las madres.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/04/dia-de-la-madre-1_ebf172aa_230504102911_1280x1270.jpg)
El Día de la Madre se celebra en gran parte del mundo, pero en fechas distintas para cada país. Lo que sí se ha establecido como consenso es que el día sirve para rendir homenaje a la maternidad, ya no tanto como un factor fundamental para la construcción de la familia, sino más bien como un proceso simbólico e históricamente asociado al amor, al esfuerzo, a la comprensión y a la ternura.
Al contrario de lo que se suele pensar, la tradición de celebrar el Día de la Madre no tiene su origen en la época contemporánea. De hecho, las civilizaciones antiguas ya rendían culto a la figura de la madre.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/04/cibeles_56592c43_2002095128_230504163617_800x533.jpg)
cibeles
Estatua de Cibeles, diosa de la tierra.
Por ejemplo, en la Antigua Grecia, Rea no solo era la diosa de la fertilidad y la maternidad, sino que era considerada la madre de la humanidad por haber dado a luz a Hestia, Hades, Deméter, Poseidón, Hera y Zeus. Es por ello que, cada año al inicio de la primavera, los griegos celebraban un festival para venerar a esta deidad. Así mismo, en Roma se realizaban rituales similares para homenajear a Cibeles, diosa de la tierra, y en Egipto se honraba a Isis, la Gran diosa madre.
Más tarde, el cristianismo concentró todo este simbolismo en una sola figura: la Virgen María, cuyo día es el 8 de diciembre, llamado oficialmente Día de la Inmaculada Concepción. Así pues, en países de tradición cristiana, este era el día en que se alababa a las madres y así se mantuvo hasta bien entrado el siglo XX.
ESPAÑA Y EL HOMENAJE A LAS MADRES
La costumbre de celebrar el Día de la Madre en la misma fecha que el Día de la Inmaculada Concepción estuvo arraigada en España durante siglos.
Sin embargo, en 1925, un funcionario de Correos llamado Julio Menéndez García planteó una iniciativa que inmediatamente fue difundida por todos los periódicos nacionales: la necesidad de un día exclusivo dedicado a "enaltecer el amor a la Madre". Así lo escribió en su poema Himno de la madre.
La iniciativa fue enmarcada en un proyecto denominado Semana de la Bondad, que se celebraría la primera semana de octubre de 1926 y que reservaría un día especial para que los niños regalasen ramos de flores a sus madres. Este fue el primer Día de la Madre oficial en España, aunque no el definitivo.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/04/dia-madre-espana_36625ecf_230504152957_800x1092.jpg)
día-madre-españa
La Esfera (9 de octubre de 1926).
Hemeroteca digital de la BNE
Al año siguiente, un artículo del periódico Nuevo Mundo proponía adherirse a la fecha de EEUU, que ya estaba calando en otros países. Así fue como progresivamente algunas ciudades, como Zaragoza o Málaga, empezaron a celebrar el Día de la Madre en mayo, de forma extraoficial.
El penúltimo cambio vino con la dictadura de Francisco Franco, que devolvió el homenaje a su fecha cristiana: el 8 de diciembre. Sin embargo, debido a los intereses comerciales que se relacionaban con la celebración, en 1965 se instauró oficial y definitivamente el primer domingo de mayo como el Día de la Madre en España.
ESTADOS UNIDOS Y EL ORIGEN DEL DÍA DE LA MADRE MODERNO
El Día de la Madre tal y como hoy lo conocemos tiene su origen en 1865, en el escenario de un país recién salido de la Guerra de Secesión.
La activista Ann Maria Reeves comenzó a organizar reuniones de madres, llamadas Reuniones del Día de las Madres, para poner en común opiniones y experiencias en conjunto. Allí fue donde una de las líderes del movimiento feminista, Julia Ward Howe, empezó a desarrollarse también como activista y escritora.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/04/julia-ward_f44988c3_230504150427_800x891.jpg)
julia ward
Julia Ward Howe (1819-1910).
En 1870, como forma de respuesta pacífica a las tragedias vividas durante la guerra, y para compadecerse con las víctimas de la Guerra Franco-prusiana, Ward Howe llamó a las mujeres del mundo a unirse para promover la paz en el mundo, a través de su poema titulado Proclama del día de las madres.
Nosotras, mujeres de un país, tendremos demasiada compasión hacia aquellas de otro país, como para permitir que nuestros hijos sean entrenados para herir a los suyos.
- Julia Ward Howe
En 1907, coincidiendo con la muerte de la madre de una miembro de las Reuniones, el movimiento de mujeres solicitó al gobierno convertir el 12 de mayo -el segundo domingo del mes- en un día dedicado a las madres del mundo.
Así pues, el Día de la Madre se oficializó en 1914, bajo el mandato del presidente Woodrow Wilson, y es el que se mantiene todavía en Estados Unidos y en otros países que se unieron a la celebración, como Colombia y Venezuela.
MÉXICO Y EL MONUMENTO A LA MADRE
La fecha elegida por los mexicanos para homenajear a las mamás, el 10 de mayo, tuvo aceptación desde el primer momento.
En abril de 1922, el fundador del diario Excélsior, Rafael Alducin, publicó en portada: "El Día de las Madres será celebrado este año en casi toda la república" y aseguró que otras asociaciones, periódicos e instituciones estatales ya se habían adherido a la iniciativa. Y efectivamente, el Día de la Madre en México se ha celebrado el 10 de mayo desde ese año hasta la actualidad.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/04/monumento-a-la-madre_16da8c88_230504170349_800x533.jpg)
Monumento a la Madre
Monumento a la Madre (Ciudad de México). Laura Velázquez en Wikimedia Commons.
Además, ese día pero de 1944, el presidente Manuel Ávila Camacho colocó la primera piedra de lo que sería el Monumento a la Madre, una escultura que representa a una mujer con su hijo en brazos y que está ubicada en Ciudad de México. Esta construcción está acompañada por dos placas en la que se puede leer: "A la que nos amó antes de conocernos" y "Porque su maternidad fue voluntaria".
-
Shoichi yokoi, el soldado japonés que vivió treinta años en la selva
Tras la caída de la isla de Guam en manos del ejército norteamericano, Shoichi Yokoi, un sargento del Ejército Imperial Japonés, decidió ocultarse en la selva para preservar su honor y no entregar las armas al enemigo. Allí pasó casi tres décadas en completa soledad hasta que fue encontrado en 1972 por unos cazadores. A su regreso a Japón, Yokoi fue recibido con todos los honores y se convirtió en un héroe nacional.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/11/12/fotografia-de-soichi-yokoi-vestido-de-sargento-del-ejercito-imperial-japones_2807a61a_465x599.jpeg)
"Lo invadió el pánico", recuerda su sobrino, Omi Hatashin. Y es que cuando Shoichi Yokoi, sargento del ejército imperial japonés, fue descubierto por un grupo de cazadores en la isla de Guam, un pequeño archipiélago del Pacífico, estaba convencido de que su vida corría peligro si caía en manos de los soldados norteamericanos. Atemorizado por la presencia de otros seres humanos después de más de casi treinta años de soledad, el soldado intentó incluso arrebatarles un fusil para defenderse, sin embargo su extrema debilidad se lo impidió y fue fácilmente reducido. Aquí se explica su sorprendente historia.
PROHIBIDO RENDIRSE
Nacido el 31 de marzo de 1915 en Aisai, una ciudad de la prefectura de Aichi, en Japón, Soichi tomó el apellido de su madre, Oshika, tras las separación de sus padres, y cuando su madre volvió a casarse, el joven adoptó el apellido de su padrastro: Yokoi. Tras graduarse en la escuela primaria, trabajó unos años como aprendiz en una sastrería hasta que en 1941 fue reclutado por el Ejército Imperial para el servicio activo. El primer destino del joven Yokoi fue la 29ª división de infantería acantonada en Manchukuo (Manchuria), un estado títere localizado al noreste de China y que comprendía parte de Mongolia Interior. En 1943, Yokoi fue trasladado al 38º regimiento destacado en las Islas Marianas, en el Pacífico.
El primer destino del joven Yokoi fue la 29ª división de infantería acantonada en Manchukuo (Manchuria), un estado títere localizado al noreste de China y que comprendía parte de Mongolia Interior.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/11/12/soldados-norteamericanos-buscando-francotiradores-japoneses-durante-la-invasion-de-la-isla-de-guam_ee3c22c7_800x614.jpeg)
Soldados norteamericanos buscan francotiradores japoneses durante la invasión de la isla de Guam, en el Pacífico.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/11/12/marines-norteamericanos-buscando-soldados-japoneses-escondidos-en-la-selva_3970ba83_800x613.jpeg)
El ejército estadounidense patrulla en busca de soldados japoneses escondidos en la selva.
Lo que Shoichi Yokoi no podía saber entonces era que su particular pesadilla estaba a punto de comenzar. De hecho lo hizo en el mes de julio de 1944, cuando el ejército estadounidense invadió la isla de Guam como parte de su ofensiva contra los japoneses en el Pacífico. Los combates fueron intensos y muy duros. Las tropas japonesas tenían a más de 22.000 hombres destacados en la isla, la mayoría de los cuales perdieron la vida durante los enfrentamientos. Pero no todos murieron o se rindieron. Con la guerra perdida, el código de honor japonés les impedía rendirse. Según el sobrino de Yokoi, su tío "temía que lo hicieran prisionero, lo que era la gran vergüenza para un soldado japonés y su familia en Japón", por lo que Yokoi y otros diez soldados más se escondieron en la selva huyendo de los estadounidenses. Algunos más seguían luchando como zan-ryu Nippon hei (rezagados) hasta que eran abatidos. Muchos de ellos desoyeron expresamente la orden del alto mando japonés de deponer las armas y a otros no les llegó tal orden porque la línea de mando se había roto.
LA SOLEDAD DE LA JUNGLA
Para no ser capturados durante su huida, los fugados, a medida que avanzaban por la selva, iban borrando su rastro. Su vida en la jungla era penosa y muy dura, por lo que muy pronto el grupo inicial se vio reducido a seis miembros que para sobrevivir se alimentaban de sapos venenosos, de anguilas de río y de ratas. Con el temor constante de ser de descubiertos, los fugitivos se fueron adentrando cada vez más en la espesura. Al final la mayoría prefirió volver y entregarse, pero dos hombres y el propio Yokoi decidieron seguir adelante y no deponer las armas. Con el paso de los meses, los tres soldados decidieron separarse por su propia seguridad, y Yokoi se instaló en solitario en una cueva cerca de las cascadas del río Talofofo, donde se construyó un refugio. Allí pasaría las siguientes décadas.
Con el paso de los meses, Yokoi y sus dos compañeros decidieron separarse por su propia seguridad, y Yokoi decidió instalarse en solitario en una cueva cerca de las cascadas del río Talofofo, donde se construyó un refugio.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/11/12/rendicion-de-un-soldado-japones-durante-la-invasion-de-la-isla-de-guam_dd04fa85_703x599.jpeg)
Un soldado japonés se rinde a los estadounidenses durante la invasión de la isla de Guam.
Con el paso del tiempo, su ropa de militar fue desintegrándose poco a poco, por lo que se valió de plantas y de cualquier otro recurso de la naturaleza que tuviese a su alcance para confeccionarse ropa nueva, incluso sandalias, y fabricar diversos utensilios para su supervivencia, como cantimploras, mochilas y otros objetos para protegerse de los elementos. De hecho, llegó a construir un telar con el que tejió su propia ropa con fibras de coco. Su alimentación consistía en frutas silvestres, ranas, ratas, caracoles, y anguilas y camarones que pescaba con trampas que él mismo fabricó. Incluso enfermó de tifus y de malaria, pero logró sobrevivir. A pesar de estar solo, Yokoi visitaba ocasionalmente a sus otros dos compañeros, que se habían establecido en otra parte de la isla. Pero un día del año 1964 los halló muertos a causa de las inundaciones que habían asolado la isla aquel año y a la falta de alimento. Ahora sí que definitivamente Yokoi estaba complemente solo.
MUERTE ANTES QUE DESHONOR
Yokoi vivió de este modo hasta el 24 de enero de 1972. Aquella noche, se disponía ir a pescar como hacía siempre y a comprobar las trampas que había puesto cuando fue sorprendido por dos cazadores. Por entonces Yokoi tenía 57 años y estaba muy débil tanto física como emocionalmente. Asustado, pidió clemencia a aquellos hombres pensando que se trataba de soldados enemigos. Tal era su desesperación que llegó a pedirles que lo mataran allí mismo antes de ser capturado y perder su honor. Poco a poco logró tranquilizarse y se fue dando cuenta de que aquellos cazadores no eran hostiles y que lo que en realidad estaban haciendo era rescatarle. Fueron los propios cazadores quienes le explicaron que la guerra hacía mucho tiempo que había terminado, y que Japón la había perdido.
El 24 de enero de 1972, Yokoi fue sorprendido por dos cazadores. Asustado, pidió clemencia a aquellas personas pensando que eran soldados enemigos. Tal era su desesperación que llegó a pedir que lo mataran antes de ser capturado y perder su honor.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/11/12/soldados-japoneses-internados-en-un-campo-de-prisioneros-en-la-isla-de-guam_5429fec1_589x577.jpeg)
Soldados japoneses internados en un campo de prisioneros en la isla de Guam.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2021/11/12/grupo-de-prisioneros-japoneses-trasladados-a-hawaii_07836465_800x555.jpeg)
Un grupo de prisioneros japoneses son trasladados a Hawáii.
Aquel mismo año, Shoichi Yokoi fue repatriado. Durante el vuelo de regreso, no pudo evitar romper a llorar cuando sobrevoló el emblema de Japón: el monte Fuji. En su país fue recibido por mas de cinco mil personas y sus primeras palabras fueron: "Es vergonzoso, pero he vuelto". Con el tiempo esta frase se convertiría en un dicho popular en todo Japón. En entrevistas posteriores, Yokoi explicó cómo logró sobrevivir en condiciones tan terribles durante tanto tiempo: "Seguí viviendo por el bien del emperador y creyendo en el emperador y en el espíritu japonés". Asimismo, admitió sentirse "extraño" por haber vuelto y por convertirse en una persona célebre de la noche a la mañana. A partir de entonces, su recién adquirida fama lo llevó a la radio y a la televisión (incluso fue comentarista en este medio), y también se rodó un documental sobre sus veintiocho años de vida en las selvas de Guam que se estrenó en el año 1977.
REGRESO A GUAM
La reaparición de Yokoi convenció al gobierno japonés de llevar a cabo una misión de búsqueda de soldados que pudieran permanecer aún perdidos en las islas del Pacífico, aunque realmente no lograron encontrar a casi ninguno (los únicos a los que pudieron localizar fueron al teniente Hiroo Onoda y al soldado Teruo Nakamura en 1974). Por su parte, Yokoi volvió a casarse y a rehacer su vida, pero sus allegados aseguraban que siempre se sintió un forastero en aquel mundo que para él resultaba tan tecnológico y moderno. Aquella sensación lo llevaría en varias ocasiones a viajar al lugar donde pasó tantos años de su vida: Guam. Allí pudo comprobar que gozaba de cierta fama y emocionado se enteró de que el museo local le había dedicado una pequeña sección donde exponía algunas de las herramientas que él había fabricado con sus manos. Shoichi Yokoi murió el 22 de septiembre de 1997 de un ataque al corazón. El "Robinson Crusoe" japonés se convirtió en un símbolo nacional y en un ejemplo de la fortaleza y la perseverancia que el ser humano es capaz de desarrollar para lograr sobrevivir en las condiciones más adversas.
-
(https://lh3.googleusercontent.com/C5-ih090LBUKA8gvt21xN-8b6rM5szguy3-Dtp3B5CXP6sq9X-EZJq9wc3rexH1MMA_TIebgpPoeMiXZsP0qEXvjFHtjwZ9TE8SI7cm4nQ)
Los sanguinarios romanos que disfrutaban de ver las luchas de gladiadores con animales salvajes en el Coliseo, en una ocasión las luchas duraron 100 días, para ello acabaron con todos los animales del norte de África. Esto abarcaba a los leones de los cuales no hay rastro en el norte del continente hasta el día de hoy.
-
-
Le pedimos a una inteligencia artificial que imaginara el rostro de ricardo iii. este es el resultado
La apariencia física de Ricardo III ha despertado la curiosidad de historiadores durante siglos. Ahora, la Inteligencia Artificial ha interpretado cómo podría haber sido el rostro del monarca a lo largo de su corta vida.
Ricardo III fue el rey de Inglaterra entre 1483 y 1485, y es conocido por varios motivos: por haber sido el último rey muerto en batalla, por haber sido el último rey de la Dinastía York y por ser extremadamente feo. O, al menos, eso es lo que se creyó siempre.
Aprovechando las herramientas que nos ofrece la tecnología, que es cada vez más sofisticada, le pedimos a una Inteligencia Artificial que imaginase como sería su rostro a lo largo de los años. El resultado lo puedes ver en el vídeo que acompaña el artículo.
En el imaginario popular, la imagen de Ricardo III corresponde con la de un hombre poco agraciado y malvado. Esto se debe a que así es como William Shakespeare lo retrató en sus obras, en las que era descrito como “sapo repugnante”, “tirano” y “perro sanguinario”, entre otros adjetivos negativos.
(https://historia.nationalgeographic.com.es/medio/2023/05/10/ricardo-iii-de-inglaterra_00000000_230510110524_800x533.jpg)
Ricardo III de Inglaterra
El esqueleto de Ricardo III, que murió en 1485, a los 32 años de edad.
© UNIVERSITY OF LEICESTER
Sin embargo, en septiembre de 2012, un grupo de investigadores -impulsado por la historiadora amateur Philippa Langley- identificó los restos de Ricardo bajo el suelo de un aparcamiento de Leicester y, con la ayuda de la tecnología 3D, realizó una reconstrucción de su osamenta. Gracias a este trabajo, se obtuvo más información sobre cómo había muerto el rey y, por supuesto, sobre su fisonomía.
LA INTELIGENCIA ARTIFICIAL AL SERVICIO DE LA HISTORIA
El proyecto abrió una línea de debate a la que se unieron también algunos expertos en Ricardo III, y concluyó que el personaje no era ni tullido, ni desfigurado, ni deforme, al contrario de lo que describe Shakespeare en sus representaciones teatrales.
Ahora, con motivo del reciente lanzamiento de The Lost King (2023) y con el precedente de la reconstrucción 3D llevada a cabo por Philippa Langley e investigadores, hemos logrado darle vida a su rostro y proyectarlo desde su infancia hasta el día de su muerte. Sin embargo, esto es solo una propuesta de la Inteligencia Artificial -una tecnología compleja que se inspira de multitud de datos para crear imágenes- y, por lo tanto, se trata solo de una interpretación del rostro de Ricardo III.